31 de marzo de 2008

Dos argentinos intentan robarse sellos de valor millonario

Título: Nueve reinas (2000)
País: Argentina
Idioma: español
Género: Suspenso (engaños)
Ocasión: Cuando quieres resolver misterios
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Dos estafadores profesionales se unen para colaborar en un trabajo enorme, pero ambos sospechan que el otro lo está tratando de engañar.

Reseña

Me temo que el resumen que puedo dar de esta película es demasiado simplista. Lo hago a propósito porque éste es otro de esos filmes que es mejor verlos sin saber de qué se trata. Si te gusta este género en particular, el de las estafas, TIENES que ver Nueve reinas.

Nueve reinas es un largometraje inmensamente creativo, inteligente y sofisticado. El escritor y director, Fabián Bielinsky, creó una historia en la que cada momento es importante. Este es el tipo de película en la que cada escena provee una clave de lo que va a ocurrir en el desenlace, pero aún así es difícil descifrarlo. Sin embargo, para aquell@s de nosotr@s que nos gusta ver filmes con finales amarrados en vez de abiertos, Nueve reinas hace un buen trabajo de explicar al final qué fue lo que pasó.

Hollywood hizo un “remake” titulado Criminal con Diego Luna, John C. Reilly y Maggie Gyllenhaal que es bastante fiel (casi exacta) a la original. Aunque el “remake” tiene un buen elenco y, en esencia, es la misma película, aquell@s que hemos visto Nueve reinas notamos y sentimos la ausencia de Gastón Pauls y Ricardo Darín. Ambos actores tienen una capacidad de transformarse de un momento a otro que aumenta, en mi opinión, el suspenso de la película. Ricardo Darín, por ejemplo, parece un bobolón torpe un minuto y un criminal sagaz y malicioso al otro.

Realmente no hay mucho más que pueda decir de este filme sin arruinarlo. Es uno de los largometrajes más entretenidos que he visto en buen tiempo. Aunque el género del engaño me fascina, creo que es uno de mis preferidos, Nueve reinas lo lleva a otro nivel. En fin, sáquela, véala y diviértase tratando de adivinar lo que va a pasar.

Cortos


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29 de marzo de 2008

Estudiantes compiten en baile de salón

Título: Mad Hot Ballroom (2005)
País: Estados Unidos
Idioma: inglés con pequeñas partes en español
Género: documental
Ocasión: Cuando buscas algo que te dé esperanza en el mundo
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

El documental sigue la trayectoria de tres grupos de niñ@s en la ciudad de Nueva York que compiten en un programa extracurricular de baile de salón.

Reseña

En muchas ocasiones, los documentales que vemos tienden a darnos más miedo que las películas más tétricas de horror. Documentales como The Future of Food que reseñé hace algún tiempo, nos muestran las cosas terribles que estamos haciendo los seres humanos. De vez en cuando, no obstante, necesitamos historias positivas que nos den algún rayito de esperanza en esta humanidad. Mad Hot Ballroom es ese tipo de película.

El filme traza el trayecto de tres grupos que compiten en el programa extracurricular “Dancing Classrooms” creado por el bailarín Pierre Dulaine. Habría que hacer un aparte aquí para mencionar que la historia de cómo Dulaine comenzó este programa es el tema de la película norteamericana Take the Lead en la que Antonio Banderas interpreta a Dulaine.

La belleza de Mad Hot Ballroom estriba en que está centrada en el esfuerzo de est@s niñ@s. Pasamos de verlos totalmente renuentes a verlos convertidos en competidores/as disciplinados/as y apasionados/as en el buen sentido de la palabra. Igualmente interesante es ver las diferencias que se dan en el proceso de preparación de los tres grupos. El documental sigue tres escuelas en las que las poblaciones son bien distintas: una es de estudiantes dominicanos en un barrio pobre de NY, la otra es de estudiantes adinerados y la última es una mezcla de asiáticos e italianos. Como podrá imaginarse, la gracia natural para el baile les viene más fácilmente a unos grupos que a otros.

Marilyn Agrelo, la directora del Mad Hot, tomó la decisión consciente de enfocarse más en l@s maestr@s que en los estudiantes. Aunque esto le trajo algunas críticas (de personas que querían ver más profundidad en el tratramiento de l@s estudiantes), me parece que fue la decisión correcta. Primero que nada, habría que dejar claro que ella no ignora a l@s niñ@s ni sus relaciones. Pero en términos puramente prácticos, son demasiad@s niñ@s y para lograr la profundidad deseada por est@s crític@s, la película se hubiera tenido que convertir en otra cosa. Por otra parte, la labor que hacen est@s educadores/as es, verdaderamente, digna de reconocimiento. Finalmente, enfocarse en l@s maestr@s le permite a Agrelo, hasta cierto punto, traer a colación la importancia de este programa extracurricular artístico y cómo éste contribuye a la formación integral de est@s niñ@s. Este punto es muy importante puesto que existen muchas personas miopes que no entienden el valor de las artes en los currículos escolares.

