La Filmoteca

Edicion especial: Toronto International Film Festival

2010-09-19T11:25:00.004-05:00

Cuando uno disfruta el cine tanto como yo, hay algunas experiencias que no se deben perder. Es mi meta poder ir a los festivales de cine más grandes e importantes del mundo y poder no solamente ver filmes, sino disfrutar el ambiente que les acompaña. Este fin de semana pasado tuve la dicha de comenzar ese viaje visitando uno de los festivales más importantes de América del Norte y del mundo: el Toronto International Film Festival (TIFF).

El TIFF, que este año celebra 35 años de existencia, es considerado por l@s crític@s cómo el segundo festival de mayor envergadura luego del prestigioso Cannes en Francia. Su importancia y su grandeza se reflejan, entre otras cosas, en los precios. Cada taquilla fluctúa entre los 25 y 50 dólares por película por persona. Aunque quizá de primera instancia esto no suena tan exorbitante, habría que pensar que la inmensa mayoría de estos filmes se dan en salas de cine comunes y corrientes. Es decir, el cine que usted normalmente ve por 9 o 10 dólares (aquí en esta área), le cuesta de 3 a 5 veces más esta semana. Sin embargo, hay algunas diferencias que hacen que la experiencia valga la pena.

Primero, cómo bien dice el nombre, es un festival internacional. Aunque sí se muestran películas de Hollywood, es una gran oportunidad para ver las mejores películas extranjeras que nunca llegan a nuestras salas de cine cotidianas. Segundo, aunque no sé si será así en todas las funciones, en la que yo fui tuve la oportunidad de asistir a una sesión de preguntas y respuestas con el director del filme. Tercero, al ir a una de estas películas te conviertes en parte del público votante que determina el único premio del festival. TIFF es un festival no-competitivo así que no tiene un jurado ni categorías como Cannes, pero sí tiene un premio que viene, precisamente, del público.

No obstante, por más beneficios que tenga, mi realidad como estudiante graduado sólo me permitió asistir a una película. Aquell@s que me leen sabrán que no iba a tomar una oportunidad como esa para irme a ver cualquier película hollywoodense. Escogí una película guatemalteca titulada Las Marimbas del infierno. Y tengo que decir que no me arrepiento.

Comienzo diciendo que no es una gran película. Marimbas del infierno es un experimento del director guatemalteco Julio Hernández Cordón y se nota al verla. Sin embargo, es un experimento positivo que tiene muchos momentos graciosos e iluminadores sobre la dificultad del proceso creativo en Guatemala.

Marimas del infierno es la historia de un hombre mayor que toca la marimba (instrumento autóctono del país parecido a un xilófono) y no consigue trabajo porque la gente ya no quiere oír su música. Al encontrarse sin dinero y sin trabajo recurre a una banda de rock heavy metal para proponer una fusión musical.

[Oprima para ver un corto del filme]

Al finalizar la película, el director nos explicó de dónde salió el proyecto. Resulta que originalmente él quería hacer un pseudo-documental (“mockumentary”) inspirado en eventos reales que le habían ocurrido al señor Don Alfonso (el protagonista de la película). Sin embargo, cuando comenzaron a rodar, Don Alfonso se retractó y decidió no contar su verdadera historia. Para entonces, ya el director Hernández Cordón había asegurado financiamiento y tenía que mostrarles a sus socios algún producto terminado. Así que, sin saber qué hacer, se le ocurrió utilizar las vidas reales de los personajes para crear una historia puramente de ficción. Ninguna de las personas que salen en la película son actores profesionales. Tod@s salen de ell@s mism@s, con sus propias ropas y sus propias idiosincrasias. Por ejemplo, Don Alfonso toca la marimba de verdad en los fines de semana y Blacko, el rockero, tenía una banda de heavy metal como en la película. Sin embargo, toda la historia del filme es inventada y sólo ocurre en la pantalla.

Cuando alguien le preguntó a Hernández Cordón que qué él quería lograr con ese filme y que si estaba conforme con el resultado, dado que no era lo que él se había propuesto hacer, él fue muy honesto y dijo que él sólo había querido divertirse y alejarse un poco de su otro proyecto, Polvo, que le estaba consumiendo su vida en el momento. De igual forma dijo que estaba muy conforme con el producto final puesto que se había hecho sin guión, sin actores profesionales, con un crew de 6 personas y con una cámara Canon muy barata y aun asi habia llegado al Festival de Toronto.

La realidad es que algunas de esas cosas que menciona Hernández Cordón se sienten en el filme. La falta de guión es, particularmente, notable a lo largo de toda la historia. Hay algunos momentos en los que uno, como público, no sabe para donde va la narrativa y qué es lo que se va a lograr. Sin embargo, otras de estas cosas se sienten para bien. El director guatemalteco explicó que el hecho de que tuviera actores no profesionales fue lo que lo llevó a adoptar el estilo cinematográfico que utilizó para filmar Marimbas. El resultado es una película con espacios fotográficos hermosos. En muchas ocasiones, el filme parece una secuencia de fotografías artísticas urbanas que nos muestran la pobreza y la nobleza del barrio en que se rodó. De igual forma tendría que decir que la falta de guión quizá dio paso a un lenguaje más natural y un producto mucho más folklórico. Las ocurrencias verbales (unidas a la situación de los personajes) mantuvieron la atención del público (y en varias ocasiones fueron responsables de carcajadas entre los presentes) aún cuando la historia misma podía parecer a veces desarticulada.

Para mí lo mejor de todo fue poder esclarecer todas mis dudas acerca de la narrativa tan pronto terminó. La sesión de preguntas y respuestas, como puede verse a lo largo de este recuento, convirtió la simple experiencia de ir al cine en otra cosa totalmente. Pude no solamente disfrutar el producto, sino entender el proceso tan peculiar de un experimento fílmico cómo éste y confirmar algunas las sospechas que desarrollé mientras estaba viéndola.

Roy Thompson Hall - Foto por RaFe

Pero la experiencia del festival no terminó ahí. Si por el día habíamos sido partícipes del arte y la creación, por la noche experimentamos la otra cara de la moneda: la industria y sus celebridades. Salimos en búsqueda de las famosas alfombras rojas y encontramos una justo afuera de uno de los teatros más icónicos de Toronto, el Roy Thompson Hall. Allí, según nos enteramos, sería la premier del filme The Town. Y aunque no pensaba pagar 50 dólares por ver una película que llegará pronto a los cines de segundas corridas por 3.50, mirar la entrada de las “estrellas” era gratis, así que nos quedamos ahí en espera de las celebridades. Aunque este blog no es un espacio para hablar de Hollywood, como quiera tendría que mencionar que fue una experiencia interesante ver el espectáculo que se desarrollaba en esa alfombra roja. Por ejemplo, lejos de llegar en limosinas, como todo el mundo esperaría, l@s actores y actrices se bajaban de unas guaguas “lujosas” pero igualmente ordinarias hechas por Chrysler. Claro, al saber que Chrysler era uno de los patrocinadores oficiales del festival, la cosa tiene más sentido. Por otra parte, es impresionante ver como estas celebridades literalmente posan minutos al frente de las cámaras de los papparazzis; quizás un poco irónico considerando que se pasan la vida entera escapándose de ést@s. También fue sorprendente ver la reacción de l@s fanátic@s cuando llegaban l@s protagonistas del filme. Los gritos, los empujones, las histerias no se registran igual a través de las cámaras. Y habría que dejar claro que, contrario a los estereotipos, esa reacción no es cosa de “niñas” o “mujeres”; la reacción era similar a lo largo del espectro racial, sexual y temporal.

Finalmente, al otro día fuimos a la apertura de un edificio que se llama el Bell Lightbox. Este edificio, que tiene salas de cine, restaurantes y barras, tiendas de souveniers y salas de conferencia, servirá como repositorio de todas las películas que se han mostrado a lo largo de los 35 años de existencia del festival de Toronto. Para conmemorar ese evento, l@s organizadores cerraron las calles aledañas y montaron una tarima con cantantes que amenizaron toda la tarde mientras la gente paseaba por los kioscos de comida y visitaban el nuevo edificio. Vale la pena decir que dentro se encuentra el único Oscar que ha ganado Canadá por una película extranjera: la maravillosa The Barbarian Invasions.

Bell Lightbox y tarima - Foto RaFe

En fin, creo que mi primera visita a un festival de gran envergadura fue un éxito rotundo. Hubiera querido poder ver más filmes y estar más días, pero no me puedo quejar. Ha sido un gran comienzo.

Hombres se entregan como voluntarios para participar de experimento en prision

2010-06-16T09:19:00.008-05:00

Título: Das Experiment (El Experimento) – 2001
País: Alemania
Idioma: alemán
Género: suspenso
Ocasión: Cuando quieres que se te suba la adrenalina
Dónde se consigue: Si alguien sabe, comente

Resumen

Veinte hombres entran a una prisión voluntariamente para participar de un estudio psicológico.

Comentarios

Hace ya varios meses que no escribo nada en “La Filmoteca”. En parte tiene que ver con el mucho trabajo que tengo en mis otras esferas, pero también tiene que ver con que mi acceso a películas extranjeras está limitado últimamente. Por eso es que decidí buscar en mis archivos mentales y comentar algún filme que hubiera visto hace tiempo.

Das Experiment está basada en una historia real que ocurrió en los años 70s en Estados Unidos. En 1971, el doctor Philip Zimbardo decidió investigar los efectos sicológicos de convertirse en un prisionero o en un guardia penal. Escogió 24 estudiantes subgraduados de la Universidad de Stanford en California y les asignó roles de guardias o prisioneros al azar. El experimento se llevó a cabo en el sótano del edificio de sicología de Stanford.

El filme alemán contiene, definitivamente, algunas licencias creativas. Sin embargo, los eventos que ocurren en la película están basados en los hallazgos del Dr. Lombardo y en el pietaje que se tomó en el experimento original.

Como en muchas ocasiones, no debería entrar en mucho detalle para no arruinar las sorpresas; pero sí hay algunas cosas generales que se pueden comentar. En Das Experiment se demuestra de alguna forma ese conflicto eterno entre la influencia que tienen las estructuras y las instituciones sobre nuestro comportamiento y la agencia que tenemos los individuos. El personaje principal, Tarek Fahd, es un taxista que decide participar en el experimento por que le ofrecen una suma de dinero que él no se gana normalmente en su trabajo. De igual forma, sabemos que la ciencia se ha aprovechado de muchas situaciones como esta a lo largo de la historia: se le ofrece dinero o esperanza a personas que por x o y razón no lo tienen, a cambio de que se sometan a un tratamiento o a un medicamento que tiene planteamientos éticos cuestionables.

Por otra parte, este conflicto se presenta en todo su apogeo en el mismo experimento como tal. Habría que hacerse la pregunta, ¿qué pudo más en el comportamiento de los voluntarios, la situación en la que se encontraban o sus andamiajes morales personales? Esto, obviamente, no es una pregunta fácil de contestar. Sin embargo, para efectos del filme parecería que l@s investigadores/as construyeron el experimento de tal forma en que la estructura provee los pasos “naturales” a tomar. Por ejemplo, el hecho de que les hayan dado macanas a los guardias pero les hayan dicho que “bajo ninguna circunstancia” deben utilizar la violencia parece ser una contradicción aparente. No obstante, la realidad es que las macanas se pusieron ahí por una razón; la decisión de los guardias de usarlas o no se hace más fácil al proveer un instrumento que ya viene cargado con su propio significado de autoridad y violencia.

Creo que también es apropiado decir que Das Experiment es, de alguna forma, una crítica al positivismo que se va dando, cada vez más, en las ciencias sociales. Poner a seres humanos en un laboratorio y darle “estímulos” puede tener consecuencias éticas impensables. Por demás, no importa cuántas generalizaciones se quieran hacer de este tipo de ambiente de laboratorio, la realidad es que las condiciones sociales, las variables individuales de cada humano y una multiplicidad de otros factores ambientales siempre harán que sea imposible crear “leyes” (en el sentido científico de la palabra) del comportamiento humano.

En fin, vea Das Experiment y observe lo que puede ocurrir cuando se pone al ser humano bajo el microscopio.

Cortos

Japonesa capturada en guerra regresa a su pais a son de insultos y hostigamientos

2009-11-06T10:03:00.007-05:00

Título: Bashing (2005)
País: Japón
Idioma: japonés (subtítulos en inglés)
Género: drama
Ocasión: Cuando estás list@ para perder la fe en la humanidad
Dónde se consigue: Si alguien sabe, comente

Resumen

Yuko va a Irak, en medio de la guerra, a servir de voluntaria y es capturada por las fuerzas iraquíes. Al ser rescatada, Yuko regresa a un Japón que la odia y la margina por haber “avergonzado” al país.

Comentarios

Bashing es la historia del mundo de los bizarros. Los bizarros son aquellos personajes que salían en los cómics de Superman y vivían en un mundo completamente opuesto al de nosotros. Todo lo que nosotros encontramos bueno, ellos encontraban malo y vice versa. Pues esta es la misma sensación que Bashing nos regala durante los 82 minutos que dura. Lo triste del caso, sin embargo, es que está inspirada en hechos reales.

Hay que dejar claro que “inspirada” en hechos reales no es lo mismo que decir que la historia ocurrió tal cual. La historia de Yuko específicamente es ficticia. De hecho, el personaje mismo es ficticio. No obstante, está inspirada en hechos reales que ocurrieron en Japón. Según se cuenta en el librito que viene con la película, Behind Bashing, en el 2004, 3 voluntari@s japoneses/as fueron rescatados por el gobierno japonés luego de haber sido secuestrados por las fuerzas iraquíes. Cuando estas tres personas regresaron a su país se encontraron con que sus familias habían sido victimas de atropellos, hostigamiento e insultos; la población japonesa (ayudada por los gobernantes y los medios de comunicación) les acusaba de haber puesto al gobierno y al país en situaciones inconvenientes e incómodas. Les acusaban de “egoístas” por no pensar en su país e irse a un lugar tan peligroso. Pero si malo fue el recibimiento, peor fue cuando dos de l@s tres rehenes comentaron que volverían a Irak tan pronto fuera posible a continuar su trabajo. Hasta el Primer Ministro de Japón les dijo que desistieran y dejó entrever que si los capturaban una segunda vez, el gobierno no actuaría.

El filme es terriblemente lento. Este parece ser el estilo de Masahiro Kobayashi, director y escritor del filme, que ha dirigido otras películas en las que apenas hay diálogo. Aunque Bashing tiene diálogo, la mayoría del tiempo la historia la carga el lenguaje corporal de Fusako Urabe, la actriz que encarna a Yuko. En Yuko (y en sus familiares) vemos el dolor, la rabia y la incomprensión de su situación. La lentitud del filme provee un espacio para reflexionar y pensar en lo que le está ocurriendo a esta mujer que no solamente no hizo nada malo, sino que, por el contrario, debería ser tratada como una heroína no como una paria.

Tengo que decir que esta historia me impactó muy personalmente. Aunque nunca he sido victima de los atropellos a los que sometieron a Yuko en el filme, la realidad es que entiendo perfectamente bien lo que es sentirse que uno vive en un mundo bizarro. Es impresionante pensar que una persona que va de voluntaria a ayudar a un pueblo en guerra se le pueda acusar de “egoísta”. Es terrible entender que mientras a estas personas (que intentan arreglar los desastres de guerra) se les ataca, se les cuestionan sus motivos y se les vilifica, a l@s arquitectos de la destrucción, del dolor y de la guerra se les recibe como héroes dejándoles los mejores asientos en los aviones, haciendo paradas en su honor y teniendo otra serie de deferencias.

Por otra parte, la premisa básica de Bashing me parece muy relevante en estos momentos de la historia puertorriqueña. En el fondo, esto es una historia de la falta de empatía y solidaridad de la gente. A Yuko se le cuestiona “Que tienes que ver tú con los iraquíes? Por qué te metes donde no te llaman?” Así mismo se oyen los gritos y las condenas de aquellos/as que no protestan los despidos en masa del gobierno neoliberal de nuestra isla. Mientras los/as estudiantes y otras personas que no fueron afectadas directamente por los despidos muestran su solidaridad uniéndose a las protestas, otros/as que no conocen el significado de la palabra, los demonizan; les llaman despectivamente “comunistas” (como si a alguien fuera de los conservadores realmente le molestara eso), les tildan de “entrometíos”, les preguntan que “quién les dio vela en ese entierro?” Y a la hora de la verdad nos vemos con una sociedad que critica y torna en pecado mortal la solidaridad. Según esta gente, el problema es que uno no se queda ensimismado/a. Lo ideal sería, según ell@s, que viéramos las injusticias y las dejáramos pasar porque, al fin y al cabo, “no nos toca”.

"Primero vinieron a buscar a los comunistas y no dije nada porque yo no era comunista.
Luego vinieron por los judíos y no dije nada porque yo no era judío.
Luego vinieron por los sindicalistas y no dije nada porque yo no era sindicalista.
Luego vinieron por los católicos y no dije nada porque yo era protestante.
Luego vinieron por mí, pero para entonces, ya no quedaba nadie que dijera nada"

Martin Niemöller
Pastor protestante encarcelado por los nazis desde 1937 a 1945

Vea Bashing y vea un caso extremo de lo que es victimizar de nuevo a la víctima. Vea Bashing y trate de entender este mundo bizarro en el que vivimos.

Nota: No conseguí cortos, así que aquí les dejo con una escena.

Bashing

60 años de secretos escondidos en un armario

2009-10-27T12:07:00.006-05:00

Título: Festen (Celebración en España y The Celebration en Norteamérica) - 1998
Países: Dinamarca, Suecia
Idiomas: danés, alemán e inglés (subtítulos en inglés y español)
Género: drama
Ocasión: Cuando estás list@ para ver una película emocionalmente intensa
Dónde se consigue: Si alguien sabe, comente

Resumen

Helge cumple 60 años y su familia le hace una gran fiesta para celebrar este gran momento. Sucesos impactantes impiden que la alegría dure por mucho tiempo.

Comentarios

Festen pertenece al movimiento nórdico del Dogme 95. Como he comentado anteriormente, Dogme 95 es un movimiento cinematográfico que les impone restricciones a los directores para evitar que los efectos especiales, las luces y todos los demás accesorios de un filme le roben espacio a la trama. La filosofía detrás de este movimiento es que la historia debe moverse por sí sola, sin ayuda de aditamentos ni muletas. No importa si usted está de acuerdo o no con el pensamiento detrás de Dogme 95, la realidad del caso es que Festen demuestra las virtudes de esta filosofía.

El hecho de que Festen no tenga luces artificiales, ni efectos especiales, ni sets, hace que la película gire, completamente, en torno a la historia y a los personajes. Esto me obliga a mí, entonces, a hacer una reseña corta que se cuide completamente de revelar el más mínimo detalle de la trama.

La realidad del caso es que la película logra el objetivo trazado por Dogme. Como no hay nada que llame la atención de uno (la luz natural, definitivamente, no es apropiada para hacer una largometraje), uno se ve obligado a atender 100% los diálogos y el desarrollo de la historia. El libretista hace tremendo trabajo al ir estudiando a los personajes principales e ir pelándolos como capas de cebollas. Primero se revela lo más importante, lo más chocante, pero esto no quiere decir que aquí terminan las exploraciones. A lo largo del resto de la película se van mirando las relaciones, las dinámicas y los comportamientos de estos personajes.

El mismo estilo del filme dicta que se necesitan buenos/as actores/actrices. El casting de Festen es espectacular. Aunque no hablo danés ni alemán, la fuerza de estos actores traspasa las barreras lingüísticas. Las miradas, los gestos, los ademanes… todo lo que hacen estos artistas lleva al/la espectador/a a sentir la angustia, el dolor y la vergüenza que sienten estos personajes.

Realmente me gustaría decir más, pero tendría que entrar propiamente en la trama y no quiero hacerlo. No quiero robarles la experiencia de ver este filme sin saber nada más de lo que he dicho hasta el momento. ¡Qué la disfruten!

Una pareja homosexual recibe una gran sorpresa al "heredar" un niño

2009-09-08T08:05:00.005-05:00

Título: Breakfast with Scot (2007)
País: Canadá
Idioma: inglés
Género: comedia
Ocasión: Cuando quieres ver una comedia ligera
Dónde se consigue: Si alguien sabe donde se consigue por favor deje comentario

Resumen:

Una pareja de homosexuales de clóset tiene que hacerse cargo de un niño que aparenta ser un homosexual muy rimbombante.

Comentarios

Hay algunas películas que uno ve y, simplemente, le cambian los esquemas. Breakfast with Scot fue ese tipo de filme para mí.

Nunca me he considerado homofóbico ni sexista ni nada remotamente parecido. Al contrario, toda mi vida adulta, incluyendo mi carrera profesional, se ha basado en la búsqueda de la igualdad entre tod@s los seres humanos. No obstante, no nací y me crié en una burbuja. Aunque en mi casa siempre se ha fomentado la igualdad y la tolerancia, he vivido y crecido en una sociedad occidental conservadora que mira con desconfianza la diferencia; una sociedad cuyos discursos han convertido la diferencia en algo patológico y enfermizo. Es por esto que aunque siempre trate de ser progresista en mi forma de pensar, todavía existen esquemas conservadores en mi mente que de, de una forma u otra, están latentes en mi inconsciente.

Por eso la premisa de Breakfast with Scot me pareció interesante. Quería ver como yo reaccionaria a una película cuyo motor narrativo era una pareja de homosexuales con un hijo con tendencias homosexuales también. Y la verdad es que terminé encantado. El filme en sí no es nada del otro mundo: es la historia de un niño que lo sacan del ambiente al que está acostumbrado y lo meten en otro al que no se adapta bien. Hemos visto estas historias una y otra vez. Sin embargo, es en esta misma repetición de patrones que se logra un buen argumento a favor de la igualdad. Breakfast with Scot es un filme que sigue los mismos paradigmas de las comedias familiares tradicionales de Hollywood, pero lo hace con una familia alternativa. Esto, de por sí, humaniza a los personajes y nos permite entrar a un mundo al que much@s no tenemos acceso, ya sea por desconocimiento o por pura estrechez mental.

Por otra parte, aunque la película es una comedia y no constituye una exploración seria de los temas queer, hay que decir que el libreto hace un buen trabajo en adentrarse en un asunto del que no se habla mucho en el mainstream: la discriminación de los homosexuales entre si. Eric McNally (Tom Cavanagh) es un ex – jugador profesional de hockey y un homosexual de clóset. Cuando Eric se ve forzado a tratar con Scot, el niño, sus primeros instintos son tratar de convertirlo en un "macho". Intenta quitarle sus manerismos, cambiarle su vestuario, hacerlo jugar deportes y eliminarle toda traza de su lado “femenino”. A lo largo de la historia vamos entendiendo lo peligroso que resulta esa obsesión por obligar a Scot a adoptar la heteronormatividad que es responsable de que el mismo Eric se mantenga en el clóset.