En fin, si eres como yo, Mad Hot Ballroom te enganchará y te convertirá en fanátic@ de est@s niñ@s. Para la competencia final yo estaba parado al frente del televisor como si estuviera viendo un juego de baloncesto olímpico de Puerto Rico y tuve la satisfacción de ver a mi grupo favorito llevándose el premio final (no diré quiénes para que sea sorpresa para ustedes también). Es una magnifica historia de competencia, de buena educación y de esperanza

Cortos



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25 de marzo de 2008

Hombres apuestan la vida de otros

Título: 13 Tzameti (2005)
País
: Georgia
Idioma(s): francés (subtítulos en inglés)
Género: suspenso
Ocasión: Cuando quieres arrancarte los pelos por la tensión
Dónde se consigue*:
Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Sébastien decide seguir unas instrucciones que le correspondían a otra persona y entra a un mundo subterráneo en el que algunos hombres apuestan la vida de otros.

Reseña

Mientras menos sepan de esta película antes de verla, mejor. Gran parte de la magia de 13 Tzameti estriba en el suspenso y el elemento de la sorpresa. De hecho, pensando en esto, escogí los cortos menos reveladores que encontré en YouTube. Les recomiendo que después de ver esos no sigan mirando y vayan a sacar la película para que no se arruinen la experiencia.

Creo haber dicho varias veces en este blog que una de las cualidades que más me gusta del cine internacional es que tiende a ser muy simple. Muchos de estos filmes duran menos que sus contrapartes hollywoodenses porque fuera de alargarse con escenas innecesarias o giros de trama increíbles hacen lo que tienen que hacer: presentan la historia, la cuentan y la terminan. 13 Tzameti es una de estas películas.

La trama es bastante sencilla y lineal pero tiene todos los elementos necesarios para mantenernos (en mi caso, literalmente) en el borde de nuestras sillas. El primer acierto de esta película está en el sonido. Por lo general no tiendo a fijarme mucho en esto, pero en este largometraje, el sonido (y la falta de éste) juegan un papel muy importante. Como en las películas de Hitchcock (para un análisis profundo del sonido en Hitchcock vea la tesis de maestría de Alfredo Nieves en la Universidad del Sagrado Corazón en Puerto Rico), 13 Tzameti utiliza el silencio y la falta de una banda sonora en algunos momentos claves para incrementar el suspenso. La falta de música nos obliga a enfocarnos 100% en esas escenas tensas que permean en el largometraje.

Por otra parte, el blanco y negro le da una textura sucia, “gritty” como le dicen en inglés, que provee una sensación de inquietud desde el comienzo. En cuanto a lo visual, es importante señalar también la prominencia que se le da a una bombilla. La bombilla que está en el cuarto es la que marca el progreso del “juego”. Esta, por ende, se convierte en un personaje adicional al que velamos para que nos diga que va a suceder y cuando. Finalmente, la cinematografía de 13 Tzameti contribuye a nuestro estado emocional durante esta historia. Existe un contraste muy marcado entre algunas escenas de espacios abiertos y otras de espacios muy pequeños y claustrofóbicos.

Según he leído en el Internet, Palm Pictures de Estados Unidos compró los derechos de esta película y le van a hacer un "remake" hollywoodense. Aunque se dice que el director original estará involucrado en el "remake", se ha comentado que la nueva versión será en colores y que tendrá cambios estructurales y de trama. Les recomiendo, entonces, que vean la original lo más pronto posible.

Cortos



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23 de marzo de 2008

Padre busca reconciliarse con su hijo enfermo de cáncer

Título: Qian li zou dan qi (Riding Alone for Thousands of Miles) - 2005
País: China
Idioma(s): mandarín y japonés
(subtítulos en español, inglés, portugués y francés)

Género: drama
Ocasión
: Cuando quieres llorar
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un pescador japonés se entera de que su hijo (con quien no se lleva), se está muriendo de cáncer. Cuando éste intenta ir a verlo al hospital, su otra hija le comunica que el enfermo no lo quiere ver. Es ahí, entonces, que el pescador decide viajar a un lugar recóndito de la China para grabar una opereta folklórica que su hijo siempre quiso, pero nunca pudo, ver.

Reseña

Habría que comenzar esta reseña dejando claro que el director de esta película es, nada más y nada menos, que el gran director chino, Zhang Yimou. Yimou es mejor conocido en estas partes del mundo por sus obras épicas de artes marciales The House of the Flying Daggers, The Curse of the Golden Flower y, una de mis películas favoritas, Hero. Y es, precisamente, la sensibilidad que trae Yimou a todas sus obras la que hace de Riding una gran película.

No obstante, hay que dejar claro que Riding Alone for Thousands of Miles no se parece, en nada, a estas otras que mencioné. Este filme no tiene efectos especiales, ni personas volando, ni peleas fantásticas de karate. Lo que sí conserva de Yimou es ese estilo solemne y hermoso que tienen las demás. Igualmente, Riding es un largometraje estéticamente precioso. Se presentan esos paisajes verdes, blancos y albicelestes que tanto abundan en China. Además, se muestra también el mundo de las operetas folklóricas chinas que, al menos para mí, es bastante desconocido.

La trama de este largometraje está anclada en la actuación, principalmente, de Ken Takakura. Según he leído de otros cronistas del cine, la elección de Takakura para este papel fue enteramente premeditada. Yimou, se supone, escribió este papel pensando en el actor. Esto es un dato interesante, puesto que Takakura es famoso en su Japón natal por hacer películas de “tough guys” (incluyendo papeles de Yakuzas). De hecho, le apodan el “Clint Eastwood japonés” por su semblante y su forma de ser. Y es precisamente ese semblante estoico el que hace que este papel sea particularmente efectivo. El personaje de Takakura es un hombre muy complejo que se niega a expresar sus sentimientos por sus visiones tradicionales de la vida. En este viaje comienza a dejarse sentir (gracias en parte a un niño que se encuentra a mitad de su travesía) el dolor de haber perdido a su hijo en vida y el dolor de saber que lo va a perder a la muerte también.

El paso de la película es lento, pero nunca aburrido. Los obstáculos que encuentra el personaje de Takakura en su búsqueda de la opereta nos mantienen atentos; su batalla interna y su intensidad de carácter nos mantienen en espera. Demás está decir que este filme es capaz de levantar sentimientos y sensaciones muy profundas.

En fin, cuando tenga ganas de sentarse a llorar un buen rato o simplemente entregarse a las batallas emocionales de un personaje, saque y vea Riding Alone for Thousands of Miles. Es una historia de amor paternal verdaderamente hermosa.

Cortos



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21 de marzo de 2008

Presos se escapan con instrumentos musicales y dan parrandas

Título: Perico Ripiao (2003)
País: República Dominicana
Idioma: español
Género: comedia
Ocasión: Cuando buscas reírte a calzón quitao’
Dónde se consigue: Netflix, Blockbuster, YouTube (vea abajo)

Resumen

Tres prisioneros (que son músicos) se escapan de la cárcel con sus instrumentos musicales. En el trayecto de vuelta a sus respectivos hogares se encuentran con múltiples personajes interesantes y, en varios casos, utilizan sus habilidades musicales para poder continuar su camino.

Reseña

La República Dominicana no es una de las potencias mundiales en las artes cinematográficas. Según he leído de comentaristas y bloguer@s dominican@s, parecería que el cine de la R.D. sufre de los mismos problemas que el cine puertorriqueño. Sin embargo, Perico Ripiao es un buen producto de entretenimiento.

Lo que más me gusta de esta película es lo sencilla que es. Se nota que la producción no puede haber sido muy cara y, la verdad, no necesitaba serla. Realmente, Perico Ripiao logra lo que se propone: hacernos reir.

Algun@s herman@s dominican@s se quejan de que Perico Ripiao no tiene potencial internacional porque es un filme demasiado dominicano. Aunque es cierto que tiene mucho intertexto dominicano, logré entender la gran mayoría de los chistes, de los comentarios y hasta del lenguaje. Claro, siempre existe una barrera cultural, pero me parece que aquell@s que están familiarizados con la chispa caribeña disfrutarán el diálogo y las ocurrencias cómicas de estos personajes.