También hay que decir que la película es graciosa. Noah Bernett hace un buen trabajo como el rimbombante Scot. De hecho, es precisamente la personalidad flamante de Scot la que le provee la tensión cómica a las situaciones ya que su padre adoptivo, aunque es homosexual, se comporta como todo un macho hetero en el sentido más estereotípico posible.

En fin, Breakfast with Scot es un filme que nos lleva a retar nuestras pre-concepciones de lo que es la familia y lo que es "normal". Las convenciones tradicionales del cine familiar y el uso de una familia completamente alternativa se mezclan para hacernos entender que el significado de "núcleo familiar" no está escrito en piedra; que mientras haya amor, respeto y preocupación, el sexo y la sexualidad de l@s integrantes es lo de menos. Véala, ríase y rete un poco sus esquemas.

Mujer compra orfanato y este viene con algo mas que recuerdos

2009-07-24T00:03:00.000-05:00

Título: El orfanato - 2007
Países: México / España
Idiomas: español
Género: suspenso / terror
Ocasión: Cuando quieres estar tens@
Dónde se consigue: Si alguien sabe donde se consigue por favor deje comentario

Resumen:

Una mujer compra el orfanato en donde pasó su niñez con la esperanza de continuar el buen trabajo. No obstante, cuando se muda a éste, se encuentra que tiene algo más que recuerdos.

Reseña:

A algun@s directores/as les toma mucho tiempo dirigir una película que sea buena y, a la vez, exitosa. A otr@s les ocurre muy rápido en su carrera y luego no producen nada bueno. Lo primero no le aplica al director de El orfanato, Juan Antonio Bayona, y esperemos que lo segundo tampoco. En su primer largometraje, Bayona logró 63 nominaciones a distintos premios del cine internacional. Si el director español continúa refinando sus dotes y sus habilidades, podemos esperar muchos buenos filmes en el futuro.

El orfanato es una buena película de suspenso y miedo. Me resisto un poco a llamarle una película de “terror”, pues los elementos que dan miedo en la historia son más psicológicos que fantásticos u horrorosos. Y es este ángulo, precisamente, el que hace que El orfanato sea un éxito.

Seamos claros; la película no es, en sí, novedosa. La historia es trillada: una madre cuyo hijo desaparece y ésta se niega a darse por vencida. ¿Cuántas veces no hemos visto esta misma trama hasta en el mismo Hollywood? Escribiendo esto se me vienen, rápido, dos títulos a la cabeza: Flightplan con Jodie Foster y The Forgotten con Julianne Moore. Por otra parte, algunas de las actuaciones dejan algo que desear. El niño es, particularmente, molestoso. ¡Llega un momento en que uno se siente aliviado de que haya desaparecido y no lo tenemos que ver más! Sin embargo, el filme es sólido a pesar de estos desaciertos.

Hay varios elementos que funcionan juntos para crear un ambiente propio de suspenso. Entre éstos, habría que destacar la cinematografía. El uso continuo de los tonos azulados y grises a lo largo de la película crean una sensación de desesperación y de depresión que acompañan a uno/a de principio a fin. De igual forma, el buen uso de los paneos largos y lentos controlan, con éxito, el paso lento que obliga a uno a mantenerse atento a lo que pase después.

Y es, precisamente, el paso uno de los mayores aciertos del filme. Tengo que confesar que, al menos a mí, El orfanato me tuvo con tensión en el cuerpo durante toda la hora y cuarenta y cinco minutos que dura. Y no es que te dé miedo, asco u otra de esas sensaciones que puede provocar el cine de terror de otros países como Japón o Corea, por ejemplo. Es pura expectativa. Eso, de por sí, la hace entretenida.

Por otra parte, aunque la premisa en si no es novedosa, como bien mencioné anteriormente, sí hay que decir que la película está bien contada. Los giros narrativos se van dando en el momento adecuado para mantener esa expectativa de la que hablaba en el párrafo anterior. Además, hay momentos curiosos que son muy peculiares del humor oscuro que tienen algunos directores españoles.

En fin, El orfanato es un “thriller psicológico” inteligente, bien construido y entretenido. Véala y asústese un poco… o al menos sienta la relajación de sus músculos cuando suban los créditos finales.

Padre pierde empleo, intenta mantener las apariencias

2009-07-14T16:04:00.005-05:00

Título: Tôkyô sonata - 2008
Países: Japón, Holanda y Hong Kong
Idiomas: japonés con subtítulos en inglés
Género: drama/comedia
Ocasión: Cuando quieres reirte y reflexionar a la vez
Dónde se consigue: Está en los cines ahora mismo

Resumen:

La historia de los problemas de una familia normal de clase media en Japón.

Reseña:

Kyoshi Kurosawa, uno de los directores japoneses más populares en el momento, sale de su área usual de películas de horror, ciencia ficción o suspensos psicológicos y nos trae un tipo distinto de angustia: la vida misma.

Hace mucho tiempo no salía tan encantado de una sala de cine. La misión del director parecería ser mostrarnos un Japón que no estamos acostumbrados a ver en esta parte del mundo. Por lo general, cuando pensamos en Japón pensamos en un país en el más alto grado de desarrollo mundial. Sin embargo, en este filme, Kurosawa nos muestra la otra cara de su país: lo mundano. Esta no es una película de pobreza ni de miseria ni de las penurias de los ricos y famosos. Es una historia de una familia común y corriente y los problemas que le aquejan.

El tema en sí no es nada novedoso. Después de todo, hasta en el mismo Hollywood están acostumbrados a hacer películas de los problemas de la clase media. Sin embargo, el contexto cultural japonés, las actuaciones, el libreto y la dirección se combinan para hacer una película tragicómica que transmite la angustia que producen los choques entre los valores tradicionales y las realidades económicas y políticas del mundo.

Tokyo Sonata es un filme sobre la autoridad y el poder en el hogar. Cuando el padre de la familia pierde su empleo, y es incapaz de encontrar otro en su mismo nivel, decide mantener la apariencia de que todo sigue igual para evitar perder “autoridad” en su hogar. No obstante, es aparente desde el principio que quien verdaderamente posee la autoridad en el hogar no es él sino su esposa. Aunque esto ocurre en muchos hogares, Kurosawa se esmera en mostrarnos todo lo que pasa “tras bastidores” y las negociaciones de poder que tiene que hacer la madre para dejarle creer al hombre que es él “quien manda”.

De igual forma, el conflicto principal de este filme parece estar dentro de cada personaje. El padre lucha con su visión tradicional de lo que es un hogar y lo que es ser un hombre, mientras sus hijos luchan por encontrarse a sí mismos en medio de un hogar en el que se supone que emulen a su padre pero ninguno de ellos siente el deseo de hacerlo. Por otro lado la esposa tiene que mantener la apariencia de la esposa sumisa y complaciente mientras lucha con sus propios anhelos.

Tokyo Sonata es maravillosa en todo el sentido de la palabra: la historia, el desarrollo de personajes, la cinematografía (sencilla y de acuerdo a la narrativa), la música (que es la que le da vida al título), las actuaciones, los momentos graciosos, los momentos tristes, etc. Aunque dura 2 horas y es una película reflexiva, uno no lo siente.

En fin, decir algo más de esta película sería arruinarla. Es un gran filme que trae las corrientes globales (problemas económicos que afectan al mundo entero) a un hogar bien particular. En este hogar, entonces, vemos las ironías, las contradicciones y los absurdos en los que, muchas veces, vivimos. Véala, ríase, compadézcase y reflexione.

Periodistas hacen preguntas que valen la pena

2009-06-10T17:15:00.007-05:00

Título: Un diario amable - 2009
País: Puerto Rico
Idiomas: español (algunos pedazos en inglés con subtítulos en español)
Género: documental
Ocasión: Cuando te quieres enterar de lo que está pasando en tu país
Dónde se consigue: Al momento solo sé que se consigue en YouTube (abajo el enlace)

Resumen:

El equipo periodístico de Zona Franca investiga el funcionamiento de los dos periódicos principales de Puerto Rico, El Nuevo Día (ENDI) y Primera Hora (PH).

Reseña:

Tengo que decir que ando feliz de poder recomendar una película boricua. En demasiadas ocasiones he visto películas extranjeras que son simples pero buenísimas y he añorado que en mi patria se hicieran películas así. Gracias a Dios, hoy tengo la oportunidad de reseñar una.

Siempre he pensado que Puerto Rico tiene muchas historias para contar. Después de todo, qué se puede esperar de la colonia más antigua del mundo. Sin embargo, l@s puertorriqueñ@s nos hemos negado a contar esas historias o las veces que intentamos contarlas seguimos patrones que no nos favorecen. Afortunadamente, Un diario amable le pone fin a todas estas tendencias.

La organización Zona Franca se describe a sí misma en su blog de esta forma:
“ZONA FRANCA, organización de periodistas e investigadores sin fines de lucro, produce una serie de documentales bajo el mismo nombre cuya misión es enriquecer la información pública y promover la crítica periodística con imaginación, rigor y profundidad en la televisión.”

Con Un diario amable, la organización hace gala de esa descripción. En el documental, l@s investigadores entran a las empresas Ferré con el objetivo de dejar en manifiesto como es que sus directivos conciben el periodismo, cuáles son sus valores y cuál es su misión. Luego, como buen@s periodistas, contrastan las versiones oficiales de los editores y directores de ENDI y PH con los datos, con versiones alternativas y con las corrientes que se están dando en el periodismo internacional.

Y es aquí que Un diario amable se separa de las producciones promedio de nuestro país. La historia que cuenta este filme es una historia puertorriqueña pero global a la vez. Es la versión boricua de lo que está pasando en el periodismo a nivel mundial. Zona Franca hace muy buen trabajo en dejar esto claro, es decir, esto no es un mal de nosotr@s solamente, porque somos puertorriqueñ@s y "peor que el resto del mundo"… no. Es un mal que se está dando en donde quiera que el periodismo se haya convertido en una empresa más. Todas estás tendencias de despidos, autocensura, espectaculización de la noticia ocurren dentro del contexto neoliberal-capitalista mundial; a nosotr@s en la Isla nos afecta de esta manera. Esta síntesis de lo global y lo local se logra mediante entrevistas a periodistas nacionales destacados como Oscar Serrano y Daisy Sánchez y a la vez a periodistas internacionales de Francia, España, Estados Unidos y América Latina.

Otro de los aciertos del documental es contextualizar las figuras que dirigen estos periódicos: se pone a la familia Ferré en el mapa de la política y la economía boricua y se pone a los otros directivos en el contexto de la política de sus países natales. Queda claro con esto el posicionamiento ideológico de estas personas (para aquellos/as que no lo sabían, claro) y se entienden así, mucho mejor, las decisiones editoriales que se toman en ambos diarios.

Más que nada, Un diario amable es una conversación inteligente sobre el rol del periodismo en la sociedad puertorriqueña. Es una mirada crítica y necesaria a los periódicos que ocupan el 80% del mercado en nuestro país y que, de una forma u otra, contribuyen a decidir de qué se habla en la esfera pública de la Isla del Encanto.

En fin, si eres puertorriqueñ@, te conviene aprender más de las empresas poderosas del país y si eres de otra parte del mundo y no estás al tanto con las tendencias del periodismo internacional te conviene ver Un diario amable. ¡Qué lo disfruten!

P.S. ¿Alguien sabe donde puedo conseguir los otros documentales de esta organización?

Mujer asesinada envia correo electronico a su esposo

2009-06-04T08:43:00.006-05:00

Título: Ne le dis à personne (Tell No One en inglés) - 2006
País: Francia
Idiomas: francés (subtítulos en inglés)
Género: suspenso
Ocasión: Cuando quieres estar a la expectativa
Dónde se consigue: Si sabe donde conseguirla, favor dejar un comentario

Resumen:

Hace 8 años, alguien asesinó a Margot Beck. Ocho años después, su esposo Alexandre Beck, recibe un correo electrónico de alguien que dice ser Margot.

Reseña:

El caso de Tell no one es muy interesante puesto que es una película francesa basada en un paperback thriller de un autor estadounidense, Harlan Coben. Muchos de estos autores tienden a escribir novelas que se dejan llevar por las mismas convenciones narrativas y dramáticas de Hollywood. Sin embargo, Tell no one es un thriller que funciona bien fuera de ese ambiente. No podría decir si funcionaría igual si se hubiera hecho en Estados Unidos (al fin y al cabo, hay thrillers de estos que se hacen en Hollywood y son entretenidos), pero la película se siente bastante francesa.

Una de las diferencias que siempre noto entre los filmes internacionales de acción o suspenso y los hollywoodenses, es que los personajes me parecen mucho más reales en las películas internacionales. Por ejemplo, hay una escena de persecución en Tell no one en la que me acuerdo haberle comentado a alguien: “esto jamás pasaría en Hollywood”. En la escena, Alexandre Beck está corriendo por que algunos policías lo persiguen y resbala en gravilla y se revienta como cualquier hijo de vecino. Fue una imagen tan inusual que la recuerdo vívidamente. Nadie lo tumbo, no chocó con nadie, no había una trampa puesta… simplemente resbaló en un área que había gravilla mal puesta y plucutún, para el piso.

Por otro lado, los filmes de Hollywood tienden a tener unas consideraciones de público que no tienen ningún sentido en Europa. Buscando información para escribir esta reseña vi que había estadounidenses que se sentían sorprendidos que en el filme francés se hubiera mantenido la relación homosexual de la hermana de Beck. Ell@s entendían, correctamente creo yo, que algunos estudios de Hollywood hubieran presionado a l@s productores/as y directores/as para que eliminaran esa relación o al menos la invisibilizaran. Eso no tiene sentido para el publico europeo.

Adentrándome un poco más en la película como tal, me parece que el suspenso está muy bien logrado. No hay demasiadas persecuciones ni tiroteos, pero sin embargo la búsqueda intensa de Beck que va revelando pedazos del rompecabezas mantiene a uno/a intrigado y alerta a lo que puede pasar. Como en muchos otros thrillers internacionales, el suspenso brota de la misma narración y no de trucos de sonido, de cámaras o de efectos especiales. No es que no se utilicen este tipo de aditamentos, pero la historia no depende de ellos.

Aunque he hablado de las diferencias que tiene este largometraje con sus pares estadounidenses, creo que vale también mencionar que tiene suficientes elementos familiares como para que no le sea totalmente ajena si está acostumbrado/a, simplemente, a ver thrillers de Hollywood: el giro “inesperado” al final, el protagonista en búsqueda de resolver un misterio, persecuciones policíacas, etc.

En fin, Tell No One es una película que mantiene el suspenso y que logra entretener sin tener que recurrir a muchos efectos especiales, a sangre al estilo peliculas de horror japonesas ni a escenas complicadas de acción.

¡La Filmoteca está en Twitter!

2009-06-03T15:03:00.000-05:00

Aquí en La Filmoteca somos objetores por conciencia en contra de Facebook, así que eliminamos nuestro grupo en la red de “social networking” y hemos creado una página en Twitter para que puedan mantenerse al tanto con nuestras entradas nuevas (que esperamos que comiencen a fluir nuevamente) y las últimas noticias.

Busca nuestro enlace en la parte superior izquierda del blog. Oprime el enlace que dice “Síguenos en Twitter” y te llevará directo a la página de La Filmoteca.

¡Gracias a tod@s!

Anglosajon y francofono intentan resolver caso juntos

2009-03-28T11:07:00.009-05:00

Título: Bon Cop Bad Cop (2006)
País: Canadá
Idiomas: inglés y francés (subtítulos en francés y en inglés respectivamente)
Género: acción/comedia
Ocasión: Cuando buscas acción y entretenimiento y absolutamente nada más
Dónde se consigue: Netflix

Resumen

El descubrimiento de un cadáver en medio de la frontera entre las provincias canadienses de Québec y Ontario obliga a dos policías, que son polos opuestos, a trabajar juntos para resolver el caso.

Reseña

Aquellas personas que todavía se pegan del estereotipo de que las películas extranjeras son “aburridas” deberían empezar su viaje en el cine internacional con este largometraje. Bon Cop Bad Cop es un filme sin mucha profundidad filosófica que busca entretener. Y lo logra.

El cine canadiense, desafortunadamente, tiende a estar muy influenciado por su contraparte estadounidense. Claro, no es sorprendente considerando la relación casi familiar (y con esto me refiero también a las riñas entre herman@s y prim@s) que tienen ambos países y la gran penetración de actores canadienses en los estudios de hollywood. Esta influencia puede ser hacia la reacción total de los supuestos de Hollywood o, en el otro lado del espectro, a la asimilación completa. Bon Cop Bad Cop está más hacia el lado de la asimilación pero el logro, precisamente, es que mantiene un poco su propia identidad.

La película está llena de clisés de todo tipo: clisés sobre las características de los ontarienses y los quebequois, clisés de las películas de acción, clisés de diálogos, etc. Sin embargo, el filme no se toma muy en serio a sí mismo (una característica muy canadiense, por cierto). Bon Cop Bad Cop está consciente de que es una película construida en estereotipos y busca sacarle provecho a eso para crear un espectáculo que valga la pena.

Patrick Huard y Colm Feore encarnan a estos dos policías perfectamente. Huard interpreta el papel de un quebecois afrancesado, rudo y mujeriego mientras que Feore encarna su contraparte ontariense como el típico WASP rígido, aburrido y ultra-cauteloso. Y, como bien he dicho antes, son personajes altamente estereotipados pero nacen de un deseo anti-típico. Con esto quiero decir que se usan los clisés para, de cierta forma, ponerlos en ridículo. El director, Eric Canuel, y Huard (a quien se le acredita la idea general del libreto) son ambos quebecois. Y es el personaje de Huard el que, por un lado carga la peor parte de los estereotipos, pero por otro lado se desarrolla con más profundidad. Así se trasciende, de alguna forma, esa caricatura que se pinta con las imágenes estáticas de los clisés. Hago la aclaración, sin embargo, que no esperen encontrar mucha profundidad en estos temas… son, simplemente, inferencias que se pueden hacer con la información que nos provee el film y el contexto.

La misión principal de Bon Cop Bad Cop es entretener. Tiene escenas de pelea, muchas malas palabras, explosiones, una escena de sexo… en fin, como bien dije antes, es una película muy hollywoodesca. Pero lo hace de una forma muy particularmente canadiense y así logra tener su propia identidad. Si se quieren pasar un buen rato, reírse y hasta tener un poco de suspenso, saquen esta película.

Mini Recomendaciones

2009-02-27T11:07:00.014-05:00

Hoy cambio un poco el formato usual de mis entradas para ofrecerles dos películas simples, de las que no tengo mucho que contar.

Estos dos filmes, The Band’s Visit y 12:08 East of Bucharest, son lo que yo clasificaría como textos humorísticos. Hago la distinción entre humor y comedia porque no creo que ninguna de éstas los haga morirse de la risa. Ambas sacan el humor de situaciones tensas e incómodas y se apoyan en el diálogo y las actuaciones de sus artistas para lograr su objetivo.

Ambas premisas son muy simples, casi minimalistas. En el caso de The Band’s Visit, la historia se basa en un simple malentendido: un centro cultural en Israel invita a una orquesta de policías egipcios a tocar en una ceremonia. Cuando la orquesta llega al aeropuerto, toman la guagua (bus) equivocada y terminan en otro pueblo. Y ya. El desarrollo de la película se da dentro de esa situación incómoda de un grupo de egipcios en un pueblo israelí que no conocen.

12:08 East of Bucharest es igualmente simple: un presentador de un programa local quiere hacer un episodio dedicado a averiguar si su pueblo formó parte o no de la revolución en contra del dictador Nicolae Ceauşescu y utiliza a un viejo senil y a un profesor borrachón como invitados. Esta película es tan simple, en términos narrativos, que más de la mitad del filme se da dentro del set tercermundista del programa.

Pero no dejen que la simpleza de estas historias les engañe. Estas películas se pueden dar el lujo de ser así porque detrás de esos libretos existe un caudal de historia contextual que casi habla por sí solo. No hay que ser un historiador para conocer las hostilidades que existen entre Israel y el mundo árabe. De igual forma, no hay que tener un doctorado en política para entender que las revoluciones y los golpes de estado son materia sensitiva para muchas personas.

En ambos casos, los libretistas han sabido explotar esas historias para crear diálogos inteligentes, chisposos, tensos y humorísticos. Por demás, ambas películas están llenas de pequeños detalles que nos toman por sorpresa y humanizan, más aún, las experiencias. En fin, saquen estas películas sólo cuando se sientan en el ánimo correcto. Son cortas pero de paso lento y, cómo se infiere de sus premisas, no tienen mucha acción.

Título: Bikur Ha-Tizmoret (The Band's Visit en inglés) - 2007
Países: Israel, Francia y Estados Unidos
Idiomas: hebreo (subtítulos en inglés)
Género: humor
Dónde se consigue: Netflix

Título: A fost sau n-a fost? (12:08 East of Bucharest en inglés) - 2006
País: Rumanía
Idiomas: rumano (subtítulos en español e inglés)
Género: humor
Dónde se consigue: Netflix

Perdonen las inconsistencias de formato de esta entrada. Blogger esta mas terco que una mula hoy.

Joven juega en television, lo acusan de hacer trampa

2009-02-17T13:42:00.014-05:00

Título: Slumdog Millionaire - (2008)
País: Reino Unido
Idiomas: inglés e hindi
Género: drama
Ocasión: Cuando quieres ver una película poderosa
Dónde se consigue: Está en los cines ahora mismo

Resumen

Un joven participa del programa Who wants to be a millionaire? (versión de la India) y está a punto de ganar todo el dinero cuando lo acusan de hacer trampa.

Reseña

Aquell@s que me leen con regularidad (aunque hace tiempo que no escribo con regularidad) sabrán que no soy dado a recomendar películas extranjeras que son demasiado famosas. Parte del propósito de este blog es dar a conocer buenas películas extranjeras que, por una u otra razón, no se conocen mucho en esta parte del mundo. Sin embargo, después de ver Slumdog Millionaire decidí que tenía que hacer una excepción.

Por razones personales no he estado viendo mucho cine recientemente. En parte por eso he dejado de escribir; no tengo muchas recomendaciones nuevas. Pero ayer hice un aparte y, dejándome llevar por las recomendaciones de mi familia, fui a ver este filme británico. Slumdog Millionaire me recordó, una vez más, por que prefiero el cine internacional e independiente al cine hollywoodense.

Lo primero que me llamo la atención de este largometraje fue la estructura narrativa que utiliza. Mezclando tres tiempos distintos (el pasado pasado, el pasado reciente y el presente) Slumdog Millionaire logra mantener la atención de uno desde la primera escena de tortura hasta el tradicional baile bollywoodense que se da mientras ruedan los créditos. El manejo del tiempo, por demás, está tan bien hecho que uno no se confunde con las tres historias que corren paralelas hasta unirse al final.

La escenificación cruda de la vida en los arrabales de la India es uno de los aciertos más grandes de Slumdog. No es excesivamente gráfica, pero no tiene que serlo para presentarnos la pobreza, la miseria y sus distintas consecuencias. Por un lado hace un gran trabajo al enseñarnos la dureza de la vida de las personas que viven en este mundo, pero por otro nos muestra la inventiva, el instinto de supervivencia y la habilidad humana para aguantar dolor.

Tengo que decir que es una película que brilla en casi todos los aspectos: las actuaciones, la cinematografía, la escenografía, la música, etc. La colaboración de dos directores de backgrounds y nacionalidades distintas (Danny Boyle - UK - Loveleen Tandan* - India) se nota en la elección cautelosa de todos estos elementos. Es una fusión maravillosa.

Hay algo, sin embargo, que me incomoda un poco de la premisa básica de la película. La construcción de la historia parecería decir dos cosas con las que no estoy de acuerdo: 1) que la voluntad individual puede por encima de todas las estructuras de poder y 2) que, en el fondo, el mercado es la salvación. En cuanto a lo primero, el debate entre las estructuras y la agencia del ser humano, creo que existe una necesidad humana de decirnos a nosotros/as mismos/as que no somos irrelevantes, que tenemos poder y que podemos cambiar las situaciones. Y aunque lo veo como un sentimiento noble y esperanzador, pienso que a veces pecamos de sobresimplificar las situaciones. A mí me parece que es indiscutible que existen estructuras que impiden el desarrollo de miles de millones de seres humanos. Jamás y nunca me podrán convencer de que la gente es "pobre por que quiere" y de que todo se arreglaría con un poquito de "positive thinking". Pero bueno, esto es otra entrada para otro blog =)

En cuanto a lo segundo, creo que el mercado, representado claramente por el show "Who wants to be a millionaire?" aparece en esta película como escape y salvación. La primera función, la de escape, se muestra cuando vemos como el país se paraliza cada vez que viene el show. De hecho, en un momento dado la misma Latika se lo menciona a Jamal. Y son escenas dignas de un libro de la primera generación de la escuela de Frankfurt: todo el mundo olvidándose de su dolor y pobreza por media hora en lo que la televisión los teletransporta a un mundo mágico de dinero y placer. No creo que tenga que mencionar como se muestra el show como salvación. Lo problemático de esto es que en ningún momento se explica que el capital ha jugado una gran parte en la miseria de estas personas. De hecho, la mirada de la película está tan reducida que parecería que esas condiciones las causan ell@s mism@s. Anyways, la verdad es que esto es una inclinación ideológica y no le resta ningun mérito al proyecto artístico per se.

Admito no haber visto todas las películas que están nominadas al Oscar este año, sin embargo, si me dejo llevar por la “frontrunner”, The Curious Case of Benjamin Button, tengo que decir que Slumdog es la que debería ganar. Pero, como me imagino que ustedes saben, el Oscar es un premio que ha ido perdiendo toda credibilidad poco a poco. Después de todo, esta es la misma Academia que le otorgo 13 nominaciones a Titanic, que nominó a Jerry Maguire como mejor película del año, que le robó el oscar a La Vita e Bella de mejor película (no extranjera), etc. Así que si Slumdog Millionaire no gana, no me sorprenderá; al fin y al cabo, no se deben esperar peras del olmo.

* Cabe mencionar que a Loveleen Tandan no la nominaron al Oscar mientras que al co-director Danny Boyle sí. La Academia, tan chula, se escuda detrás de una regla anticuada que dice que solo una persona puede quedar nominada para el premio de mejor dirección. Loveleen Tandan hubiera sido la primera mujer no-blanca nominada al premio. Y eso que según los conservadores estadounidenses Hollywood es la tierra santa de los liberales. =)

(Update: Slumdog sí ganó el Oscar y Danny Boyle ganó el Oscar como mejor director. Enhorabuena! Sin embargo, el Sr. Boyle ni siquiera mencionó a Loveleen Tandan, a quien consideró tan importante en el proceso de hacer la película que le dio el título de co-directora. Después de haber leído varias versiones, parece que el proyecto original era de Boyle y quizá por eso es que sólo le dieron la nominación a él. No obstante, hay mucha política envuelta en esto. Aquí les dejo un enlace con una perspectiva feminista, muy interesante e importante, del asunto.)

Joven estadounidense viaja a Ucrania a buscar pistas de sus antepasados

2008-08-15T18:28:00.010-05:00

Título: Everything is Illuminated (2005)
País: Estados Unidos
Idiomas: inglés, ucraniano, ruso (español y closed captioning)
Género: comedia / drama
Ocasión: Cuando quieres ver una película “bonita”
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix

Resumen

Un joven coleccionista visita la tierra de sus abuelos en busca de pistas sobre sus antepasados.

Reseña

En Estados Unidos, de vez en cuando, se producen algunas películas que tienen un sabor extranjero, una sensibilidad distinta y una profundidad que las diferencia de sus contrapartes hollywoodenses. Everything is illuminated es este tipo de película.

Basada en la novela del mismo nombre escrita por Jonathan Safran Foer, Everything is Illuminated es la historia de un joven en busca de su pasado. No obstante, más allá del tema trillado, el filme maneja, magistralmente, varios otros temas que se intersecan. Por una parte vemos la obsesión de una persona con “congelar” el pasado. Jonathan (interpretado a la perfección por Elijah Wood) es un muchacho que no confronta sus emociones; vive su vida en la comodidad aséptica de sus bolsas plásticas. Sin embargo, vemos que esto es un mecanismo de defensa. El personaje tiene ganas de vivir sus emociones pero algo se lo impide y por eso usa como mediadoras a las bolsitas en las que colecciona sus artefactos. Estas son su memoria; aquellas que le permiten acceder a las emociones embotelladas de cada momento.

Por otra parte, la película maneja de forma muy cómica el choque cultural. Desde las expectativas que tiene un joven del campo de Ucrania acerca de lo que es un “estadounidense” hasta las diferencias en procedimientos, comidas y modos de ver la vida entre Europa Oriental y Estados Unidos. Por supuesto, siempre que vemos un largometraje estadounidense tenemos que estar pendientes a las “visiones de mundo” que éstas nos presentan. Bien sabido es que la historia y las culturas extranjeras no son el fuerte de muchos estadounidenses y, por ende, las representaciones que se hacen de éstas no siempre son las más fieles o halagadoras. Un artículo del Prague Post aclara las omisiones y/o distorsiones que hace el filme en cuanto a la historia de Ucrania.

Esto, sin embargo, no implica que como obra de ficción no sirva. Es un filme con mucha atención al detalle, a las emociones de los personajes y a las relaciones entre familiares (vivos o muertos). Al igual que en otras películas de carretera que he reseñado (Riding Alone for Thousands of Miles, Central Station, El último tren), Everything is Illuminated nos presenta como el viaje cambia a los personajes y cómo éste se convierte en otro personaje adicional.

Habría que resaltar, además, la actuación de Eugene Hutz en el papel de Alex. Como no he leído la novela, no sé exactamente como Jonathan Safran describió a Alex, pero después de haber visto la versión fílmica, nadie más va a poder sustituir la imagen mental de ese Alex. Eugene Hutz logra evocar múltiples emociones en nosotros: gracia con sus comentarios chisposos y (aparentemente) arbitrarios, molestia ante sus prejuicios obvios, lástima por sus sueños no realizados, admiración por su sentido de responsabilidad y solidaridad ante sus dolores personales. Es una actuación tan completa que el personaje nos agarra desde los primeros cinco minutos del filme. Además, Alex presenta la contraparte perfecta a Jonathan (el personaje); en esencia, se complementan.

Finalmente, creo que es importante destacar la labor cinematográfica y auditiva de la película. Las imágenes y la banda sonora de Everything is Illuminated son, en gran parte, las responsables de traspasarnos las emociones de la historia. La película hace gala de su nombre en ambas áreas: la luz nos revela los paisajes más hermosos de esa tierra lejana y la música ilumina (de forma sonora) los silencios oscuros de los personajes.

En fin, Everything is Illuminated es un filme sensible y divertido que enfrenta a sus personajes con sus propias emociones.

Cortos

* Parte del propósito de este blog es compartir los lugares en donde se pueden conseguir las películas. Si usted sabe de un sitio en específico, por favor añádalo en la sección de comentarios. ¡¡Gracias!!

Nombran a conserje como alcalde de San Pedro de los Saguaros

2008-08-06T09:33:00.005-05:00

Título: La ley de Herodes (1999)
País: México
Idioma: español
Género: comedia negra
Ocasión: Cuando buscas un filme irreverente
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

El partido de gobierno en México escoge a un conserje para asumir el cargo de alcalde de un pueblito en el medio de la nada que es famoso por la corrupción de sus políticos y ciudadanos que toman la ley en sus propias manos.

Reseña

El género de “comedia negra” es uno muy difícil de producir. En muchos casos, la comedia es tan sutil que sólo vemos la parte dramática de estos filmes y nos preguntamos ¿y dónde se quedó la risa? Este puede ser el caso de La ley de Herodes dependiendo de cual sea su estilo de humor. No obstante, la película vale la pena tanto en su encarnación humorística cómo en el drama.

La ley de Herodes es un filme que presenta dos críticas a la vez. En primera instancia vemos la crítica de la avaricia. Este es, efectivamente, el tema principal de la película. Se nos muestra cómo el dinero y el poder transforman a un ser humano. Aunque esto es un tema muy trillado, se logra muy bien en el filme quizás por el uso acertado de la hipérbole. Cuando pensamos que la avaricia del personaje no puede llegar más allá, Varguitas (el personaje) nos sorprende.

Por otra parte, hay una crítica politico-partidista muy fuerte también. Los guionistas decidieron situar el filme en una época en que el PRI de México estaba en su máximo apogeo. Esto les permitió trazar líneas directas de corrupción a la institución partidista. Claro, aunque el personaje de Vargas es inventado, está inspirado por casos reales que se dieron a lo largo de las décadas de gobierno del PRI. Los guionistas van más allá y mezclan personajes ficticios con personajes reales como Miguel Alemán, presidente de México del 46 al 52. Claro, esta decisión de atacar al PRI casi directamente tuvo ciertas repercusiones en cuanto al estreno y la distribución de la película. Para más información sobre ese caso, oprima aquí.

Finalmente, habría que hablar sobre la ambientación de La ley de Herodes. Situada en el pueblo ficticio de San Pedro de los Saguaros, el filme utiliza una estética muy parecida a la de los westerns. Predominan los colores tierra, inclusive en la misma textura de la cámara. Se complementa esta escenografía con música típica del México de los 40’s en varias escenas. El director logró crear la ambientación perfecta para esta localidad que se suponía estaba en el medio de la nada, en medio del desierto mexicano. Igualmente, el largometraje cuenta con una buena cinematografía que le saca provecho tanto a los escenarios del pueblo como a los paisajes que le rodean.

En fin, La ley de Herodes es un buen estudio de cómo las circunstancias pueden sacarle lo peor a un ser humano. De igual forma, es una película valiente que de forma mordaz nos presenta el cinismo de la corrupción política. Aunque está situada en otra época, es una película muy relevante para nuestro mundo contemporáneo.

Película

Aparentemente alguien la puso en YouTube.

Historia verdadera de ciclista que invento bicicleta nueva

2008-08-02T23:01:00.008-05:00

Título: The Flying Scotsman (2006)
Países: Alemania / Inglaterra
Idioma: inglés (subtítulos en español, francés y closed captioning en inglés)
Género: drama
Ocasión: Cuando quieres ver una historia que verdaderamente inspira
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace, Five Star Video en Cabo Rojo

Resumen

La historia verídica de la carrera deportiva del ciclista Graeme Obree.

Reseña

The Flying Scotsman no es una historia de triunfo cualquiera. Mientras otras películas deportivas se enfocan en el entrenamiento del/a atleta, The Flying Scotsman se enfoca en las tribulaciones de Graeme Obree una vez ha llegado a la cima. Obree, muy bien interpretado por Jonny Lee Miller, es un hombre que adviene al ciclismo como una forma de escapar de sus enemigos reales e imaginarios. Claro queda, entonces, que estos “demonios” le persiguen (metafórica y literalmente) una vez ha conquistado los escalafones más altos de su deporte.

Sin embargo, la historia de Obree es mucho más que un hombre batallando con depresión. Es la historia de un ser humano que tiene que lidiar con obstáculos en frentes múltiples. En The Flying Scotsman vemos, por una parte, el conflicto clásico entre las industrias y los individuos. Obree, que además de ser un gran ciclista entiende a perfección las leyes de la física que gobiernan su deporte, desarrolla su propia bicicleta y esto no les sienta bien a los representantes de los grandes intereses económicos. Se ve amenazado el monopolio que tienen estos sobre la compra/venta de los equipos de ciclismo y, como ha de esperarse, los grandes intereses contra-atacan. Por otra parte vemos sus depresiones repentinas que, a pesar de sus grandes triunfos, lo atacan sin misericordia. Y, finalmente, vemos cómo el mismo mundo del ciclismo le propina cantazos una y otra vez. Durante todo esto, Obree cae en varias ocasiones, pero nunca se da por vencido definitivamente.

He leído varios reviews de personas que conocen la historia de Graeme porque son fanáticos/as del ciclismo y parecen concordar en que la película es muy fiel a su autobiografía. Saber que hay personas que tienen la fortaleza mental para continuar hacia delante aún cuando esa misma mente los traiciona es algo que exige nuestra admiración. La obstinación y terquedad que demuestra Obree para negarle la victoria a sus enemigos es lo que hace que nos gocemos sus victorias y sintamos sus derrotas. Es una película digna de los libros de auto-ayuda que, afortunadamente, no sufre de los tonos sacarinos e infantiles que a veces tienen éstos.

Finalmente, me parece que los escritores hicieron un gran trabajo al escoger los momentos pertinentes para narrar la historia. No vemos TODA la carrera deportiva de Obree y esto, en parte, se debe a que se le da un espacio importante a la batalla mental y emocional que tiene el ciclista consigo mismo. Se construye, entonces, un buen balance entre la emoción y pasión del deporte (que no falta) y el desarrollo del personaje. Quizás el mejor logro de todos es conseguir este balance en una película de 96 minutos.

En fin, The Flying Scotsman es un filme que inspira, entretiene y nos llena de emociones contradictorias. En algunos momentos queremos gritar ante las injusticias y en otros sonreímos complacidos y llenos de esperanza.

Cortos

Oprima aquí.

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Hombre rapta a mujer y la reta a un juego de palabras

2008-07-29T12:56:00.005-05:00

Título: Palabras encadenadas (2003)
País: España
Idioma: español
Género: suspenso
Ocasión: Cuando quieres ver un thriller que te ponga a pensar
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un hombre rapta a una mujer y la fuerza a jugar “palabras encadenadas” para salvar su vida.

Reseña

Palabras encadenadas es una de esas gratas sorpresas que uno encuentra sin querer. Esta película no tuvo mucha publicidad (¿ninguna?) en esta parte del mundo. Sin embargo, es un filme que cualquier persona que disfrute de la intriga y el suspenso debe ver.

Una vez más el cine internacional le da clases a Hollywood de cómo producir una película inteligente, redondeada y completa con pocos personajes, pocos efectos especiales y pocos escenarios. Palabras encadenadas tiene, como mucho, 4 personajes importantes (no es que no haya otros secundarios, pero estos 4 son los únicos que verdaderamente importan) y gran parte de la acción se realiza en dos escenarios: un sótano y una estación de policías. No obstante, nada de esto es impedimento para el magnífico desarrollo de la trama. Palabras encadenadas es lo que se conoce como un largometraje de suspenso psicológico. Esto implica que mucha de la intriga y el suspenso se refleja en los diálogos, en los intercambios simbólicos y en la mente del/a espectad@r.

La edición del filme ayuda, además, en la tarea de mantener el suspenso. Cada vez que parece que sabemos hacia dónde va la trama, entra un “flashback” que hace que se re-enfoque nuestro tren de pensamiento. De igual forma, la atención al detalle de parte de la directora Laura Mañá hace que al final se expliquen, satisfactoriamente, los cabos sueltos.

Finalmente, hay que destacar las actuaciones de Darío Grandinetti y Goya Toledo como el secuestrador y su víctima respectivamente. Grandinetti logra moverse exitosa y elocuentemente entre la tranquilidad perversa y la furia apasionada en el transcurso de la película. Su personaje juega no solamente con su víctima sino con nosotros/as, la audiencia, en el proceso. De igual forma, Toledo fluctúa entre el terror, la confianza y la seducción en su papel como la secuestrada. Como bien dije anteriormente, mucha de la acción de este filme se encuentra en sus diálogos (por eso quizás el título) y en las interacciones entre estos dos personajes. Sin una sólida actuación de estos dos intérpretes, Palabras encadenadas hubiera sido mediocre. Afortunadamente, el casting fue muy certero y esos diálogos y encuentros se presentan con éxito en la pantalla.

A fin de cuentas, Palabras encadenadas es una película corta, entretenida e inteligente; buena para verse en esos momentos en que necesitamos que el entretenimiento nos ponga a pensar.

Cortos

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Historia alternativa de Genghis Kahn

2008-07-16T22:42:00.004-05:00

Título: Mongol (2007)
País: Kazajstán
Idioma: mongol (subtítulos en inglés)
Género: drama épico
Ocasión: Para aprender historia alternativa
Dónde se consigue*: La están dando en Fine Arts Café

Resumen

La película traza la historia de la niñez y la adultez temprana de Genghis Kahn.

Reseña

Lo malo

Como muchas obras épicas, Mongol sufre de un paso lento. Sin embargo, hay que destacar que aunque, efectivamente, no es una película rápida, tampoco dura 3 ni 4 horas. La historia se condensa en 2 horas. Esto también tiene su lado malo pues se pierden algunas partes importantes.

En mi opinión, hay dos cosas que se pierden gracias al trabajo de compresión del director/escritor. Primero, se deja a la imaginación del/a espectador/a cómo Temudjin (el nombre de Kahn) sobrevive en muchas de las vicisitudes que enfrenta en su vida. En varias ocasiones del largometraje vemos al hombre al borde de la muerte y en ninguna de éstas se explica (ni siquiera se intenta) cómo es que sale incólume de estas situaciones. Simplemente hay que concluir que el dios mongol lo estaba protegiendo, pero ni siquiera esto queda claro.

Segundo, el director deja a un lado (bastante rezagada) la parte política de Genghis Kahn. Habiendo leído algunos artículos sobre la película antes de verla, creo que esto fue una decisión consciente de Bodrov. El quería enfocarse en el lado más humano de Kahn y por eso esta otra parte no se desarrolla bien. Sin embargo, me parece que esto también era una parte importante del hombre. No sólo qué le pasó, sino qué hizo luego. Pero, al fin y al cabo, más que una falla esto es, simplemente, una diferencia de criterios y se le respeta.

Lo bueno

Sergei Bodrov logró su cometido con esta película. Efectivamente se humaniza la figura de Genghis Kahn y se le puede ver en otra sombra. De hecho, me pareció muy efectivo utilizar el nombre Temudjin a lo largo de todo el filme. "Genghis Kahn" sólo sale en las líneas explicativas del final. Pero en el resto del largometraje vemos a este hombre por su nombre de pila, por el mismo nombre que le llamaba su mamá, su esposa y sus hijos/as.

La cinematografía de esta película es, también, excelente. Muy buen uso del contraste, del grisáceo y de los tiros panorámicos. Esto se ve, de igual forma, en las escenas de combate.

Y hablando de combates… A mi por lo general me disgustan los filmes de guerra que tienen escenas de batallas extremadamente largas (véase la escena inicial de Saving Private Ryan que dura 45 minutos). Sin embargo, Bodrov controla esto muy bien en Mongol. No hay muchas escenas de pelea y las pocas que tiene están bien hechas: son cortas, están bien filmadas y se puede apreciar la acción y la crudeza del combate.

Me parece, también, muy noble la encomienda que se propuso este director: tomar una figura controversial y ofrecer una versión alternativa, una versión que humaniza el personaje. Según Bodrov, él se crió en la antigua Unión Soviética oyendo las "barbaridades" que había hecho Genghis Kahn. Cuando, finalmente, leyó otras fuentes históricas y académicas se dio cuenta de que había otro lado de la moneda. Hacer cine de esta forma me parece formidable porque se pone en tela de juicio el mismo concepto de la disciplina histórica. Por demás, el que la película esté basada en historiografías alternativas también le da un aire de legitimidad que no le viene nada mal.

En fin, Mongol es un filme que busca proveernos una visión distinta de una figura controversial y enseñarnos, quizá, las causas de los efectos: si es verdad que Genghis Kahn fue un "bárbaro", ¿qué lo llevó a ser así? Véanla y sabrán.

Cortos

Mujer tiene solamente 20 minutos para salvar a su novio

2008-07-05T10:09:00.006-05:00

Título: Lola rennt (Run Lola Run en inglés) - 1998
País: Alemania
Idiomas: alemán, inglés, japonés (subtítulos en inglés y francés)
Género: suspenso/acción
Ocasión: Cuando quieres pasar el rato viendo buenas escenas de acción
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Una joven tiene 20 minutos para conseguirle 100,000 deustchmarks (la moneda que se utilizaba en Alemania antes del euro) a su novio para evitar que un gángster lo mate.

Reseña

Mirando hacia atrás, pienso que ésta debió de haber sido mi primera entrada en el blog. Run Lola Run es la película que cambió mi percepción, para siempre, del cine internacional. Hasta este momento, siempre había asociado el cine internacional con películas puramente artísticas que eran “sólo para adultos cultos”. Y fue esta película la que me rompió esa imagen de una vez y por todas.

Con esto no quiero decir que Run Lola Run sea un clon insípido de una película hollywoodense. Todo lo contrario. Este largometraje me enseñó, por primera vez, que se podía hacer cine distinto, rápido, con buena acción y, a la vez, con profundidad filosófica.

En este filme Tom Tykwer, el director y escritor, logra crear de manera muy exitosa todo un ambiente de adrenalina alta que comienza en los primeros 2 minutos de la película y no termina hasta que empiezan a pasar los créditos. Una de las formas en que se logra esto es con el buen uso de la música. En muchas de las escenas, hay una música “techno” que va, como quien dice, marcando el paso del filme. La música nos provee el ambiente de urgencia necesario en el que se nos hace fácil empatizar con los personajes.

Quizá lo más que me gustó de Run Lola Run es la estrategia narrativa que se utilizó. En teoría se supone que la historia ocurre en 20 minutos, sin embargo, el director/escritor nos presenta tres versiones distintas de lo que podría suceder en esta situación. Esta estrategia narrativa logra dos objetivos igualmente importantes: 1) nos mantiene agarrados a lo largo de todo el filme; no hay tiempo para despegarse, 2) se estudian las consecuencias de lo que parecen pequeñas decisiones pero que alteran por completo nuestros panoramas. De esta forma, Run Lola Run se sale del molde básico de una película de acción y reflexiona sobre asuntos de tiempo, espacio, responsabilidad, decisiones y destino.

Otro de los aciertos que le veo a este largometraje es el uso de distintos estilos cinematográficos para contar la historia: el blanco y negro, los dibujos animados, pantallas divididas, etc. Pero estos elementos no se utilizan arbitrariamente. El blanco y negro se usa en los recuerdos (flashbacks); las pantallas divididas se utilizan para simbolizar encrucijadas o acciones simultáneas; los dibujos animados se utilizan como un elemento de metanarrativa. El uso de la metanarrativa en esta película es, particularmente, creativo. Mientras la cámara se aparta, supuestamente, de Lola y se enfoca en otro personaje, pensamos que la acción se va a desviar. Sin embargo, poco a poco nos vamos dando cuenta de que en el televisor de este segundo personaje hay una historia de dibujos animados que, realmente, va siguiendo la carrera de Lola.

En fin, Run Lola Run es más que una película de acción: es un filme bien construido por todos lados que entretiene y a la vez nos pone a reflexionar sobre temas filosóficos interesantes. Pero para mi fue aún más que eso. Fue el punto de entrada a un mundo nuevo de alternativas.

P.S. Para aquell@s que no están muy familiarizad@s con l@s actores/actrices internacionales, la actriz principal de esta película es Franka Potente, la chica que salió de novia de Jason Bourne en las primeras dos Bourne.

Cortos

Dos hombres investigan asesinato de su mejor amigo

2008-06-29T23:11:00.007-05:00

Título: Jjakpae (The City of Violence en inglés) - 2006
Países: Corea del Sur
Idiomas: coreano e inglés (subtítulos en español e inglés)
Género: acción
Ocasión: Cuando quieres pasar el rato viendo buenas escenas de acción
Dónde se consigue*, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un grupo de amigos regresa a su pueblo natal para asistir al funeral de otro amigo. Dos de ellos comienzan a investigar las circunstancias sospechosas de su muerte y descubren un gran manto de corrupción y conspiraciones.

Reseña

Últimamente me he puesto a pensar que el género de “acción” es uno de los géneros más uniformemente malos alrededor del mundo. Pocas son las películas de acción (de cualquier país) que me atrapan de verdad o me dan algún tipo de sorpresa real. Sin embargo, de vez en cuando nos viene bien ver algún filme de tiros y peleas en el que no tengamos que pensar mucho. The City of Violence es perfecta para esto.

Los primeros 20 o 25 minutos de la película son bastante caóticos. Uno no sabe que está pasando, quién es quién, ni porqué mataron al tipo aquel. No obstante, se arregla después. Poco a poco la trama se va explicando. Para ser un largometraje de acción, la historia es bastante buena y la mayoría (sino todos) los cabos sueltos se explican. Aunque no tiene grandes giros sorpresivos, nos va soltando la información por gotero y eso nos mantiene pendientes.

Lo mejor de The City of Violence es, por supuesto, la acción. Hay muchas buenas escenas de pelea: uno a uno, bonches contra dos, peleas en calles, en barras, en laberintos, con cuchillos, con bastones, sin arma alguna, etc. Y es aquí donde pienso que las películas asiáticas son muy superiores a las norteamericanas (en general, no siempre). La mayoría de estas películas de acción asiáticas enfatizan mucho el arte marcial. Coreografían las escenas de tal forma en que el/la espectador/a pueda disfrutar los movimientos que hacen estos artistas. Una de las corrientes nuevas en Hollywood es utilizar las cámaras estilo Transformers en las que uno no sabe qué demonios está pasando, quién le está dando a quién (deja vu… ¿acaso habré dicho esto antes? Jiji). Quizá por eso películas como The Matrix o Kill Bill han tenido tanto éxito: porque han adoptado estas estructuras cinematográficas.

Y hablando de eso, la cinematografía de The City of Violence es muy buena: buenos sets, tiros que se enfocan en la acción y buen uso del contraste entre los sets, la luz y los disfraces en algunas escenas. Pero nada de eso nos debería sorprender puesto que los coreanos se distinguen por el juego de colores, ángulos y tiros que utilizan en sus filmes.

En fin, esta película no es nada especial. Sin embargo, es entretenida y tiene buenas escenas de pelea.

Cortos

Perdonen. No encontré ninguno con subtítulos, pero la verdad es que no hacen falta.

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Director investiga abusos de Abu Ghraib

2008-06-26T22:59:00.004-05:00

Título: Standard Operating Procedure (2008)
País: Estados Unidos
Idiomas: inglés
Género: documental
Ocasión: Cuando te quieras enterar de lo que está pasando en el mundo
Dónde se consigue*: Todavía no está en DVD

Resumen

Errol Morris - director de The Fog of War, documental premiado con el Oscar - investiga los abusos perpetrados por los soldados estadounidenses en la prisión de Abu Ghraib.

Reseña:

Lo malo

El estilo tradicional de Errol Morris de entrevista se presenta en cada uno de sus documentales. Es un estilo bien aburrido y poco dinámico: sienta a sus sujet@s de frente a la cámara (ni de lado, ni en diagonal suave ni nada, sino mirando directamente a la cámara) y los deja hablar por horas y horas. Quizá es que él no sabe dirigir las entrevistas o quizá entra en juego el mal trabajo de edición que se hace con las entrevistas. Cualquiera que haya hecho este tipo de trabajo sabe que no todo lo que el/la sujeto/a dice es importante (y en el caso del cine, interesante o necesario para mover la historia). Pues él no parece saberlo, porque deja muchos pedazos de entrevistas que, francamente, no nos explican nada de la persona ni de los eventos. No importa la razón que sea, el saldo siempre es el mismo: películas larguísimas y aburridas (pero no por eso deja de ser importante).

Por otro lado, siguiendo con el estilo de edición, hay muchos momentos en que las entrevistas se cortan, sale una pantalla negra por par de segundos y luego sigue la misma entrevista. Esto ocurre a lo largo de todo el documental y lleva a que uno se confunda en múltiples ocasiones pensando que ya se acabó la película.

También me molesta la inconsistencia del director como entrevistador. En algunas entrevistas no se oye su voz para nada y en otras sale como un grillo chillando. Un hombre que tiene una voz como Errol Morris debería quedarse siempre fuera de la cámara. Es, verdaderamente, molestosa y más aún cuando es esporádica y sorprendente.

Lo bueno:

He leído algunas críticas que dicen que hay mejores películas que ésta hechas sobre el tema de Abu Ghraib. Tengo que confesar que no he visto ninguna otra y, por ende, no tengo mucho marco de referencia. Pero en general, me parece que uno logra tener una imagen bastante clara de lo que sucedió allí.

Me gustó que Morris entrevistara directamente a las personas envueltas en el escándalo y no recurriera a periodistas o analistas políticos como hacen otros directores. Morris argumenta que Standard Operating Procedure no es una película política y, aunque esto es un error propiciado quizá por su concepción limitada de la palabra “político”, él hace buen trabajo eliminando los elementos “politiqueros” (o político-partidistas) de los Estados Unidos. De esta forma nos concentramos específicamente en las versiones de las personas que estuvieron allí y nosotr@s mism@s podemos decidir si les creemos o no.

Esto es un asunto que no se puede tomar a la ligera…diría que es fundamental para este documental. Yo me pasé las dos horas que dura creando mis impresiones de estas personas. Por una parte, uno ve que algun@s de ell@s entienden que lo que hicieron estuvo mal. Por otra parte, sin embargo, uno se da cuenta de que no entienden cuán mal estuvo. No entienden las implicaciones de la degradación, de la humillación, del encubrimiento de abusos (y hasta de asesinatos) y de todos los demás horrores que ocurrieron allí. Su defensa, en múltiples ocasiones, es que “al menos no los mataron” (aludiendo a las imágenes de “terrorismo” árabe). Aunque no me acuerdo que ninguno de ell@s lo diga abiertamente, tod@s parecen entender que eso no estuvo “tan mal” porque “ellos” (el Otro siempre) hacen cosas peores.

Esto lleva a una discusión bastante sutil, pero presente e importante, de la moral y de cómo se mide ésta en tiempos de guerra. Much@s de est@s soldad@s entienden que en tiempos de guerra la moral se “redefine”, es decir, matar a una persona en circunstancias normales es malo, pero no en circunstancias de guerra; humillar a un ser humano en tiempos de paz es malo, pero no así en tiempos de guerra.

Finalmente, otro de los aciertos que le vi a Standard Operating Procedure (quizá por el sesgo de mis estudios), es el enfoque en la imagen. Una de las discusiones principales de este documental es cómo todo este evento cambió al ser fotografiado; cómo la imagen fue la que trajo todo esto a colación. Pero no es una oda no-crítica a la imagen. Se habla también de cómo las imágenes se distorsionan y se manipulan para salvar a un@s y culpar a otr@s. Se habla, igualmente, de cómo la imagen sólo captura un momento en una serie de momentos y cómo esto elimina el contexto de lo que está ocurriendo. Y, en el fondo, sale al aire la pregunta filosófica de cómo la imagen crea el evento. ¿Si el árbol cae solo en la selva y nadie lo oye, hace ruido?

En fin, aunque es un poco aburrida y lenta, Standard Operating Procedure tiene información valiosa y discute temas importantes. Creo, firmemente, que es un filme que debe verse.

Cortos

Inmigrantes en la Inglaterra de los 60's lidian con discrimen racial

2008-06-24T23:32:00.007-05:00

Título: Wondrous Oblivion (2003)
Países: Inglaterra
Idiomas: inglés (sin subtítulos pero con closed captioning)
Género: drama con elementos humorísticos
Ocasión: Para quitarte la depresión luego de ver Machuca
Dónde se consigue*, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Una familia negra de Jamaica se muda a un vecindario blanco en Inglaterra en la década de los 60’s. El padre de la familia, un gran jugador de cricket, comienza a darle clases a su vecino judío y los demás vecinos no les hace ninguna gracia.

Intermedio

Hace una o dos semanas, decidí organizar mis entradas por género de películas y me di cuenta de la desproporción que tengo a favor de los dramas. Esto indica, por un lado, mi predilección por ese género. Sin embargo, también indica que me hace falta ver más películas de otros géneros. Por eso me gustaría que aquell@s de ustedes que entran a este blog y nos leen, nos recomienden buenos filmes. Así no solamente nos beneficiamos nosotros (que conocemos películas nuevas) sino que podemos expandir nuestro repertorio. ¡Muchas gracias!

Reseña

Estos últimos días he estado viendo películas que hablan sobre lo mala que es la humanidad. He visto, al menos 3 o 4 bastante corridas que enfatizan la maldad y la “naturaleza perversa” de los seres humanos. De vez en cuando, uno necesita una historia que le recuerde que hay gente buena en este mundo… que todavía hay esperanza de que las cosas puedan mejorar.

En el fondo, Wondrous Oblivion es este tipo de películas. Aunque, efectivamente, el racismo y la discriminación forman una parte importante (si no esencial de la historia), habría que fijarse en cómo los personajes principales de este largometraje luchan con sus propios prejuicios y tratan de subvertirlos. Ésta es la verdadera importancia de Wondrous Oblivion.

Más que nada, veo esta película como la contraparte de la última que reseñé, Machuca. Mientras en Machuca vemos cómo el odio de los adultos infecta a l@s niñ@s, en esta vemos como la tolerancia de l@s niñ@s infecta a los (algun@s) adultos. Es por esto que aunque tratan temas similares, Machuca es deprimente (aunque buena igual) y Wondrous Oblivion es esperanzadora.

Por demás, habría que destacar el buen trabajo que hace el escritor/director con el tratamiento del cricket en la película. Al empezar, parecería que esto es, simplemente, una historia de triunfo más; de esos largometrajes que narran la trayectoria de un deportista o de un equipo. Sin embargo, aunque efectivamente el cricket tiene un papel importante en la película, no es el papel principal. El cricket es, más que nada, un vehículo para narrar las historias de prejuicio y discrimen que se dan en esta comunidad. La historia, entonces, no se convierte en una banalidad de “auto-ayuda” y positivismo azucarado. Sí, nos provee esperanza, pero no de esa clichendosa de “piensa positivo y sé invencible”, sino de la que nos dice que es posible ir en contra de toda nuestra programación social.

En fin, Wondrous Oblivion además de ser una película esperanzadora, es muy entretenida y está bien hecha. Espero que la disfruten.

Cortos

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Niños se hacen amigos en medio de golpe de estado

2008-06-08T09:48:00.006-05:00

Título: Machuca (2004)
Países: Chile
Idiomas: español y un poco de inglés
Género: drama
Ocasión: Cuando quieres deprimirte por el estado del mundo =)
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Bajo el gobierno de Salvador Allende en Chile, algunas escuelas privadas comenzaron a subvencionar la matrícula de estudiantes pobres. Esto, obviamente, trajo conflictos en las escuelas, pero dos niños lograron forjar una amistad en medio de todo el caos.

Reseña

Hay veces que ver una película de amistad entre niños es lo más deprimente que se pueda hacer. Vemos cómo podrían ser las cosas en el mundo si no fuera por la cantidad de odio e intolerancia que flota a nuestros alrededores. Machuca es de este tipo de película.

Machuca se desarrolla en los últimos meses del gobierno socialista de Salvador Allende. A lo largo de todo el filme, vemos semillas de la tensión política que vivía el país. La clase adinerada de Chile estaba muy asustada por los cambios que había implantado el gobierno. Much@s vieron, con temor, la desaparición de sus privilegios.

Este largometraje es bastante fuerte. No me refiero a contenido sexual ni violento… sino a la crudeza del odio que se presenta en él. Machuca hace un trabajo fenomenal en capturar el odio humano en su máximo esplendor. Ver como las personas, por miedo e ignorancia, se niegan a compartir lo que tienen con l@s men@s privilegiad@s. Ver el ácido y el veneno que se dicen de lado a lado. Y lo peor de todo, ver como todo este odio se le transmite a l@s niños. Creo que esa es la parte más deprimente de la historia, al igual que en películas como The Kite Runner. No se confundan, Machuca no es tan triste como The Kite Runner… que es una tragedia tras otra… pero sí nos deja un sabor amargo en la boca; el sabor de la perpetuación de la intolerancia humana.

Tendría que destacar el lugar que le dan los escritores a la Iglesia Católica en este largometraje. Estamos acostumbrados, todo el tiempo, a ver la Iglesia como eje de intolerancia y de comportamiento, precisamente, anti-cristiano. Desafortunadamente, en muchas ocasiones históricas, se ha comportado así (no solo ésta Iglesia, sino muchas otras). Sin embargo, en Machuca se presenta el lado social y caritativo que también tiene la Iglesia. Efectivamente, la Iglesia ha sido fuente de muchas cosas malas, pero esconder todo el trabajo social que hacen muchos sacerdotes, monjas y laicos en diversas partes del mundo sería injusto. El personaje de Father McEnroe es interesante porque representa las contradicciones en las que vivimos los seres humanos. Por un lado, el padre representa el imperialismo cultural norteamericano y por otro al socialismo democrático chileno. Aunque no se entra mucho en la historia del cura, ni en su trasfondo, su importancia en esta película es incuestionable.

En fin, Machuca es una película que por momentos nos da esperanza y en otros nos la arranca sin piedad. Es un largometraje que representa, de una forma muy real y muy certera, cómo l@s padres, por un lado dicen preocuparse de los valores que las demás personas les enseñan a sus hij@s, pero por el otro no se dan cuenta que los dos valores primordiales que les están heredando son el odio y la intolerancia. Hablando de contradicciones…

Cortos

(Perdonen la mala calidad de estos cortos. No había muchas opciones)

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Aldeano tailandes viaja a gran ciudad a recobrar la cabeza de Buda

2008-06-05T19:47:00.011-05:00

Título: Ong-Bak (2003)
Países: Tailandia
Idiomas: tailandés e inglés (subtítulos en español e inglés)
Género: acción (artes marciales)
Ocasión: Cuando tienes ganas de ver buenas peleas
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un hombre de negocios inescrupuloso se roba la cabeza de un Buda en un pueblito rural de Tailandia. El pueblo se sume en la miseria porque la cabeza del Buda es el foco de una celebración importante. Un joven decide ir a la ciudad a recobrar la cabeza.

Reseña

Aunque esta película NO es una joya de la cinematografía contemporánea, sí es un buen ejemplo de su género. El foco principal en películas como ésta no es, por lo general, la historia, ni el desarrollo de personajes y ni siquiera las actuaciones. El foco de este tipo de películas es, efectivamente, el arte marcial. Claro, algunas películas más profundas, como Hero por ejemplo, tratan temas complejos como el poder, la justicia, la venganza, el amor y el patriotismo (todos en sus sentidos un poco más filosóficos). Sin embargo, la mayoría de las veces, cuando alquilamos una película de artes marciales, estamos buscando ver buenas peleas, puños y bofetás’. Ong-Bak tiene eso.

Tony Jaa hace su debut como actor en esta película. Lo interesante de Jaa es que su formación principal es como “stuntman”. Esto quiere decir que el foco de la película, obviamente, es en las coreografías de las escenas de pelea y en las piruetas que hace este hombre. Al igual que en District B-13 (que reseñé anteriormente), el hecho de que el personaje principal sea un “stuntman” le añade credibilidad a las movidas increíbles que vemos en pantalla.

Tengo que decir que aunque la historia es predecible (tanto o más que sus contrapartes hollywoodenses), vale la pena verla tan sólo por ver el performance magistral de Tony Jaa en cada una de las escenas de batalla. También es importante mencionar que la acción de esta película va en crescendo… cada vez que vemos una movida espectacular y pensamos “ahora sí que ya el tipo no se puede inventar nada mejor que esto”, Jaa sale con otra maroma o pirueta que nos deja boquiabiert@s.

En fin, no hay mucho que decir de Ong-Bak. No es, ni pretende ser, una película para ganar en Cannes. Es, más que nada, una colección de buenas peleas, coreografías y piruetas. Disfrútela.

Cortos

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Benicio del Toro gana en Cannes

2008-06-05T19:38:00.003-05:00

Aunque ya esto es noticia vieja, no deja de ser emocionante e importante. Benicio del Toro es el primer puertorriqueño en ganar el premio al mejor actor en el festival de cine más importante del mundo, Cannes. ¡Enhorabuena!

Hombre viaja a Dinamarca y se entera de tremendo chisme en una boda

2008-05-30T23:37:00.005-05:00

Título: Efter brylluppet (After the Wedding en inglés)
Países: Dinamarca y Suecia
Idiomas: danés, inglés, hindi y sueco (subtítulos en inglés)
Género: drama
Ocasión: Cuando te interesa un buen chisme
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un hombre que dirige un orfanato en India viaja a Dinamarca (su país natal) a pedir dinero a un inversionista para continuar su obra. El inversionista lo invita a la boda de su hija y éste, como deferencia, decide ir. Allí se entera de un secreto que alterará el resto de su vida.

Reseña

Tengo que decir que hasta el momento no he visto ninguna película danesa que no me haya gustado. Anteriormente había reseñado The Green Butchers (filme en el que también sale Mads Mikkelsen) y The Five Obstructions. Hay algo muy diferente en el cine danés. Todas estas películas, de una forma u otra, trabajan con personajes disfuncionales. En The Green Butchers el personaje de Mads Mikkelsen es un hombre neurótico, antisocial y oscuro. The Five Obstructions, que es un documental y no tiene personajes ficticios, lidia con la disfunción de Lars von Trier y su proceso sádico pedagógico. After the Wedding, entonces, no es la excepción. Jacob (Mikkelsen) va a Dinamarca sin la más mínima idea de lo que le espera en esa boda. Al igual que en The Celebration (que todavía no he reseñado), la fiesta sirve para quebrar la imagen de “normalidad” que aparenta la familia y desvelar su verdadera dimensión disfuncional. Más allá de la disfunción, sin embargo, es el estudio del comportamiento humano lo que sale a relucir en todos estos filmes. Tomadas como un conjunto, estas películas podrían representar una visión del mundo y del ser humano: no existe tal cosa como la “normalidad”… lo normal es la disfunción.

Otra cosa que me fascinó de este largometraje es la encrucijada en la que se encuentra el personaje principal. Aunque no puedo revelar datos específicos (para no dañar las sorpresas) es importante hablar de esto. Jacob tiene que tomar una decisión entre sus deseos, sus responsabilidades profesionales e ideológicas y sus responsabilidades personales. Llega un momento del filme en que todas estas cosas están compitiendo entre sí y cualquier decisión que él tome le va a traer consecuencias serias. Me identifiqué mucho con Jacob (aunque, claro, no me he encontrado en esa encrucijada específica) porque muchas veces me he cuestionado qué será de mi vida en un futuro cuando haya terminado mis estudios. En esos momentos salen a relucir esas mismas decisiones entre los deseos personales, las responsabilidades ideológicas y las responsabilidades profesionales. Por demás, creo que lo extremo de la situación en la película pone las situaciones de uno en perspectiva.

Finalmente, no me puedo ir sin mencionar las actuaciones. En otra ocasión ya he hablado sobre el trabajo de Mikkelsen. Sin embargo, Rolf Lassgård y Sidse Babett Knudsen se la comen en sus respectivos papeles. Knudsen demuestra todo su repertorio histriónico en esta película al pasar de la extrema felicidad al puro terror emocional y a la confusión sentimental. Igualmente, Lassgard tiene varias escenas poderosas en las que pasa de una personalidad fría y calculadora a una desesperación desgarradora.

En fin After the Wedding, película nominada al Oscar de mejor películas extranjera en 2006, es una gran representante del cine danés contemporáneo. Es una estudio psicológico intenso y emocional.

Cortos

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Mujer va a trabajar a casa de maestra que le daño la carrera

2008-05-24T12:50:00.006-05:00

Título: La tourneuse de pages (The Page Turner en inglés) - 2006
País: Francia
Idioma: francés (subtítulos en español y en inglés)
Género: suspenso
Ocasión: Cuando tienes ganas de ver una película corta con emociones intensas
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Una niña prodigio del piano fracasa un examen de entrada a un conservatorio prestigioso por culpa de la desconsideración de una de las juezas. Años después, la niña obtiene la oportunidad de trabajar para esa misma mujer.

Reseña

Esta es otra de esas películas de las que no se puede entrar en mucho detalle. La trama es tan simple, pero tan efectiva, que hay que ser muy cuidadoso al hablar de ella o se puede arruinar completamente. Por eso, voy a tratar de concentrarme en algunas generalidades del filme y más nada.

The Page Turner, como otras películas francesas que he reseñado aquí, es muy corta. Tan sólo dura 1 hora con 25 minutos. Sin embargo, no se necesita más tiempo. Es este tipo de cine el que me llevó a criticar negativamente la duración de El aura. Viendo The Page Turner me reafirmo en que para que una historia sea poderosa e intensa no tiene que durar más de dos horas. The Page Turner construye el conflicto desde el principio y desarrolla los personajes sólo lo necesario.

Re-leyendo algunas de las reseñas que he hecho, me doy cuenta que en muchas de éstas me enfoco en los/as actores/actrices que salen en estas películas. Aunque quizá parezca una muletilla mía, creo que los/as actores/actrices son esenciales en el producto final. A veces vemos películas en las que la historia está muy bien pero las actuaciones son tan malas que uno no logra llegar a ese “suspension of disbelief” que se supone que lleguemos. Gracias a Dios, ese no es el caso de The Page Turner. Déborah François, la actriz que interpreta a la niña de grande, es responsable de gran parte de la tensión que se mantiene a lo largo del filme. El personaje de Francois, Mélanie, es una de estas personas a la que alude el refrán popular “del agua mansa líbrame Dios, que de la brava me libro yo” y nos mantiene todo el tiempo pensando en sus intenciones.

Finalmente, para no entrar más en detalles, es un acierto de los libretistas y del director, escondernos alguna información. En algunos largometrajes, l@s escritores nos permiten acceso a cierta información que otros personajes no tienen y esto termina dañando el suspenso de la película. No así en ésta. Nosotros, como audiencia, nos enteramos de los sucesos según ocurren y, por tanto, funciona mejor el elemento de sorpresa. Aunque a veces es obligatorio darnos un poquito más que a algunos de los personajes, los escritores de The Page Turner nos dan a la audiencia sólo lo estrictamente necesario para entender el desenlace. El resto del tiempo nos mantienen la información escondida hasta que ésta se revela en el mundo de la historia.

Bueno, aquí les dejo los cortos. No les digo más para no dañársela. Espero que disfruten este filme que fue la selección oficial del público en Cannes en el 2006.

Cortos

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Competencia de "breakdancing" (estrobugui) en Alemania

2008-05-19T22:46:00.012-05:00

Título: Planet B-Boy (2007)
País: Estados Unidos
Idioma: inglés
Género: documental
Ocasión: Cuando quieres ver buen baile urbano
Dónde se consigue*: Todavía está en los cines, pero pronto se podrá conseguir en Netflix

Resumen

El documental sigue la trayectoria de 5 equipos que van a competir en el torneo internacional de breakdancing, “Battle of the Year” en Alemania.

Reseña

Planet B-Boy es, antes que nada, un documental que explica qué es el “breakdancing” y cuál es su historia. Para aquell@s boricuas que no sepan que es el “breakdancing”, en Puerto Rico le llamábamos el “estrobugui” (electro-boogie) en los 80’s. Este filme nos explica que, contrario a lo que much@s podríamos haber pensado, este baile no sólo no ha muerto sino que ha evolucionado y se ha convertido en una sub-cultura mundial.

Aparte de los datos puramente informativos que tiene la película, Planet B-Boy tiene otras cosas chéveres. Primero, contiene muchas escenas distintas de baile. Aunque no se pueden ver todas las coreografías enteras, el director hace un gran trabajo de darle suficiente escenas de baile a la audiencia. Realmente uno puede aprender del estilo y ver cómo estos maestros (porque eso es lo que son verdaderamente) lo ejecutan a la perfección.

Por otra parte, al igual que Mad Hot Ballroom (que reseñé anteriormente), Planet B-Boy logra construir una historia dramática. Benson Lee, el director, se enfoca en 5 equipos específicos: Francia, Japón, Corea del Sur (2 equipos) y Estados Unidos. Y dentro de estos 5 equipos, se sacan algunas historias específicas como, por ejemplo, la de un joven que es hijo único y huérfano de madre, la de un niño blanco de 12 años que baila en un equipo en el que todos los demás integrantes son negros y adultos o la de un muchacho cuyo padre murió de cáncer. Fuera de estas historias individuales, la estructura de la competencia “Battle of the Year” provee el resto del arco dramático del filme.

Algo que me pareció particularmente interesante (ya que estoy en pleno proceso de estudiar para los exámenes comprensivos doctorales) es cómo este producto mediático nos presenta las tensiones entre la modernidad y la postmodernidad. Mientras por un lado algunos jóvenes dicen que aunque les gusta su país, su bandera no es la nacional sino la del “hip hop”, por otro lado vemos jóvenes que se toman bien en serio su papel de representantes nacionales (la competencia está dividida en países). De igual forma oímos muchas (re)definiciones de cultura, de nación…de las instituciones tradicionales modernas.

Finalmente, continuando con el tema de la modernidad y la postmodernidad, vemos la tensión entre la resistencia y el imperialismo. Aunque el campeón defensor de la competencia es Corea del Sur, se menciona mucho la supuesta supremacía de los Estados Unidos en éste y en otros campos. Algunos equipos, como el de Francia, quieren simplemente vencer a los estadounidenses aún cuando éstos no habían ganado una competencia de “Battle of the Year” desde 1998. De igual forma, la retórica estadounidense es la misma megalómana y arrogante que notamos en otros eventos. De hecho, hay una escena que me recuerda un anuncio que salió cuando se hizo la primera Copa Mundial del Béisbol. En ese anuncio, Roger Clemens le asegura al pueblo norteamericano que, aunque hay buenos jugadores en el resto del mundo, nadie les va a ganar porque “we invented the game”. En la película, uno de los integrantes de Knucklehead Zoo, el equipo de EU, dice que aunque se hayan “apropiado” del baile en otros países, eso se inventó en Estados Unidos y hay que traer el trofeo “a casa”. Como justicia poética, los estadounidenses no llegaron ni a las finales.

En fin, Planet B-Boy es un buen documental para conocer la cultura del “breakdancing” a nivel mundial, para ver buenísimas escenas de baile y para alimentar la curiosidad y buscar más información de este fenómeno tan interesante.

Cortos

Aquí les pongo algunos videos adicionales de los diferentes grupos:

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Taxidermista planea el crimen perfecto en la Patagonia

2008-05-18T09:54:00.006-05:00

Título: El aura (2005)
País: Argentina en co-producción con España y Francia
Idioma: español (y tiene "closed captioning" en español)
Género: film noir
Ocasión: Cuando quieras ver una historia lenta pero intensa
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un taxidermista epiléptico sueña con ejecutar el crimen perfecto. Un día se le presenta la oportunidad.

Reseña

Acabo de ver El aura así que la tengo fresca en mi memoria. Tal y como hice con Poor Boy’s Game, voy a presentar lo que me gustó y lo que no me gustó.

Lo que no me gustó

Alquilé esta película porque el servicio de Netflix me la recomendó. Según Netflix, como me había gustado 13 Tzameti, ésta me debería gustar. Efectivamente, 13 Tzameti y El aura comparten cosas en común: el ‘feeling’ de irse adentrando en los rincones de un sub-mundo criminal y el incidente que guía la acción en ambas películas. Sin embargo, 13 Tzameti tiene un acierto que éste filme no tiene: corta duración. El aura es muy larga. Y no es que dure 9 horas como la interminable trilogía de los anillos. Pero, genuinamente, hay como media hora que se pudo haber cortado.

El hecho de que el largometraje sea súper lento contribuye al exceso de duración. Hasta los movimientos de cámara son lentos. Esto es parte de la sensación que el director quería crear. Sin embargo, en vez de aumentar el suspenso a veces la lentitud trae consigo el desánimo. Hay momentos en que uno, simplemente, quiere que la escena se acabe y ya.

Hay ocasiones en que la lentitud funciona. De hecho, se podría argumentar que hay partes de El aura que tenían que ser así de lentas. No obstante, me parece que se sacrificaron unas cosas por otras. Por ejemplo, si la película iba a ser larga como quiera, quizá nos debieron haber dado más información del personaje: no sabemos por qué esta obsesionado con planificar el crimen perfecto y, aparte de que es un taxidermista y epiléptico, no sabemos mucho más de él. En efecto, en un momento dado él mismo se lo dice a otro personaje: “tú no me conoces” (y nosotros tampoco y esto no cambia a lo largo del filme). En 13 Tzameti, por ejemplo, esto no es necesario. La motivación del personaje es clara: el dinero. Pero aquí no. Parecería que es aburrimiento (quizá por su profesión o su vida) pero son inferencias abiertas que hacemos al azar.

Lo que me gustó

Ricardo Darín. Es una actuación intensa y profunda. Las pocas inferencias que podemos hacer de su personaje (ya que como comenté arriba casi no nos dan información) las hacemos por sus gestos y ademanes. Su cara dice todo lo que no suelta su boca. Su mirada, patéticamente aburrida, nos hace entender que hay algo horrible que ocurre en su mente… aunque nunca sepamos qué es.

Por otra parte, me gustó mucho la historia. La idea de este filme parecería ser aquella que se esconde detrás del dicho anglosajón “be careful what you wish for”. Esteban Espinosa (el personaje principal) es lo que llaman en Estados Unidos un “armchair quarterback”, es decir, una persona (un fanático) que se sienta a ver como otras personas ejecutan sus trabajos (el concepto específico se refiere al mariscal de campo del football americano) y dice que él/ella lo podría hacer mejor y cómo. En El aura, el creador le dijo a Espinosa: “¿ah sí? Pues dale que te toca”.

La historia tiene mucha coherencia interna. Todo lo que ocurre en el final de la película queda establecido a lo largo del filme. Sin embargo, hay una inconsistencia que me perturba y no me decido si es, verdaderamente, una inconsistencia o si es parte de cómo el creador quería jugar con el personaje. Desde el principio queda establecido que Esteban tiene una memoria infalible. Queda BIEN claro. Sin embargo, en un momento clave esa misma memoria le falla. Podría ser parte de cómo se representa el caos en el filme (quizá por eso Sontag al principio le dice: “¿y si algo sale mal?”), pero lo problemático es que es la única ocasión en la que ocurre. Este es el único evento que no tiene precedente (aparte de esa línea, pero eso no explica su pérdida de memoria) dentro del mundo de El aura; muy conveniente para el clímax del filme.

Finalmente, la cinematografía de esta película es preciosa de principio a fin. La calidad no desmerece nunca.

A mí me gustó El aura. Admito que hubo algunos elementos que me exasperaron, pero en general valió la pena. Eso sí, no se puede ver este largometraje pensando en la otra película de Bielinsky, Nueve reinas. Son dos películas totalmente diferentes: pasos distintos, tramas distintas, géneros distintos. Creo que yo cometí ese error y por eso me chocó tanto el paso tan lento y la duración tan larga de El aura.

Cuando estaba buscando información para hacer esta reseña, me di cuenta de que Fabián Bielinsky, el director y escritor de estos dos filmes, murió luego de terminar El aura. Murió muy joven (46 años) de un ataque al corazón. Es, verdaderamente, una lástima. Argentina perdió un gran director de cine que apenas comenzaba a despuntar. ¡Qué descanse en paz!

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Renacuajo mutante ataca Seul, Corea del Sur

2008-05-14T23:16:00.006-05:00

Título: Gwoemul (The Host en inglés) - 2006
País: Corea del sur
Idiomas: coreano e inglés (subtítulos en
español e inglés)
Géneros: Horror…
Ocasión: Cuando tienes ganas de ver un renacuajo mutante
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un monstruo marino mutante, creado por un derrame de tóxicos por parte del ejército estadounidense, irrumpe en Seúl y se rapta a la nieta de la familia Park. La familia, luego de que las autoridades se niegan a ayudarles, se va detrás del monstruo a buscar a la niña.

Reseña

Comienzo diciendo que no soy fanático de las películas de horror y mucho menos de su sub-género, las películas de monstruos. Las encuentro aburridas, predecibles y formulaicas. Sin embargo, The Host es algo diferente.

Así como Gojira (Godzilla) nació como una metáfora de la realidad socio-política del momento (las bombas atómicas) Gwoemul, el monstruo de The Host también es producto de un problema socio-político contemporáneo. En este caso, sin embargo, la culpable es la contaminación ambiental. El autor hace una decisión consciente al poner la responsabilidad, claramente, en las manos del ejército de los Estados Unidos. Además de ser un juicio directo a sus políticas ambientales, Estados Unidos representa la cantidad de países “desarrollados” que utilizan al mundo “en desarrollo” como su vertedero personal. Aunque Corea del Sur no es un pais en desarrollo, el desbalance de poder se hace muy claro en la toma inicial del filme.

En términos puramente estéticos, The Host es una de las películas de monstruos más innovadoras que he visto. Se representa a Gwoemul como lo que se supone que sea: una mutación genética. La bestia tiene cuerpo de renacuajo, patas de dinosaurio, bocas de serpientes…en fin, es un collage de animales fundidos en un garabato químico.

El largometraje tiene, además, el acierto de mezclar varios géneros en uno. Aunque es, principalmente, horror, The Host tiene muchos elementos de comedia que a veces hacen a uno pensar que uno está viendo una sátira. De hecho, la misma construcción física del monstruo fluctúa entre lo horripilante y lo humorístico. A veces se mueve como una verdadera bestia descerebrada y a veces parece un clavadista olímpico. Los humanos también proveen varios momentos graciosos. Uno de los personajes principales, el papá de la niña raptada, es un hombre-niño inepto e hilarante. Pero The Host también tiene elementos dramáticos que examinan la vida íntima de una familia. En el fondo, la película se trata tanto de los Park (la familia) como del monstruo y el caos que éste desata en la ciudad.

Finalmente, es importante recalcar el personaje de Park Hyun-seo, la niña raptada. Este personaje provee “empowerment” tanto a l@s niñ@s en general como a las mujeres. Aunque el monstruo la rapta y le muestra lo que podría ser su futuro (una pila de cadáveres destrozados), la niña no se deja intimidar por la bestia y, constantemente, busca maneras de escapar, de engañarla y de sobrevivir. Cuando más adelante, entonces, el monstruo rapta a un niño pequeño, Hyun-seo es la que le salva la vida. Ah-sung Ko, la joven actriz que encarna a Ko, interpreta el papel magistralmente.

En fin, The Host es una película de monstruos que tiene algunos elementos que la diferencian al resto de los filmes enlatados de su género. Entre risas y sustos, la película entretiene.

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Oprima aquí. Normalmente pongo los de YouTube, pero éstos no eran de muy buena calidad.

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Dia de madres con peliculas internacionales!

2008-05-11T21:08:00.006-05:00

Hoy en Puerto Rico celebramos el día de las madres. Aquí les presento tres películas que se tratan, de diferentes formas, de la maternidad. Vayan al video, alquilen una de éstas y véala con su mamá y su familia. ¡Felicidades!

* Todos estos filmes se consiguen en Blockbuster o en Netflix.

Título: El hijo de la novia (2001)
País: Argentina
Idiomas: español
Géneros: drama/comedia

Resumen:

Rafael es un dueño de restaurante que tiene una vida caótica. Esta vida lo lleva a tener un pequeño ataque del corazón. A la misma vez, su papá decide volver a casarse con su mamá pero esta vez por la Iglesia, como ella siempre quiso. El problema es que ella tiene Alzheimer y casi no reconoce a nadie. Estos dos eventos hacen que Rafael re-piense su vida y todo lo que se ha estado perdiendo.

Título: A mi madre le gustan las mujeres (2002)
País: España
Idiomas: español y checo
Géneros: drama/comedia

Resumen

Una madre decide presentarles a sus hijas el nuevo amor de su vida. Para sorpresa de éstas, el nuevo amor es otra mujer y mucho más joven que su madre. Las hijas no toman bien la sorpresa y comienzan a planificar como deshacerse de la novia.

Título: Todo sobre mi madre (1999)
País: España
Idiomas: español, catalán e inglés
Géneros: drama

Resumen

Una madre soltera madrileña ve a su único hijo morir en un accidente de tránsito el día de su cumpleaños número 17. Decide, entonces, ir a Barcelona a encontrar al padre que nunca supo que tuvo un hijo. Allá en Barcelona conoce varias personas interesantes y termina formando una relación de madre con una de ellas mientras ésta atraviesa un embarazo doloroso y peligroso.

* Que conste, de estas tres la más que me gustó fue Todo sobre mi madre. Es una película poderosa, con grandes actuaciones y todos los elementos clásicos que le han ganado fama internacional a Pedro Almodóvar. Y no se olviden de Good Bye Lenin, la última que reseñé que también trata, de alguna forma, el tema de la maternidad. ¡Que las disfruten!

Mujer cae en coma y despierta en otro país

2008-05-09T23:46:00.004-05:00

Título: Good Bye Lenin (2003)
País: Alemania
Idiomas: alemán (subtítulos en inglés)
Géneros: comedia
Ocasión: Cuando buscas humor un poco más sofisticado
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Una señora dedicada al ideal comunista en Alemania Oriental cae en coma unas semanas antes de que caiga el muro de Berlín. Cuando sale del coma, el muro ha caído y todo ha cambiado pero ella no lo sabe. Su doctor le dice a su hijo que debe protegerla de cualquier evento que la pueda excitar por que ella está frágil y no aguantaría un infarto. El hijo, entonces, decide esconderle la realidad política del país y hace todo lo impensable para hacerle creer que todo sigue igual.

Reseña

Good Bye Lenin utiliza la comedia como mecanismo para acercarse a una situación que fue difícil, dolorosa y compleja. Según he leído de algun@s alemanes, el director hizo un gran trabajo al capturar el cambio abrupto y desenfrenado que se dio luego de la caída del muro. De igual forma, los escritores no tienen miedo de parodiar lo absurdo de ambos sistemas políticos tal y como se dieron en esta región del mundo; así evitan una representación maniquea de un periodo lleno de grises.

Por otra parte, la comedia de Good Bye Lenin tiene dos dimensiones. De un lado tiene una dimensión puramente física y “slapstick”. Del otro, sin embargo, se nutre de sutilezas para causar el humor. Un buen ejemplo de cómo el filme logra la síntesis de ambas dimensiones es la escena en que, de momento, unos trabajadores ponen un “billboard” colgante de Coca Cola en el edificio contiguo al de la casa de la mamá. Aunque lo que nos da risa es, precisamente, ver como se desenrolla ese letrero gigante y amenaza con destruir de un plumazo toda la ilusión que el hijo ha creado, también nos da risa (y dependiendo de sus inclinaciones políticas, molestia o tristeza) lo que connota ese letrero gigante: la presencia tan ridículamente exagerada y abrupta del capitalismo occidental en este país.

Good Bye Lenin¸ además, es una alegoría de cómo los seres humanos construimos nuestros ideales. Mientras estaba re-leyendo algunas críticas de esta película, encontré un comentario de una mujer que argumentaba que Alex, el hijo, le recrea una versión benévola del socialismo soviético/alemán. Pensando en que al principio del filme nos queda claro que él no es como su madre (tan entregado a la causa socialista), esta interpretación no es tan extraña. Alex, efectivamente, parecería estar construyéndole la versión del socialismo que él hubiera querido tener (en parte porque quiere preparar a su madre para que acepte el nuevo sistema político). De esta forma se problematiza más aún la situación de Alemania Oriental: no necesariamente se condena el socialismo como ideología, sino la forma en que este se implantó. Alex, entonces, imagina (en el sentido "appaduriano" de la palabra) una situación con la que él se siente cómodo.

En fin, Good Bye Lenin, un largometraje que recibió 31 premios internacionales y 14 nominaciones adicionales, es una historia de familia, de política y de cómo éstas se entrelazan entre sí; un filme entretenido, inteligente y cómico.

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Estudiante reta a su mentor cinematografico a re-hacer su primer filme

2008-05-07T21:58:00.005-05:00

Título: De fem benspænd (The Five Obstructions en inglés) - 2003
Países: Dinamarca, Suiza, Bélgica y Francia
Idiomas: danés, inglés, francés y español (subtítulos en inglés)
Género: documental
Ocasión: Cuando quieres aprender más sobre el arte de la cinematografía
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

El famoso director Lars von Trier le propone a su mentor Jørgen Leth que re-haga su primera película 5 veces distintas con 5 limitaciones (obstrucciones) diferentes.

Reseña

Lars von Trier es uno de los fundadores de un movimiento en el cine internacional que se llama Dogme 95. Esto movimiento se caracteriza por imponerles una serie de reglas a los directores para que éstos se concentren en la historia en vez de en efectos especiales o escenas innecesarias que se hacen sólo para ganar más dinero. En efecto, Dogme 95 es un ataque directo a las películas hollywoodenses. Algunos de las reglas son: prohibidos los sets y las luces artificiales, prohibidas las escenas superficiales de acción, prohibido el uso de “props” a menos de que éstos se encuentren en la localización donde se está filmando la película, etc. En el fondo, estas reglas están hechas para que los directores tengan que poner a trabajar su creatividad con la historia y con la trama y se olviden de las cosas superficiales que caracterizan muchas de las películas hollywoodenses contemporáneas.

Pues este documental, aunque no es técnicamente parte del movimiento Dogma, sí sigue la noción de que las limitaciones hacen que las mentes de las personas funcionen mejor. Como dice el viejo refrán, “la necesidad es la madre de la invención”. Cuando von Trier le impone las 5 obstrucciones a Leth, éste tiene que confrontar sus propias muletillas cinematográficas e ingeniárselas para crear sin recurrir a ellas.

Este documental es un “must-see” para todas aquellas personas que están interesadas en el arte de hacer cine: de la creación cinematográfica. En realidad, el filme es una conversación entre dos grandes directores de cine acerca del papel de la imaginación en la creación del arte. Las 5 obstrucciones, por demás, producen 5 documentales totalmente distintos. Se ve cómo un solo texto puede ser la base para múltiples interpretaciones y visiones.

Es interesante, también, ver la dinámica entre ambos directores. von Trier, quien tiene fama de molestoso y arrogante, admira muchísimo a Leth. Sin embargo, siente que éste se ha “embotado” y por eso decide proponerle estos retos. Aunque es evidente que existe una amistad entre ambos hombres, se dan también muchos choques de visiones de mundo distintas y de estilos directorales diferentes. The Five Obstructions, además, es un documental sobre la enseñanza. Vemos a lo largo del filme cómo los roles de maestro y estudiante se alternan. Sabemos desde el principio que von Trier fue alumno (o protegido) de Leth. Sin embargo, en esta ocasión, es von Trier el que está retando a su maestro. Es él el que hace que su maestro pase por ese viaje de auto-descubrimiento para que éste se dé cuenta hasta donde puede llegar su imaginación.

The Five Obstructions me parece particularmente pertinente al caso de l@s cineastas puertorriqueñ@s. De hecho, el movimiento Dogma en general… Aunque ya lo he dicho antes, vale la pena recalcarlo: l@s cineastas de aquí deben empezar a pensar en sus limitaciones y cómo éstas se pueden convertir en sus fortalezas.

En fin, The Five Obstructions es un filme entretenido, curioso y diferente. Tiene momentos muy “light” pero, igualmente, tiene momentos muy filosóficos y profundos. Cualquier persona que esté interesada, seriamente, en el proceso de creación cinematográfica (sea un/a aficionad@, estudiante o profesional) debe ver esta película.

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Joven roba carro con bebé adentro

2008-05-05T09:31:00.005-05:00

Título: Tsotsi (2005)
País: África del Sur
Idiomas: afrikaans, xhosa, zulu e inglés (subtítulos en español e inglés)
Géneros: Drama/acción
Ocasión: Cuando estás preparado/a para ver una historia de pobreza y violencia cruda
Dónde se consigue: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un joven criminal que vive en los ghettos de Johannesburgo, África del Sur, se roba un carro de los suburbios sin saber que dentro hay un bebé. Durante 6 días, el muchacho se hace cargo del bebé vacilando entre su vida criminal y sus instintos paternales.

Reseña

Antes que nada, perdonen la ausencia, ¡pero el trabajo no perdona! He decidido comenzar este segundo periodo de reseñas con una película que recibió bastante atención hace algunos años. Tsotsi ganó el Oscar a la mejor película extranjera y, así mismo, recibió 13 otros premios internacionales. El filme es producto de una industria cinematográfica naciente de África del Sur. Según he leído de algunos comentaristas surafricanos, Tsotsi marca un nuevo momento de sofisticación en el cine de ese país.

A Tsotsi la comparan con otro clásico contemporáneo de la violencia cruda en barrios pobres del mundo, Cidade de Deus (Ciudad de Dios). Efectivamente, la estética de ambas películas se parece: predominan los colores tierra, la oscuridad, las casuchas mal hechas. Además, ambas son crudas y sin tapujos. Sin embargo, la historia de Tsotsi tiene un toque mucho más personal que Ciudad de Dios. En Tsotsi el conflicto más grande parecería ser interno. El bebé obliga al joven a confrontarse a sí mismo… a mirar la vida que tiene y la vida que quisiera tener.

Habría que hablar, además, de la actuación de Presley Chweneyagae. El actor es responsable por parte de la emoción poderosa que emite este filme. Un pedazo, substancial, de su papel no tiene palabras. Esto implica que mucha de su actuación es física. A lo largo del largometraje, Chweneyagae mantiene un gesto duro que hace que el/la espectador/a le tenga miedo y se pueda solidarizar, quizá, son sus víctimas. Sin embargo, a la misma vez, logra demostrar una ternura muy sutil que nos hace cuestionarnos nuestro primer juicio.

Tsotsi, como Ciudad de Dios, nos muestra el mundo cruel de la violencia en estos ghettos. Sin embargo, estas películas no existen para reforzar nuestros estereotipos de estos lugares, sino para entender mejor las situaciones. Aquí vemos cómo muchos de estos muchachos tienen que convertirse en hombres a las malas y cómo “ser un hombre”, en muchas ocasiones, se traduce a hacer lo necesario para sobrevivir. Aunque la actitud de falta de respeto a la vida que tienen los personajes nos parece imperdonable, habría que pensar que ellos están haciendo exactamente lo que el mundo les ha enseñado. En este mundo capitalista, la ley de oro es “el más fuerte sobrevive”. En estas películas, entonces, nos muestran cómo se lleva esa ley a su etapa más extrema, más cruel. La actitud de desprecio por la vida es paralela a la actitud de los desarrollistas que no tienen ningún respeto por el ambiente, ni por los pequeños negociantes. Es paralela, igualmente, a la actitud de aquellos gángsters de cuello blanco que se roban el dinero que le toca al pueblo para vivir mejor. Al fin y al cabo, ha sido esta misma actitud de “el más fuerte sobrevive” de parte del mundo la que ha dejado que estas personas vivan en casas de tierra, sin agua potable, enfermos y sin servicios decentes. ¿Por qué habríamos de pedirles respeto a ellos, si nosotros nunca se lo hemos dado?

En fin, Tsotsi es una película cruda, violenta y, desafortunadamente, muy realista. Es buena para salir de la enajenación que tenemos en cuanto al resto del mundo.

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La Filmoteca continuará después de estos breves mensajes...

2008-04-17T20:55:00.006-05:00

Estimad@s lectores/as:

Pronto volveremos con nuevas reseñas. Estamos en el peor momento del semestre académico. Sin embargo ya tenemos varias películas en mente, así que estén pendiente! Gracias por leernos!

Mujer emprende viaje por Brasil para encontrar padre de niño huérfano

2008-04-04T18:17:00.004-05:00

Título: Central do Brasil (Central Station en inglés) - 1998
País: Brasil
Idioma: portugués (subtítulos en inglés)
Género: drama
Ocasión: Cuando quieres ver una historia bonita
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Una mujer amargada se echa encima la responsabilidad de cuidar un niño cuando éste pierde a su madre en un accidente de carro. Sin embargo, ésta pronto se da cuenta de que no tiene el temple ni la paciencia necesaria para lidiar con el chiquillo y busca quitárselo de encima. Por esta razón accede a llevar al niño a otra parte de Brasil a que éste conozca, y se quede, con su padre.

Reseña

Central do Brasil es lo que se conoce como un “road movie”, o una película de viaje. Una de las características principales de este tipo de película es que el viaje cambia a los personajes. En este filme, por ejemplo, vemos el personaje de Dora (la mujer que acoge el niño) transformarse de una mujer egoísta y poco tolerante a una mujer que aprende a entregarse por otro ser humano. Y es, precisamente, ese viaje de Rio de Janeiro al noreste de Brasil el que le da la oportunidad a Dora a conocer a Josué (el niño) y, a la misma vez, conocerse a si misma. Lo emotivo de esta película es que podemos palpar el proceso de autodescubrimiento por el que ella pasa. Igualmente emotiva, entonces, es la relación que se forma entre una mujer tan mayor y un niño que acaba de perder a su madre y que no conoce a su padre.

Claro está, la efectividad de Dora está atada a la actriz que la encarna, la extraordinaria Fernanda Montenegro. Montenegro, que estuvo nominada al Oscar y ganó el Oso de Plata del festival internacional de Berlín (entre otros) por este papel, es la responsable por transmitirnos la acidez inicial de Dora y esa transformación que vemos en ella a lo largo del filme. La actriz, por demás, me parece que es un símbolo de la importancia del cine internacional. Aunque es una actriz maravillosa, Montenegro nunca es igualmente eficaz en sus papeles cuando tiene que actuar en otras lenguas. Por ejemplo, el papel que hace en la adaptación del libro de Gabriel García Márquez El amor en los tiempos del cólera, se siente, a veces, forzado y en otras, poco natural. Sin embargo, en Central do Brasil Montenegro brilla, precisamente porque se le da la oportunidad de hablar con la naturalidad, la gracia y la belleza de su portugués natal. Y esto no es algo que le pase a ella solamente. Penélope Cruz, por ejemplo, adquiere mucha más fuerza cuando actúa en español y le permiten expresarse con esa picardía y esa chispa española que tiene. Y así con muchos/as otros/as actores/actrices.

Por otra parte, este largometraje tiene una cinematografía muy interesante. Una de las cosas que más me llama la atención es el contraste que se ve entre las escenas de la ciudad y las escenas del viaje. Vemos que Río de Janeiro se presenta siempre como un lugar metropolitano, claustrofóbico, lleno de gente por todas partes. Sin embargo, tan pronto salimos del encerramiento de la ciudad, empezamos a ver esos campos baldíos, esos valles hermosos de Brasil. No estoy diciendo con esto que uno sea mejor que el otro. Cada escenario tiene su encanto, pero la fortaleza de esta cinematografía estriba en lograr esta diferencia que, en el fondo, se refleja en la trama: pasamos de un lugar en el que hay que estar pendiente, paranoico a otro en el que se puede estar más relajado, más espaciado.

En fin, Central do Brasil es un filme hermoso que nos habla de la humanidad que, a veces, tenemos escondida. Aún cuando las situaciones a nuestro alrededor nos obligan, en ocasiones, a ser cerrad@s, paranoic@s y hasta egoístas, existe dentro de nosotr@s un sentido de solidaridad, de responsabilidad humana que nos puede ayudar a ser mejores personas.

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Otras películas de "viaje" (road movies) reseñadas en la Filmoteca:
- El último tren
- Perico Ripiao

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Maestra tiene relación extramarital con estudiante de 15 años

2008-04-02T16:19:00.004-05:00

Título: Notes on a Scandal (2005)
País: Inglaterra
Idioma: inglés (closed captioned)
Género: drama
Ocasión: Cuando tienes ganas de ver un drama tranquilo e intenso a la vez
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Una maestra que está a punto de retirarse, Barbara, se hace amiga de una maestra joven, Sheba, que acaba de llegar a la escuela. Cuando Barbara se entera de que Sheba mantiene una relación extramarital con uno de sus estudiantes, la amistad se transforma en chantaje.

Reseña

A veces no nos damos cuenta de que las películas británicas no son películas de Hollywood porque algunas de éstas llegan a las salas comerciales de Puerto Rico, porque a veces utilizan actores/actrices que estamos acostumbrados a ver en el cine de Hollywood y porque la Academia no las incluye en la categoría de cine extranjero en los Oscares sino que las considera para “Mejor Película” junto con las películas estadounidenses. Sin embargo, siguen siendo películas con sensibilidades distintas y con contextos específicos.

Notes on a Scandal se beneficia de las actuaciones maravillosas de la australiana Cate Blanchett y la inglesa Dame Judi Dench. El papel de Dench, particularmente, es el motor de este largometraje. La actriz logra capturar la complejidad, la soledad, la falta de amor que tiene Barbara. Aunque, técnicamente, ella es la “mala” del filme, Dench logra, hasta cierto punto, justificar o al menos explicar las razones que tiene Barbara para manipular a Sheba.

Lo interesante de Notes es que no le tiene miedo a meterse con temas difíciles como el estupro, las sexualidades alternativas y la complejidad de la familia. En un filme de apenas 1 hora y media, los escritores nos adentran en un mundo en el que las respuestas a las preguntas no son un simple sí o no. Se invierten los valores de tal forma que la persona que está cometiendo adulterio es la “buena”, a la que le tenemos simpatía y la “mala” es la que busca, de una forma muy perversa, lograr que ésta termine su relación extramarital. Esto es particularmente efectivo para entender cómo la bondad y la maldad no son fórmulas descritas en códigos morales o ritos religiosos, es decir, aquell@s que cumplen las normas no necesariamente son personas “buenas”.

Otra cosa bien lograda en Notes on a Scandal es la narración. Las narraciones no siempre funcionan. A veces, como ocurre en la bonita Shopgirl, la voz narradora está demás. En este caso, sin embargo, la voz narradora nos ayuda a ir conociendo mejor a Barbara. De igual forma, es una manera de darnos acceso a una información que es importante. La voz, después de todo, nos cuenta lo que el personaje escribe en esos diarios que tienen particular importancia dentro de la trama.

En fin, Notes on a Scandal es un drama sofisticado e inteligente que cuenta con grandes actuaciones. Igualmente, es complejo en sus temas, pero simple en su ejecución. Lo mejor es que, probablemente, no tenga problemas consiguiéndola en cualquier videoclub. =)

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Dos argentinos intentan robarse sellos de valor millonario

2008-03-31T21:45:00.004-05:00

Título: Nueve reinas (2000)
País: Argentina
Idioma: español
Género: Suspenso (engaños)
Ocasión: Cuando quieres resolver misterios
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Dos estafadores profesionales se unen para colaborar en un trabajo enorme, pero ambos sospechan que el otro lo está tratando de engañar.

Reseña

Me temo que el resumen que puedo dar de esta película es demasiado simplista. Lo hago a propósito porque éste es otro de esos filmes que es mejor verlos sin saber de qué se trata. Si te gusta este género en particular, el de las estafas, TIENES que ver Nueve reinas.

Nueve reinas es un largometraje inmensamente creativo, inteligente y sofisticado. El escritor y director, Fabián Bielinsky, creó una historia en la que cada momento es importante. Este es el tipo de película en la que cada escena provee una clave de lo que va a ocurrir en el desenlace, pero aún así es difícil descifrarlo. Sin embargo, para aquell@s de nosotr@s que nos gusta ver filmes con finales amarrados en vez de abiertos, Nueve reinas hace un buen trabajo de explicar al final qué fue lo que pasó.

Hollywood hizo un “remake” titulado Criminal con Diego Luna, John C. Reilly y Maggie Gyllenhaal que es bastante fiel (casi exacta) a la original. Aunque el “remake” tiene un buen elenco y, en esencia, es la misma película, aquell@s que hemos visto Nueve reinas notamos y sentimos la ausencia de Gastón Pauls y Ricardo Darín. Ambos actores tienen una capacidad de transformarse de un momento a otro que aumenta, en mi opinión, el suspenso de la película. Ricardo Darín, por ejemplo, parece un bobolón torpe un minuto y un criminal sagaz y malicioso al otro.

Realmente no hay mucho más que pueda decir de este filme sin arruinarlo. Es uno de los largometrajes más entretenidos que he visto en buen tiempo. Aunque el género del engaño me fascina, creo que es uno de mis preferidos, Nueve reinas lo lleva a otro nivel. En fin, sáquela, véala y diviértase tratando de adivinar lo que va a pasar.

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Estudiantes compiten en baile de salón

2008-03-29T11:52:00.006-05:00

Título: Mad Hot Ballroom (2005)
País: Estados Unidos
Idioma: inglés con pequeñas partes en español
Género: documental
Ocasión: Cuando buscas algo que te dé esperanza en el mundo
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

El documental sigue la trayectoria de tres grupos de niñ@s en la ciudad de Nueva York que compiten en un programa extracurricular de baile de salón.

Reseña

En muchas ocasiones, los documentales que vemos tienden a darnos más miedo que las películas más tétricas de horror. Documentales como The Future of Food que reseñé hace algún tiempo, nos muestran las cosas terribles que estamos haciendo los seres humanos. De vez en cuando, no obstante, necesitamos historias positivas que nos den algún rayito de esperanza en esta humanidad. Mad Hot Ballroom es ese tipo de película.

El filme traza el trayecto de tres grupos que compiten en el programa extracurricular “Dancing Classrooms” creado por el bailarín Pierre Dulaine. Habría que hacer un aparte aquí para mencionar que la historia de cómo Dulaine comenzó este programa es el tema de la película norteamericana Take the Lead en la que Antonio Banderas interpreta a Dulaine.

La belleza de Mad Hot Ballroom estriba en que está centrada en el esfuerzo de est@s niñ@s. Pasamos de verlos totalmente renuentes a verlos convertidos en competidores/as disciplinados/as y apasionados/as en el buen sentido de la palabra. Igualmente interesante es ver las diferencias que se dan en el proceso de preparación de los tres grupos. El documental sigue tres escuelas en las que las poblaciones son bien distintas: una es de estudiantes dominicanos en un barrio pobre de NY, la otra es de estudiantes adinerados y la última es una mezcla de asiáticos e italianos. Como podrá imaginarse, la gracia natural para el baile les viene más fácilmente a unos grupos que a otros.

Marilyn Agrelo, la directora del Mad Hot, tomó la decisión consciente de enfocarse más en l@s maestr@s que en los estudiantes. Aunque esto le trajo algunas críticas (de personas que querían ver más profundidad en el tratramiento de l@s estudiantes), me parece que fue la decisión correcta. Primero que nada, habría que dejar claro que ella no ignora a l@s niñ@s ni sus relaciones. Pero en términos puramente prácticos, son demasiad@s niñ@s y para lograr la profundidad deseada por est@s crític@s, la película se hubiera tenido que convertir en otra cosa. Por otra parte, la labor que hacen est@s educadores/as es, verdaderamente, digna de reconocimiento. Finalmente, enfocarse en l@s maestr@s le permite a Agrelo, hasta cierto punto, traer a colación la importancia de este programa extracurricular artístico y cómo éste contribuye a la formación integral de est@s niñ@s. Este punto es muy importante puesto que existen muchas personas miopes que no entienden el valor de las artes en los currículos escolares.

En fin, si eres como yo, Mad Hot Ballroom te enganchará y te convertirá en fanátic@ de est@s niñ@s. Para la competencia final yo estaba parado al frente del televisor como si estuviera viendo un juego de baloncesto olímpico de Puerto Rico y tuve la satisfacción de ver a mi grupo favorito llevándose el premio final (no diré quiénes para que sea sorpresa para ustedes también). Es una magnifica historia de competencia, de buena educación y de esperanza

Cortos

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Hombres apuestan la vida de otros

2008-03-25T19:12:00.007-05:00

Título: 13 Tzameti (2005)
País: Georgia
Idioma(s): francés (subtítulos en inglés)
Género: suspenso
Ocasión: Cuando quieres arrancarte los pelos por la tensión
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Sébastien decide seguir unas instrucciones que le correspondían a otra persona y entra a un mundo subterráneo en el que algunos hombres apuestan la vida de otros.

Reseña

Mientras menos sepan de esta película antes de verla, mejor. Gran parte de la magia de 13 Tzameti estriba en el suspenso y el elemento de la sorpresa. De hecho, pensando en esto, escogí los cortos menos reveladores que encontré en YouTube. Les recomiendo que después de ver esos no sigan mirando y vayan a sacar la película para que no se arruinen la experiencia.

Creo haber dicho varias veces en este blog que una de las cualidades que más me gusta del cine internacional es que tiende a ser muy simple. Muchos de estos filmes duran menos que sus contrapartes hollywoodenses porque fuera de alargarse con escenas innecesarias o giros de trama increíbles hacen lo que tienen que hacer: presentan la historia, la cuentan y la terminan. 13 Tzameti es una de estas películas.

La trama es bastante sencilla y lineal pero tiene todos los elementos necesarios para mantenernos (en mi caso, literalmente) en el borde de nuestras sillas. El primer acierto de esta película está en el sonido. Por lo general no tiendo a fijarme mucho en esto, pero en este largometraje, el sonido (y la falta de éste) juegan un papel muy importante. Como en las películas de Hitchcock (para un análisis profundo del sonido en Hitchcock vea la tesis de maestría de Alfredo Nieves en la Universidad del Sagrado Corazón en Puerto Rico), 13 Tzameti utiliza el silencio y la falta de una banda sonora en algunos momentos claves para incrementar el suspenso. La falta de música nos obliga a enfocarnos 100% en esas escenas tensas que permean en el largometraje.

Por otra parte, el blanco y negro le da una textura sucia, “gritty” como le dicen en inglés, que provee una sensación de inquietud desde el comienzo. En cuanto a lo visual, es importante señalar también la prominencia que se le da a una bombilla. La bombilla que está en el cuarto es la que marca el progreso del “juego”. Esta, por ende, se convierte en un personaje adicional al que velamos para que nos diga que va a suceder y cuando. Finalmente, la cinematografía de 13 Tzameti contribuye a nuestro estado emocional durante esta historia. Existe un contraste muy marcado entre algunas escenas de espacios abiertos y otras de espacios muy pequeños y claustrofóbicos.

Según he leído en el Internet, Palm Pictures de Estados Unidos compró los derechos de esta película y le van a hacer un "remake" hollywoodense. Aunque se dice que el director original estará involucrado en el "remake", se ha comentado que la nueva versión será en colores y que tendrá cambios estructurales y de trama. Les recomiendo, entonces, que vean la original lo más pronto posible.

Cortos

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Padre busca reconciliarse con su hijo enfermo de cáncer

2008-03-23T21:40:00.006-05:00

Título: Qian li zou dan qi (Riding Alone for Thousands of Miles) - 2005
País: China
Idioma(s): mandarín y japonés
(subtítulos en español, inglés, portugués y francés)
Género: drama
Ocasión: Cuando quieres llorar
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un pescador japonés se entera de que su hijo (con quien no se lleva), se está muriendo de cáncer. Cuando éste intenta ir a verlo al hospital, su otra hija le comunica que el enfermo no lo quiere ver. Es ahí, entonces, que el pescador decide viajar a un lugar recóndito de la China para grabar una opereta folklórica que su hijo siempre quiso, pero nunca pudo, ver.

Reseña

Habría que comenzar esta reseña dejando claro que el director de esta película es, nada más y nada menos, que el gran director chino, Zhang Yimou. Yimou es mejor conocido en estas partes del mundo por sus obras épicas de artes marciales The House of the Flying Daggers, The Curse of the Golden Flower y, una de mis películas favoritas, Hero. Y es, precisamente, la sensibilidad que trae Yimou a todas sus obras la que hace de Riding una gran película.

No obstante, hay que dejar claro que Riding Alone for Thousands of Miles no se parece, en nada, a estas otras que mencioné. Este filme no tiene efectos especiales, ni personas volando, ni peleas fantásticas de karate. Lo que sí conserva de Yimou es ese estilo solemne y hermoso que tienen las demás. Igualmente, Riding es un largometraje estéticamente precioso. Se presentan esos paisajes verdes, blancos y albicelestes que tanto abundan en China. Además, se muestra también el mundo de las operetas folklóricas chinas que, al menos para mí, es bastante desconocido.

La trama de este largometraje está anclada en la actuación, principalmente, de Ken Takakura. Según he leído de otros cronistas del cine, la elección de Takakura para este papel fue enteramente premeditada. Yimou, se supone, escribió este papel pensando en el actor. Esto es un dato interesante, puesto que Takakura es famoso en su Japón natal por hacer películas de “tough guys” (incluyendo papeles de Yakuzas). De hecho, le apodan el “Clint Eastwood japonés” por su semblante y su forma de ser. Y es precisamente ese semblante estoico el que hace que este papel sea particularmente efectivo. El personaje de Takakura es un hombre muy complejo que se niega a expresar sus sentimientos por sus visiones tradicionales de la vida. En este viaje comienza a dejarse sentir (gracias en parte a un niño que se encuentra a mitad de su travesía) el dolor de haber perdido a su hijo en vida y el dolor de saber que lo va a perder a la muerte también.

El paso de la película es lento, pero nunca aburrido. Los obstáculos que encuentra el personaje de Takakura en su búsqueda de la opereta nos mantienen atentos; su batalla interna y su intensidad de carácter nos mantienen en espera. Demás está decir que este filme es capaz de levantar sentimientos y sensaciones muy profundas.

En fin, cuando tenga ganas de sentarse a llorar un buen rato o simplemente entregarse a las batallas emocionales de un personaje, saque y vea Riding Alone for Thousands of Miles. Es una historia de amor paternal verdaderamente hermosa.

Cortos

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Presos se escapan con instrumentos musicales y dan parrandas

2008-03-21T22:40:00.007-05:00

Título: Perico Ripiao (2003)
País: República Dominicana
Idioma: español
Género: comedia
Ocasión: Cuando buscas reírte a calzón quitao’
Dónde se consigue: Netflix, Blockbuster, YouTube (vea abajo)

Resumen

Tres prisioneros (que son músicos) se escapan de la cárcel con sus instrumentos musicales. En el trayecto de vuelta a sus respectivos hogares se encuentran con múltiples personajes interesantes y, en varios casos, utilizan sus habilidades musicales para poder continuar su camino.

Reseña

La República Dominicana no es una de las potencias mundiales en las artes cinematográficas. Según he leído de comentaristas y bloguer@s dominican@s, parecería que el cine de la R.D. sufre de los mismos problemas que el cine puertorriqueño. Sin embargo, Perico Ripiao es un buen producto de entretenimiento.

Lo que más me gusta de esta película es lo sencilla que es. Se nota que la producción no puede haber sido muy cara y, la verdad, no necesitaba serla. Realmente, Perico Ripiao logra lo que se propone: hacernos reir.

Algun@s herman@s dominican@s se quejan de que Perico Ripiao no tiene potencial internacional porque es un filme demasiado dominicano. Aunque es cierto que tiene mucho intertexto dominicano, logré entender la gran mayoría de los chistes, de los comentarios y hasta del lenguaje. Claro, siempre existe una barrera cultural, pero me parece que aquell@s que están familiarizados con la chispa caribeña disfrutarán el diálogo y las ocurrencias cómicas de estos personajes.

Perico Ripiao pertenece a dos géneros simultáneamente: la película de viaje (road movie) y la película de compañeros (buddy movie). En el fondo, además, tiene el arquetipo de la Odisea de Homero (el regreso a casa con mil complicaciones y personajes en el medio). De aquí, entonces, deriva sus fortalezas; ya que la trama es simple, los escritores pueden dedicarse a explotar la riqueza humorística que existe en la cultura dominicana. Aquí en Puerto Rico tendríamos una industria cinematográfica mas robusta si nos dedicáramos a esto mismo: explotar nuestras fortalezas en vez de imitar modelos que no se adaptan a nuestra realidad.

En fin, Perico Ripiao es una buena muestra de lo que otros países con pocos recursos podrían comenzar a hacer. No es una película ambiciosa, pero eso no hace que se convierta en mediocre (que es lo que, en muchas ocasiones, nos pasa aquí). Sabe encontrar el balance entre lo que es y lo que no es necesario y juega con las fortalezas de los recursos que tiene. Para unas buenas carcajadas, vea este largometraje.

Introducción*

* El filme está completo en YouTube. Esta es la primera parte de 10. Cuando termine de ver esta, busque los "related videos" para las partes siguientes.

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París amuralla sus ghettos y ni la policía puede entrar

2008-03-17T22:20:00.005-05:00

Título: Banlieue 13 (District B-13 en inglés) - 2004
País: Francia
Idioma: francés (subtítulos en español e inglés)
Género: acción
Ocasión: Entretenimiento a puño limpio
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

En el año 2010, el gobierno francés esconde sus ghettos detrás de murallas y se olvida de l@s ciudadan@s que los habitan. Cuando unos terroristas amenazan con explotar la ciudad entera poniendo una bomba en el Distrito B-13 (el peor de todos los ghettos parisinos) Damien, un policía encubierto, tiene que buscar la manera de entrar y desactivarla. Para esto, sin embargo, necesita un guía. Con ese fin, entonces, la policía de Paris suelta a Leito, un criminal nativo del B-13, y lo “obligan” a que ayude a Damien.

Reseña

District B-13 es un paquete de 85 minutos de pura acción. Una de las cosas que hace que esta película sea tan entretenida y tan intensa es que los actores principales Cyril Raffaelli (Damien) y David Belle (Leito) son “stuntmen” en la vida real. Raffaelli, por ejemplo, fue el encargado de las coreografías de Jason Statham en ambas versiones de The Transporter y Belle es uno de los fundadores de un deporte llamado “parkour” en el que los atletas tratan la arquitectura de una ciudad como una carrera de obstáculos. Estos dos estilos se combinan dentro de District B-13 para unas escenas excelentes de persecuciones y de peleas. De hecho, el “Making Of” es casi tan bueno como el filme mismo por que explica cómo se crearon algunas de las mejores escenas.

El largometraje no es una joya de la cinematografía contemporánea, pero es que no busca serlo. Es, simplemente, una trama entretenida, rápida y llena de acción. ¿Cuántas veces no hemos ido al cine buscando algo similar? Tengo que decir que yo, por lo menos, salgo muy decepcionado con algunas de las películas de acción que se están produciendo en Hollywood. Aparte de que las tramas son las mismas siempre, las escenas de acción dejan mucho que desear. Una tendencia que tiene el cine contemporáneo de Hollywood es utilizar el movimiento de cámara para esconder las debilidades de las actuaciones y/o efectos. Por ejemplo, en Transformers (una de las basuras más caras producidas en los últimos años) apenas se distinguen los robots en las escenas de combate. Igualmente ocurre en el segundo capítulo de la trilogía de Jason Bourne. Esto, sin embargo, no pasa en District B-13. Aquí podemos apreciar los movimientos, las maromas y las coreografías de buena calidad de las peleas.

Raffaelli y Belle logran en este filme lo mismo que Tony Jaa en Ong-Bak: The Thai Warrior: añadirle credibilidad a las peleas y a las escenas de artes físicas. Esa es la diferencia de tener este tipo de persona en cámara versus actores que no tienen ningún entrenamiento en artes marciales o en gimnasia. Aunque no creo que ninguno de estos muchachos se ganará un Oscar de mejor actor (total, muchos de los actores tradicionales de películas de acción tampoco tienen mucho “range” histriónico que digamos), actúan suficientemente bien dentro de este género y vienen con el beneficio añadido de sus especialidades.

Otro acierto de este largometraje es que lo lograron hacer todo en 85 minutos. No hay necesidad de alargar la trama y convertirla en un fárrago interminable. Son 85 minutos de pura velocidad y uno termina satisfech@.

En fin, District B-13 es una película rápida, entretenida y muy bien coreografiada. Véala cuando está en ánimos de ver puños, bofetadas, brincos, tiros y explosiones pero de una forma más entretenida que a lo que está acostumbrado.

Cortos

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Carniceros llegan a los extremos para aumentar negocio...

2008-03-13T10:45:00.009-05:00

Título: De grønne slagtere (The Green Butchers en ingles) - 2003
País: Dinamarca
Idioma: danés (subtítulos en inglés)
Género: Humor/Drama
Ocasión: Cuando buscas humor extraño (“offbeat”)
Dónde se consigue*: Blockbuster (en algunos), Amazon Marketplace, Netflix

Resumen

Dos carniceros en un pueblo pequeño de Dinamarca, cansados del trato que les da su jefe, deciden abrir su propia carnicería. El negocio les va bastante mal hasta que un accidente les provee un tipo nuevo de carne poco común en el pueblo…

Reseña

Me imagino que las personas que lean este blog con regularidad habrán empezado a construir en sus cabezas una imagen de mi sentido del humor. Ninguna de las comedias que he reseñado han sido comedias “normales” y todas tienen que ver con asuntos muy macabros. Esto es lo que sucede cuando uno tiene más opciones a la hora de entretenerse. No me tengo que circunscribir a las comedias enlatadas del mainstream y puedo encontrar filmes que construyen el humor de un punto de vista muy diferente al que estamos acostumbrad@s.

Un elemento que hace que The Green Butchers sea tan efectiva, es el contraste entre sus dos personajes principales. Aunque ambos podrían caracterizarse como amargados e infelices, la forma en la que ambos deciden vivir su vida es lo que más los diferencia. Mientras Svend decide sentir todo lo más intenso posible, Bjarne utiliza la marihuana como forma de escaparse de sus demonios. En algunos casos uno se pregunta cómo estos dos seres se llevan tan bien (a nivel de que Bjarne es, probablemente, el único amigo de Svend - nadie lo soporta por lo inflexible e intenso que es), pero en el fondo tiene mucho sentido. Sus pasados trágicos hacen que ambos entiendan sus respectivas situaciones y respeten sus espacios.

La película, además, tiene un elemento dramático que toma forma en un hermano gemelo que tiene Bjarne que lleva en coma 10 años. La relación que Bjarne tiene con este hermano es compleja y provee un espacio para entender mejor las circunstancias de este personaje.

Como en muchas de estas películas que he reseñado, The Green Butchers cuenta con un diálogo muy interesante e inteligente. El humor, además de provenir de la situación en la que se encuentran, surge de la ironía, el sarcasmo y la falta de sutilidad con la que se comunican dentro del filme.

Ya que la trama es muy sencilla, no puedo entrar en muchos más detalles sin arruinarle la experiencia. Basta con decir que es un largometraje (extraño y maravilloso) de triunfo y de amistad. Explica con cruda franqueza el sueño de movilidad social y el deseo de sociabilidad que albergan muchas personas en este mundo y a los extremos a los que pueden llegar para conseguirlos.

Cortos

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Recomiéndanos películas!

2008-03-12T10:22:00.001-05:00

Hasta ahora este blog ha sido bastante unilateral. Hemos ido poniendo películas que consideramos buenas opciones para la monotonería del mainstream hollywoodense. Sin embargo, nos gustaría recibir recomendaciones de ustedes, aquell@s que están leyendo este blog. Cuéntennos, ¿qué otras películas internacionales o independientes deberíamos ver? La recomendación es la mejor manera de lograr que estos filmes se difundan, ya que, muchas veces, no nos llegan a los cines o a los videoclubs.

Desde ahora, ¡muchas gracias por sus comentarios!

Saludos,

El equipo de La Filmoteca

Multinacional española utiliza método cruel para llenar un puesto ejecutivo

2008-03-11T21:14:00.006-05:00

Título: El método (2005)
País: España
Idioma: español
Género: suspenso
Ocasión: Cuando tienes ganas de estar a la expectativa
Dónde se consigue*: Blockbuster “Festival de Cine”, Amazon Marketplace, Netflix

Resumen

Siete candidat@s compiten por un puesto en una compañía. Para decidir quién se llevará el trabajo, la compañía ha decidido utilizar el método Grönholm que obliga a l@s candidat@s a eliminarse entre si.

Reseña

El método es una película que examina las prácticas sanguinarias de una corporación multinacional. Dentro del mundo de El método, la compañía es tan cruel que en vez de pasar el trabajo de entrevistar a l@s candidat@s y dejarles saber directamente que no han sido seleccionados, delega esa responsabilidad en l@s mism@s solicitantes. Se ve en este filme la ideología neoliberal corporativista llevada a sus extremos más ridículos en los que sólo el individuo tiene el control de su propio destino.

Este filme nos mantiene en suspenso desde el momento en que se sientan l@s siete candidat@s en la sala de “entrevistas” hasta que se nos revela, finalmente, quién se queda con el puesto. Es una película rápida, con buenos diálogos y buenas actuaciones que mantienen nuestra atención. Esto es un logro considerable dado el caso de que casi toda la historia se desarrolla dentro de una misma sala.

Lo más interesante de El método es la cantidad de relaciones conflictivas que tira al medio. Dentro de la trama vemos conflictos por género, por edad, por posiciones políticas, por ideologías, por puestos de autoridad, etc. Justo cuando pensamos que hay un momento de calma, se desata otro conflicto que amenaza con una nueva eliminación de un personaje.

Las políticas del género, en particular, se presentan de modo muy abierto en esta película. Para efectos de la historia, sólo dos de l@s candidat@s son mujeres. Para complicarlo más todavía, una de ellas es “middle aged”. Es interesante porque dentro de esta fantasía neoliberal, vemos destellos de las estructuras que mantienen a estas mujeres oprimidas.

En fin, El método es una buena película para cuando se busca un poco de estímulo intelectual. Igualmente, es un filme que te mantendrá a la expectativa para averiguar quién, al fin y al cabo, sobrevive ese método tan despiadado de la junta corporativa anónima.

P.S. El método es del mismo escritor de Mar adentro.

Cortos

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Boxeador blanco da paliza a joven negro y le causa daño cerebral

2008-03-09T20:44:00.007-05:00

Título: Poor Boy’s Game (2007)
País: Canadá
Idioma: inglés (subtítulos en español)
Género: Drama
Ocasión: Cuando tengas ganas de ver un drama tradicional, pero con algunas variaciones
Dónde se consigue*: Sale en DVD esta semana: Amazon Marketplace, Netflix

Resumen

Donnie Rose, un boxeador amateur blanco de Halifax, Nova Scotia, sale de prisión luego de estar encerrado 9 años por asalto agravado a un muchacho negro. Charlie, la víctima de Rose, sufrió daños cerebrales luego de la paliza y la comunidad negra local siente que la pena de Donnie no fue suficientemente severa. Ossie Paris, amigo personal de Charlie y boxeador peligrosísimo, invita a Donnie a una pelea de boxeo, con el plan de matarlo en el cuadrilátero. La cosa se complica cuando George, el papá de Charlie, se opone al plan.

Reseña

Esta crítica será un poco diferente a las anteriores. Acabo de ver Poor Boy’s Game hoy mismo y puedo entrar en más detalles que en algunas de las anteriores que las he visto hace más tiempo.

Lo malo

Poor Boy’s Game, en general, es una buena película. Sin embargo, tiene varios desaciertos que limitan su potencial un tanto. Las actuaciones, por ejemplo, no son particularmente fuertes. El actor que hace de Donnie Rose, Rossif Sutherland (hermano menor de Kiefer Sutherland e hijo de Donald Sutherland), le falta todavía madurez histriónica. En algunas escenas su actuación se siente forzada, poco convincente. Danny Glover, por otro lado, aunque es un gran actor, hace un papel promedio. Esto, quizá, se debe a la complejidad emocional de su personaje. No obstante, tiendo a pensar que pudo haberlo hecho de forma más natural. Varios de los actores secundarios, igualmente, se sintieron forzados. Además, las escenas de boxeo no son muy buenas.

La trama tiene algunos elementos muy típicos. En ciertas ocasiones, el filme se siente igual que un drama cualquiera estadounidense. Algunas escenas son muy predecibles y hasta arquetípicas.

Por otra parte, el tratamiento que le da la película al tema del género (hombre/mujer) es muy secundario al tratamiento de la raza. Y, aunque en este caso, el componente racial es, efectivamente, más importante que el de género, al echarlo a un plano secundario (casi terciario) la película cae en estereotipos masculino/femenino. Se representa a la mujer como un ser emocional (la esposa de George) y como la seductora (Emma, la cuñada de Donnie). El hombre, por otro lado, se representa como el ser racional, paciente (George y, eventualmente, Donnie) y el seducido (Donnie). Claro, con las obvias excepciones, como los amigos y el hermano de Donnie y los compinches de Ossie (Flex Alexander).

Lo bueno

Aparte de sus fallas, Poor Boy’s Game tiene muchos aciertos también. Primero que nada, el tema de la película es importante de por si. Canadá es el país más multicultural en el mundo, per capita. Gracias a esto, Canadá ha formado una imagen a nivel internacional de ser uno de los países más tolerantes del mundo. El tema de esta película nos recuerda que no existe una panacea mundial del multiculturalismo; el racismo, el discrimen y el odio se consiguen en cualquier sitio.

Por otra parte, el tratamiento de la raza mantiene una sensibilidad que es difícil encontrar en muchas películas estadounidenses. La relación entre estos personajes es compleja y ninguno de los lados se presenta de una forma caricaturizada. Esto no quiere decir que no entran estereotipos en la película (esto sería imposible, puesto que todo mensaje mediático es una representación de sus creadores/as), sin embargo, es de una forma mucho menos burda que en la mayoría de las películas de Hollywood.

La trama de Poor Boy’s Game, aunque tiene partes muy predecibles, es bastante novedosa. Me gustó mucho la idea de trabajar el tema de la venganza como un concepto canalizado hacia la legalidad. En vez de, simplemente, matar a Donnie en una pelea callejera, a la traición, con una pistola o cualquier otra arma, Ozzie decide poner en marcha su plan de una ejecución pública, avalada por los organismos oficiales del deporte.

Tengo que decir, no obstante, que lo que más distingue este largometraje de uno cualquiera de Hollywood es el final. No quiero dañarle el final a aquell@s de ustedes que decidan buscar esta película, pero sólo vale decir que no hay forma de imaginarse lo que ocurre. Lo brillante de todo es que no es un super giro como si fuera una película de suspenso… es algo que, en retrospectiva, se siente perfectamente lógico. De igual manera, el énfasis final de la historia no recae en la pelea ni en su resultado. Ya de por sí esto se diferencia del mainstream.

En fin, recomiendo esta película, aunque le dejo muy claras sus fallas desde un principio. Me parece que es una película importante por los temas que trata y en el contexto en que los trata. Creo que tiene muchos elementos novedosos que mantienen a uno entretenido y lo ponen a pensar.

Cortos

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Jóvenes mexicanos secuestran mafioso por error

2008-03-07T21:05:00.006-05:00

Título: Matando Cabos (2004)
País: México
Lenguaje: Español
Género: Comedia “Negra”
Ocasión: Cuando sólo busca entretenerse entre adultos
¿Dónde se consigue?* – Blockbuster “Festival de cine internacional”, Amazon Marketplace, Netflix

Resumen

Una comedia de enredos que comienza cuando Jaque y su amigo Mudo secuestran, sin querer, a un mafioso que está inconsciente. La película sigue la trayectoria de estos dos amigos mientras éstos tratan de devolver a Oscar Cabos (el mafioso) sin que nadie se dé cuenta y todos los obstáculos que esto supone.

Reseña

Matando cabos es un filme muy gracioso que basa su comedia en los enredos. El estilo narrativo de la película está muy logrado pues todos los enredos están bien planificados y no quedan “cabos” sueltos. El uso de los “flashbacks” va revelando, lentamente, las piezas del acertijo. En algunas ocasiones, también, el “flashback” le añade elementos cómicos, como la historia del ex – luchador profesional “Mascarita”.

Richard Nielsen, crítico de cine del Arizona Republic, describe Matando cabos como parte del género “pulp” al que pertenecen las películas de Quentin Tarantino, Robert Rodríguez o Frank Miller. Con esto lo que quiere decir es que se hace comedia de una película que, en el fondo, es una historia violenta de asesinos. Este es, quizás, uno de los mayores aciertos de la película. Aunque es muy violenta (hay escenas de pelas, tiros y hasta dedos cortados), el filme nunca adquiere un tono sombrío o solemne, sino todo lo contrario.

El lenguaje de Matando cabos, por otro lado, es uno de los elementos que logra que la violencia pase a un plano secundario. Las conversaciones son rápidas, chisposas y llenas de malas palabras en los momentos más inesperados. De hecho, si le molesta el lenguaje soez en el cine, esta no es la película para usted porque creo que ni Superbad logra el promedio de “groserías” (como dicen mis amig@s mexican@s) que alcanza Matando cabos.

Aparte de la comedia, el filme en sí es muy entretenido. Los enredos mantienen a uno en suspenso y tratando de adivinar cómo, finalmente, se van a resolver. Por demás, para aquell@s de ustedes que están acostumbrados a las persecuciones de carros en sus películas de acción, Matando cabos tiene dos muy buenas: una es con una guagua de la transportación pública y otra es en el parking multipisos de un estadio de fútbol.

En fin, Matando cabos es una película muy entretenida que no tiene pretensiones de ser nada más que eso. Es buena para reírse un rato en la compañía de buenas amistades un viernes cualquiera (como hoy).

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Hospitales en Rumanía se pasan paciente como papa caliente

2008-03-06T21:24:00.007-05:00

Título: Moartea domnului Lazarescu (The Death of Mr. Lazarescu en inglés) - 2005
País: Rumanía
Idioma: rumano (subtítulos en inglés)
Género: Drama con elementos cómicos
Ocasión: Cuando te levantes con un sentido del humor morboso y cruel
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un anciano que vive solo se siente mal y llama al servicio de emergencias. Cuando llega la doctora, ésta entiende que lo mejor que se puede hacer es llevarlo al hospital. El único problema es que ningún hospital puede/quiere atenderlo y se lo pasan como papa caliente.

Reseña

The Death of Mr. Lazarescu es una película muy triste y muy cruda. Aunque los anuncios y la propaganda que se le hizo al filme la describen como una “comedia”, la realidad es que, en todo caso, se puede clasificar como una “tragicomedia”. Efectivamente, lo absurdo de la situación es risible, pero la risa no dura mucho al darnos cuenta de que esto le pasa a millones de seres humanos en nuestro planeta.

El tiempo que dura la película se convierte en otro personaje. Las 2 horas y 30 minutos que dura se sienten interminables y no porque la película sea aburrida o agobiante, sino por la empatía que uno desarrolla con el personaje. A lo largo de esas dos horas y media uno se coge a sí mism@ buscando posibles soluciones para la situación que parece imperdonablemente simple, pero que en el mundo fuera de la pantalla es una realidad compleja por la que muchas personas pasan, incluyendo ciudadanos de países supuestamente desarrollados (véase Sicko de Michael Moore).

El largometraje hace un buen trabajo de explorar la situación del sistema médico de Rumanía. A lo largo de éste, vemos que hay personas que quieren ayudar pero tienen las manos atadas por la burocracia y la falta de fondos. Igualmente, se puede ver cómo el sistema convierte a algunas personas en autómatas que van a sus trabajos por el simple hecho de cobrar un sueldo y se olvidan del propósito de sus profesiones.

Por otro lado, también se explora, hasta cierto punto, el olvido de las personas mayores. Mr. Lazarescu, un hombre de 63 años, vive solo con sus gatos y no parece importarle a nadie. Los únicos que se ocupan de él son sus vecinos inmediatos que, en el fondo, lo ayudan más porque son personas decentes que porque le tengan verdadera estima o cariño al hombre.

En fin, The Death of Mr. Lazarescu es una película dramática, lenta y poderosa. No es, para nada, lo que llamaríamos un “light viewing”, sino todo lo contrario. Para verla debe prepararse mentalmente para dos horas y media de emociones intensas que incluyen risas incrédulas y de asombro. Sin embargo, cuando esté en el estado mental correcto, no se la pierda. Es una excelente película que ha ganado más de 22 premios internacionales, incluyendo el “Prix Un Certain Regard” del Festival de Cannes.

P.S. Tartan Video tiene películas buenísimas.

Cortos

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Los refritos de Hollywood

2008-03-05T12:09:00.006-05:00

Como decíamos en el primer artículo de este blog, Hollywood ha entrado en una fase de agonía porque poco a poco se les van acabando los temas a los guionistas. Hemos sido testigos de que para subsistir, han tenido que recurrir a prácticas tales como plagiar esquemas, tramas, pedazos de tramas, arquetipos. Es curioso, pero esto no es una práctica demasiado nueva en el ámbito cinematográfico de Hollywood. Lo que podría parecer ahora como una contradicción a lo que afirmamos. Lo que realmente sucede es que los estadounidenses siempre han recurrido a la fórmula, en lo que sea, para lograr triunfar. Así, han creado fórmulas para cuanta cosa se les ha ocurrido, desde el automejoramiento hasta la escritura creativa. Sólo hay que mirar en los estantes de las librerías para darnos cuenta de que en ellos vemos cientos de libros que ofrecen fórmulas para el éxito.

Supongo que Hollywood no es la excepción. Sus guionistas han encontrado la forma de nunca dejar de tener “inspiración.” Y es quizás eso lo que ha hecho que su creatividad haya bajado. Porque entonces las tramas se convierten en clichés que uno puede adivinar a medida que va mirando las películas. Es muy fácil detectar algunos de ellos. En una película de acción estadounidense, o en un thriller (suspenso), el 99 % de las veces la trama te guía a un encuentro del protagonista y el antagonista en un laberinto. Este puede tomar la forma de un basurero, una escuela, un edificio abandonado, un baño público, etc. También en estos últimos años se ha producido el cliché de que los antagonistas no mueren la primera vez, y cuando estás más tranquilo, se aparece nuevamente, aunque le hayan pegado siete tiros o le hayan cortado la cabeza. Muchos de estos “monstruos” son creaciones post-primera película, como el caso de Jason Vorhees, de Viernes trece, quien aparece en todas las películas de esa serie, cuando en primera instancia nunca existió porque estaba ya muerto en la primera producción. Quien asesinaba en aquel filme era su madre.

Con esto en mente, es fácil detectar qué han hecho los guionistas y los productores para seguir sacando películas sin detenerse y acaparar todos los mercados del mundo. Desde hace mucho, Hollywood plagia tramas, usa patrones y arquetipos, hacen las mismas películas con diferentes títulos, y rehacen películas tanto domésticas como internacionales.

El primer caso se da con las películas del realizador japonés Akira Kurosawa. Tres de sus filmes son los que más se han plagiado en Estados Unidos. El primero, y el que ha tenido más éxito es Siete samurais (1954). Los norteamericanos la filmaron como un “western”, ya que siempre se ha dicho que Kurosawa es el más occidental de los orientales. El título de esta producción es Los siete magníficos (1960, John Sturges). Cuenta con un impresionante reparto: Yul Brynner, James Coburn, Charles Bronson, Steve McQueen, Eli Wallach, Robert Vaughn. El de Kurosawa tiene como estrellas a Toshiro Mifune, uno de los mejores actores de Japón y a Takashi Shimura. Resulta necesario decir que el filme japonés se coloca en un estadio superior por la reflexión seria que se hace sobre el samurai y el arte de la guerra.

La segunda película más copiada de Kurosawa es Yojimbo (1961), sobre Watanabe Sanjuro, un samurai que resulta ser un “trickster,” es decir, una especie de pícaro que se vende al mejor postor para destruir unas bandas de maleantes en un pueblito japonés en el siglo XIX. Hollywood la realizó con el título de Last Man Standing (1996), con Bruce Willis y Christopher Walken, y la localizó en un pueblito de la frontera entre México y Texas, con mafiosos de los años 30 ó 20. Más tarde, algún guionista (Tom O’Rourke), utilizó parte de la trama de Yojimbo para componer Inferno (1999, John Avildsen), más tarde rebautizada como Desert Heat, protagonizada por Jean Claude Van Damme. Ninguna de las dos versiones norteamericanas se compara a la original. Yojimbo, al igual que Seven Samurai son obras de arte de la cinematografía en términos de composición, fotografía, trama. Las hollywoodenses se destacan mucho más por la violencia. Y aunque la original es una película violenta, no es macabra ni exageradamente sangrienta como sus contrapartes occidentales.

Otra película de Kurosawa que también ha sido llevada al cine por los norteamericanos es Rashomon (1950). Esta es la historia de múltiples versiones de un asesinato y una violación de acuerdo a como la vieron sus participantes y alguien que fue testigo escondido detrás de un arbusto. De hecho, la historia original, de Ryunosuke Akutagawa, se titula así mismo, “Detrás del arbusto.” En Estados Unidos se filmó como The Outrage (1964, Martin Ritt), con Paul Newman y William Shatner, entre otros. La de Kurosawa fue protagonizada por Toshiro Mifune como el bandido y Takashi Shimura como el leñador testigo del crimen. Brian de Palma filmó asimismo un plagio de esta película, titulado Snake Eyes (1998), aunque este director se cuidó mucho de sólo utilizar el tema del perspectivismo.

Otra categoría que han utilizado los guionistas estadounidenses para engordar sus tramas es la de emplear arquetipos y patrones de otras película. Y aunque se da en muchas, sólo recurriré a dos. La primera la constituye El rey León (1994, Roger Allers, Rob Minkoff). Esta película tan popular, ganadora de dos Oscares y múltiples premios más no es más que un refrito animado con animales, de Hamlet, de Shakespeare. Es la historia de la venganza de un hijo heredero al trono, a quien destierra su tío, asesino de su padre. Los guionistas no se cuidan de usar hasta al padre león ya muerto (como la sombra que aparece en la obra), quien le dice al leoncito la identidad del asesino.

Más tarde, en 1996, Rob Cohen dirige Daylight, con Sylvester Stallone. En esta película, que nada tiene que ver con un barco hundido, el guionista emplea el patrón de The Poseidon Adventure (1972, Ronald Neame), para la parte en que el personaje de Stallone rescata a personas que han quedado atrapadas después de una explosión de un camión con desperdicios tóxicos.

Otra estrategia de los productores y guionistas se da cuando se hace la misma película, pero aparentemente diferente. Este es el caso de Rocky (1976) y Rocky Balboa (2006). Si uno se fija bien en la trama, es exactamente lo mismo que pasó en la primera, pero disfrazado. En Rocky, un boxeador callejero tiene la suerte de que lo escojan como contendiente para una pelea de campeonato mundial con Apollo Creed, el súper campeón. Stallone es un maestro a la hora de robar pedazos de tramas, personajes y hasta peleas. Apollo Creed es una versión bastante estereotipada de Muhammed Ali, y Rocky otra de Rocky Marciano, el pelador italo-americano (como Rocky) que se distinguió por noquear a 50 contendientes en línea. La pelea entre Creed y Balboa es un refrito de peleas de Esteban de Jesús, el peleador puertorriqueño de los 70, con Mano de Piedra Durán, de quien Stallone es muy amigo. El puño que Rocky le propina a Apollo Creed y que lo tumba es el mismo puño que le dio de Jesús a Durán en la primera pelea que éstos escenificaron. En la segunda película, treinta años después, Balboa, un campeón retirado, que se dedica a contar historias de boxeo en su propio restarurante, recibe la magnífica oferta de una pelea contra el campeón actual, un hombre treinta años menor que él. Claro, que ahora es una exhibición, porque a nadie se le ocurriría hacer esto como una pelea de campeonato. De alguna manera es lo mismo que pasó en Rocky 5, cuando Rocky se enfrenta al campeón más joven en una pelea callejera, y por supuesto, le gana.

Hacer exactamente la misma película se dio también con el caso de King Kong. De esta película se han hecho tres versiones. Una en 1933, blanco y negro y después coloreada; 1976 y 2005. Sólo la segunda cambia el ambiente, pues se hace en un Nueva York de esa época. Las otras dos se mueven en los 30.

De películas internacionales, se han hecho varias también. Tenemos Les Diaboliques (1955, Francia), con Simon Signorette. Se hizo como Diabolique en 1996, con Sharon Stone, Isabelle Adjani y Chaz Palmintieri. Es la historia de la esposa y la amante de un director de una escuela de internos que lo matan y luego el cadáver desaparece. Otra película francesa rehecha en EEUU es Cousin, cousine (1975). Se le tituló Cousins (1989), con Ted Danson e Isabella Rossellini: dos primos lejanos se conocen en una boda, y aunque ambos están casados, desarrollan una amistad que a sus respectivas parejas les parece que es otra cosa.

John Carpenter cometió el delito de hacer estos refritos también, aunque con mejor suerte. Carpenter resucitó la película The Thing from Outer Space (1951) y la convirtió en The Thing (1982), con Kurt Russell. Y le sucedió que le hicieron a él un refrito también. En el 2005, Jean Francois Richet dirigió Asalto al precinto 13, una película que se basa en el filme del mismo título de Carpenter. Hay que decir que la de Carpenter es muy superior en suspenso y cinematografía.

Finalmente, hay que decir que algunas series que se basan en arquetipos han resultado maravillosas. Son los casos de Scream (de Wes Craven, 1996), Aliens (que podría decirse que utiliza el arquetipo de The Thing), y Star Wars (de George Lucas), que se basan en las antiguas novelas de caballería.

Creo que hay que decir que si Hollywood sigue en esta práctica, lo mejor será mirar para otros países. Los Latinoamericanos han desarrollado un cine de gran calidad, así como los europeos y los asiáticos. Las películas chinas, japonesas y coreanas descuellan por su originalidad en los temas y en su tratamiento. Poco a poco iremos reseñando este tipo de filmes, algunos de los cuales ya están en este blog, para salir un poco de la monotonía de descubrir que ya sabemos lo que pasa, no porque seamos demasiado inteligentes, sino porque ya lo hemos visto 350, 000 y pico de veces.

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Multinacionales manipulan comida genéticamente

2008-03-04T21:55:00.007-05:00

Título: The Future of Food (2004)
País: Estados Unidos
Idioma: inglés (sin subtítulos)
Género: documental
Ocasión: Cuando quieres aprender e informarte
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

The Future of Food es un documental investigativo que mira los productos comestibles manipulados genéticamente, cómo se filtran éstos en los supermercados y cuáles son las posibles consecuencias. Igualmente, examina el rol de las multinacionales en este proceso.

Reseña

El género del documental es, probablemente, uno de mis favoritos. Aunque, por lo general, tiene unas convenciones que lo clasifican como tal, el género es muy flexible. Dentro de él se pueden tratar mil y un temas distintos. En este caso, se examina lo que comemos.

The Future of Food se nutre de datos del gobierno estadounidense, de académicos/as del campo de la comida, de anécdotas de granjeros y de muchas otras fuentes de información para pintarnos un paisaje, francamente, horroroso. El documental nos lleva por dos caminos paralelos que critican tanto el producto (comida manipulada genéticamente) y a los productores (las multinacionales). Es, efectivamente, un texto altamente político en el sentido amplio de la palabra.

Una de las cosas buenas que tienen, generalmente, los documentales estadounidenses es que nos muestran una cara de la historia que Hollywood y los medios mainstream no nos muestran. The Future of Food continúa esta tendencia buscando información dentro y fuera de los Estados Unidos. El filme sigue la historia de granjeros en Saskatchewan, Canadá y en Oaxaca, México además de en los mismos Estados Unidos.

Como todo buen documental, The Future of Food nos provee fuentes que constatan el argumento que presentan. De hecho, en el site oficial han puesto, además, recursos bibliográficos que podemos consultar para aprender más del tema. Igualmente, Deborah Koons García (escritora y directora) contextualiza, históricamente, el proceso que ha llevado a Estados Unidos (y a sus posesiones) a consumir productos anti-naturales y peligrosos. Esto hace que uno entienda porqué se está dando este proceso y cuál sería, efectivamente, el futuro de la comida si no se hace nada al respecto.

Este documental es muy importante. Además de estar bien hecho, de ser accesible y de ser entretenido (el hecho de que sea informativo no elimina su valor como objeto de entretenimiento), The Future of Food nos presenta una información que es invaluable para todos/as aquellos/as que consumimos productos comestibles hechos y crecidos en los Estados Unidos.

Cortos

Pulse aquí.

Video

Esto es la introducción del documental. Desafortunadamente, no encontré el resto. Si alguien lo encuentra, por favor ponga el enlace en los comentarios. ¡¡Gracias!

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Activistas roban tren en Uruguay para evitar su venta a Hollywood

2008-03-03T23:43:00.005-05:00

Título: El último tren (título original Corazón de fuego) - 2002
País(es): Uruguay en co-producción con Argentina y España
Idioma: español
Género: Drama con elementos cómicos
Ocasión: Cuando se busca una historia que inspira
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un hombre de negocios decide venderle a un estudio de Hollywood una locomotora abandonada que es patrimonio de Uruguay. Sin embargo, los “Amigos del Ferrocarril” (una asociación sin fines de lucro) deciden robarse el tren y guiarlo hasta Brasil para evitar su venta.

Reseña

El último tren es una película que me parece muy pertinente a la situación socio-política de Puerto Rico en estos momentos. Este filme cuenta la historia de un grupo de personas valientes que se entregan por una causa que ellos consideran noble.

En nuestro país tenemos muchas cosas por las que luchar. Sin embargo, cada vez que algún grupo organizado decide reclamar sus derechos, las personas que se ven afectadas o, simplemente, aquellos/as conservadores/as anti-obreros y anti-derechos laborales comienzan las campaña de descrédito. Pues esta película presenta una situación parecida y nos muestra la importancia de esos pequeños grupos que toman acción y se levantan por una causa justa.

El largometraje no recurre a las persecuciones policíacas (aunque es obvio que la policía juega una parte importante en la trama), ni a los efectos especiales, ni a la violencia. Es, precisamente, la resistencia y desobediencia asertiva pero pacífica, lo que se resalta en este texto. De igual forma se examina de forma no panfletera el imperialismo estadounidense, la venta del patrimonio latinoamericano y el papel de la sociedad civil dentro de estos asuntos.

El último tren es un filme que logra la profundidad a través de la simpleza. El diálogo no es rebuscado ni teórico, sino llano y asequible. No obstante, esto no hace que pierda la profundidad de sus planteamientos. Esta es una característica que se repite mucho dentro del cine Hispanoamericano. Además logra también enseñarnos la humanidad de estos personajes. La película está llena de momentos tiernos y momentos cómicos que sirven para mantener anclado el acto de desobediencia de estos personajes.

En fin, El último tren es una película para sacar en los momentos en que uno necesite un “shot” de inspiración, de rebeldía, de humor y de ternura. Es una película muy hermosa que trabaja un tema complejo de forma muy sencilla.

Cortos

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Gobierno japonés obliga estudiantes a matarse entre si

2008-03-01T18:38:00.003-05:00

Título: Batoru rowaiaru (Battle Royale en inglés) -2000
País: Japón
Idioma: japonés (subtítulos en inglés y coreano)
Género: Suspenso/Acción (Violencia desenfrenada)
Ocasión: Cuando quieres ver un baño de sangre…
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

En el futuro cercano, Japón se encuentra en un caos total. El desempleo anda por los cielos y l@s estudiantes se niegan a ir a las clases y obedecer a sus maestr@s. El gobierno japonés, entonces, pasa una legislación conocida como el “Battle Royale Act”. Esta legislación hace que se escoja, anualmente, un grupo escolar al azar para participar en un viaje de fin de curso. El viaje, sin embargo, es a una isla en la que les espera un juego mortal: “o matas a tus compañeros o te matan a ti; sólo uno/a sobrevivirá.”

Reseña

Battle Royale no es una de las películas de horror que Hollywood ha re-hecho recientemente. En parte, podríamos decir que este filme no es de “horror” como tal. Sin embargo, tiene algunos de los mismos elementos que hacen del cine japonés uno de los más sanguinarios y aterrorizantes.

Habría que comenzar dejando claro que este filme es muy gráfico. Basta con entender que la premisa para darse cuenta de que el planteamiento, en sí, es muy fuerte. Sin embargo, no mucho puede preparar a uno para estas escenas violentas. No es, precisamente, el que sean adolescentes los que se matan unos a otros, sino la forma en que lo tienen que hacer. Para efectos de la trama, cada uno de los “participantes” tiene un arma distinta. Esto se presta para unos duelos muy desiguales.

El largometraje cuenta con un elemento narrativo que guía el suspenso. Según se explica en las reglas, cada 6 horas se da un update de cuantos estudiantes han muerto, cuantos quedan y cuáles son las zonas de peligro. Esto es un marcador que va dejándonos saber cómo se va desenvolviendo la matanza y nos pone en alerta a que otra ola de asesinatos está cerca.

Quizá lo que hace esta película más escalofriante es el tono nonchalant con que los militares, el maestro y los demás representantes administrativos explican y justifican el sistema de “castigo”. Excepto por l@s mism@s muchach@s que van a tener que matarse, todas las otras personas parecen entender que esto es algo necesario por el bien de Japón. Existe un aire de frialdad burocrática y hasta de humor sádico que aumenta la tensión.

En fin, si busca poner el corazón a millón, ver mucha sangre caer (aunque se vea cheesy de vez en cuando), ver tripas volando y estar en tensión, esta es la película que debe sacar.

Cortos

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Asesinato en zona neutral entre Corea del Norte y Corea del Sur

2008-02-29T00:20:00.008-05:00

Título: Gongdong gyeongbi guyeok JSA (Joint Security Area en inglés) – 2000
País: Corea del Sur
Idioma: coreano (subtítulos en inglés y mandarín)
Género: drama político
Ocasión: Cuando tiene ganas de pensar, aprender y reflexionar
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Entre Corea del Norte y Corea del Sur, hay una zona neutral. Cuando dos norcoreanos aparecen asesinados en esa zona, supuestamente por un surcoreano, la comunidad internacional envía un equipo suizo/sueco a investigar los sucesos. La líder del grupo se da cuenta de que los datos de la escena del crimen no encajan y comienza a sospechar que hay algún tipo de encubrimiento. Sophie, la investigadora, continúa su trabajo, muy a pesar de las autoridades de ambos países, y descubre una serie de errores fatales con trágicos desenlaces.

Reseña

Chan Wook Park, el famoso director surcoreano, nos presenta un drama político en el que ambas Coreas quedan mal paradas. A través de una historia hermosa de amistad, de sacrificio y de encubrimientos, Park nos muestra el lado humano de un conflicto que ha mantenido separado a un país por más de 5 décadas.

El filme tiene todos los elementos necesarios para mantener a uno en suspenso. Comienza de modo muy rápido con el incidente que da paso a la investigación y, poco a poco, nos va revelando distintas piezas del acertijo. El uso de los recuentos y los “flashbacks” sirven para contar la historia en una forma progresiva pero no lineal. Contrario a otros dramas, nunca tienes claro lo que sucedió hasta que te revelan, finalmente, todas las pistas.

Park, con esta película, logra problematizar la relación tan tensa que tienen ambas Coreas. De igual modo, la amistad que surge entre los soldados del Sur y los soldados del Norte, ponen en entredicho las razones que tienen los altos mandatarios de ambos países para mantener una nación dividida. Aunque Park es surcoreano, logra presentar ambas visiones de una forma, más o menos equitativa. No puedo asegurar del todo que no se favorezca una de esas visiones por encima de la otra, pero al menos no es obvio ni burdo como ocurre en muchas películas estadounidenses que tratan conflictos bélicos/políticos.

Este largometraje está muy bien logrado, como todas las otras películas de Park que he visto hasta el momento (luego reseñaré la Trilogía de la Venganza). Si está buscando una buena historia política, con elementos de una amistad hermosa, esta es la película que debe conseguir.

Cortos

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Hombre palestino conoce a la familia de su novia judía

2008-02-27T19:58:00.011-05:00

Título: Seres queridos (Only Human en inglés) – 2004
País: España
Lenguaje: español
Género: Comedia
Ocasión: Cuando tiene ganas de, simplemente, reírse
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Rafi, un hombre palestino, va a casa de la familia de su novia judía a conocerles. Estos, sin embargo, no tienen idea de que Rafi es palestino.

Reseña

Una comedia al estilo clásico español: lenguaje rápido, inteligente y chisposo. La película juega, muy hábilmente, con todos los conflictos posibles que se pueden dar en una relación entre una judía y un palestino.

En algunos filmes existe un personaje específico que está puesto para traer el humor. En Seres queridos casi todos los personajes cumplen esta misma función. El protagonista, el novio palestino, es un hombre muy nervioso que no sabe manejar muy bien la situación de tener una novia judía. Sus múltiples encontronazos con la familia Dali proveen una gran parte de las situaciones humorísticas del largometraje. El hermano, que es un recién converso al judaísmo ortodoxo, pone trabas a todas las acciones de la familia basándose en lecturas fundamentales de los libros sagrados judíos. La hermana ninfómana… ¡bueno, se auto-explica! Su hija, una niña de 10 años, se cree que está embarazada. La inclusión de este último personaje parece ser una tendencia de algunas películas en las que sale Guillermo Toledo (Rafi) puesto que sale un personaje muy parecido en otra comedia suya Crimen Ferpecto.

L@s escritores/as, por otra parte, no les dan tregua a estos personajes. Cada acción lleva a un enredo mayor y a una situación más ridículamente risible. El arte de la exageración también juega parte del elemento cómico de la trama.

Aunque la película utiliza los estereotipos como parte de su construcción de personajes, es interesante que, en un momento dado, sale el tema a relucir dentro del mismo diálogo. Esto demuestra un grado de auto-consciencia que es saludable a la hora de tratar el humor étnico, que es un tema tan sensible.

En fin, Seres queridos es una buena película para reírse un buen rato y darse cuenta de que hay familias mucho más disfuncionales que las suyas. =)

Cortos

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Ángel de 6 pies salva a estafador de pacotilla

2008-02-26T20:54:00.002-05:00

Título: Angel-A (2005)
País: Francia
Lenguaje: francés (subtítulos: español e inglés)
Género: Comedia romántica
Ocasión: Cuando se busca una comedia suave, con elementos de romance
Dónde se consigue*: Blockbuster (algunos), Amazon Marketplace

Resumen:

André le debe dinero a medio París y no tiene forma de pagar. Luego de fracasar en todos sus intentos de conseguir el dinero, decide suicidarse tirándose de un puente. Sin embargo, cuando está listo para tirarse, nota que una mujer va a hacer lo mismo y decide “salvarla”. Lo menos que se imagina es que es ella la que vino a salvarlo a él.

Reseña:

Esta es una de esas películas de las que uno nunca se entera y cuando, por casualidad, la encuentra se pregunta cómo es que no se ha hablado más de ella. Claro, no sé que tipo de propaganda tuvo en su país natal, pero sé que en esta parte del mundo no tuvo ninguna.

Es un filme lleno de muchos aciertos. El primero de ellos es la elección de los protagonistas. Jamel Debbouze hace un trabajo maravilloso como André, el estafador nervioso. El actor logra que uno, verdaderamente, le tome pena a este personaje tan patético que, en el fondo, tiene buenas intenciones. Igualmente, creo que nadie hubiera podido hacer de Angela tan bien como Rie Rasmussen. La danesa de casi 6 pies de altura personifica, a la perfección, la complejidad de Angela. Angela no es un ángel en el sentido clásico religioso. Ella fuma, bebe, tiene deseos carnales y es, en mucha medida, muy humana. Esto no quita, sin embargo, sus dotes sobrenaturales y su sabiduría que es la que, eventualmente, salva a André.

Otro de los aciertos es el diálogo. Aunque no puedo apreciar las líneas originales puesto que no sé francés, la traducción demuestra, igualmente, la sofisticación de las conversaciones. Es en esto en lo que primordialmente se separa de una comedia romántica de Hollywood (porque en el fondo, la trama es muy típica). Angel-A logra ser profunda, conceptualmente hablando, sin ser densa. Dentro de la trama de la película se entrelazan diálogos de la religión, de Dios, del amor, de la desesperación, de la auto-estima, de las situaciones sociales y de la moral. Todo esto se logra sin ser abstracta ni invisible. Finalmente, el diálogo es, lo que se llama en inglés, “witty”.

Haber filmado la película en blanco y negro, quizá, no tiene ningún sentido en nuestra época, sobre todo porque no es una película de “época”, sino contemporánea. Sin embargo, el blanco y negro le añade una dimensión estética que vale la pena. Ver a París en ese blanco y negro brillante es, verdaderamente, delicioso.

En fin, esta es una película muy buena para ver en esos momentos en que uno está buscando una historia de amor (que se sale de lo convencional), un rato agradable y humorístico o, simplemente, entretenimiento ligero con una dosis de sofisticación conceptual.

Cortos

* Parte del propósito de este blog es compartir los lugares en donde se pueden conseguir las películas. Si usted sabe de un sitio en específico, por favor añádalo en la sección de comentarios. Gracias!!

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