Perico Ripiao pertenece a dos géneros simultáneamente: la película de viaje (road movie) y la película de compañeros (buddy movie). En el fondo, además, tiene el arquetipo de la Odisea de Homero (el regreso a casa con mil complicaciones y personajes en el medio). De aquí, entonces, deriva sus fortalezas; ya que la trama es simple, los escritores pueden dedicarse a explotar la riqueza humorística que existe en la cultura dominicana. Aquí en Puerto Rico tendríamos una industria cinematográfica mas robusta si nos dedicáramos a esto mismo: explotar nuestras fortalezas en vez de imitar modelos que no se adaptan a nuestra realidad.

En fin, Perico Ripiao es una buena muestra de lo que otros países con pocos recursos podrían comenzar a hacer. No es una película ambiciosa, pero eso no hace que se convierta en mediocre (que es lo que, en muchas ocasiones, nos pasa aquí). Sabe encontrar el balance entre lo que es y lo que no es necesario y juega con las fortalezas de los recursos que tiene. Para unas buenas carcajadas, vea este largometraje.

Introducción*


* El filme está completo en YouTube. Esta es la primera parte de 10. Cuando termine de ver esta, busque los "related videos" para las partes siguientes.

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17 de marzo de 2008

París amuralla sus ghettos y ni la policía puede entrar

Título: Banlieue 13 (District B-13 en inglés) - 2004
País: Francia
Idioma: francés (subtítulos en español e inglés)
Género: acción
Ocasión: Entretenimiento a puño limpio
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

En el año 2010, el gobierno francés esconde sus ghettos detrás de murallas y se olvida de l@s ciudadan@s que los habitan. Cuando unos terroristas amenazan con explotar la ciudad entera poniendo una bomba en el Distrito B-13 (el peor de todos los ghettos parisinos) Damien, un policía encubierto, tiene que buscar la manera de entrar y desactivarla. Para esto, sin embargo, necesita un guía. Con ese fin, entonces, la policía de Paris suelta a Leito, un criminal nativo del B-13, y lo “obligan” a que ayude a Damien.

Reseña

District B-13 es un paquete de 85 minutos de pura acción. Una de las cosas que hace que esta película sea tan entretenida y tan intensa es que los actores principales Cyril Raffaelli (Damien) y David Belle (Leito) son “stuntmen” en la vida real. Raffaelli, por ejemplo, fue el encargado de las coreografías de Jason Statham en ambas versiones de The Transporter y Belle es uno de los fundadores de un deporte llamado “parkour” en el que los atletas tratan la arquitectura de una ciudad como una carrera de obstáculos. Estos dos estilos se combinan dentro de District B-13 para unas escenas excelentes de persecuciones y de peleas. De hecho, el “Making Of” es casi tan bueno como el filme mismo por que explica cómo se crearon algunas de las mejores escenas.

El largometraje no es una joya de la cinematografía contemporánea, pero es que no busca serlo. Es, simplemente, una trama entretenida, rápida y llena de acción. ¿Cuántas veces no hemos ido al cine buscando algo similar? Tengo que decir que yo, por lo menos, salgo muy decepcionado con algunas de las películas de acción que se están produciendo en Hollywood. Aparte de que las tramas son las mismas siempre, las escenas de acción dejan mucho que desear. Una tendencia que tiene el cine contemporáneo de Hollywood es utilizar el movimiento de cámara para esconder las debilidades de las actuaciones y/o efectos. Por ejemplo, en Transformers (una de las basuras más caras producidas en los últimos años) apenas se distinguen los robots en las escenas de combate. Igualmente ocurre en el segundo capítulo de la trilogía de Jason Bourne. Esto, sin embargo, no pasa en District B-13. Aquí podemos apreciar los movimientos, las maromas y las coreografías de buena calidad de las peleas.

Raffaelli y Belle logran en este filme lo mismo que Tony Jaa en Ong-Bak: The Thai Warrior: añadirle credibilidad a las peleas y a las escenas de artes físicas. Esa es la diferencia de tener este tipo de persona en cámara versus actores que no tienen ningún entrenamiento en artes marciales o en gimnasia. Aunque no creo que ninguno de estos muchachos se ganará un Oscar de mejor actor (total, muchos de los actores tradicionales de películas de acción tampoco tienen mucho “range” histriónico que digamos), actúan suficientemente bien dentro de este género y vienen con el beneficio añadido de sus especialidades.

Otro acierto de este largometraje es que lo lograron hacer todo en 85 minutos. No hay necesidad de alargar la trama y convertirla en un fárrago interminable. Son 85 minutos de pura velocidad y uno termina satisfech@.

En fin, District B-13 es una película rápida, entretenida y muy bien coreografiada. Véala cuando está en ánimos de ver puños, bofetadas, brincos, tiros y explosiones pero de una forma más entretenida que a lo que está acostumbrado.

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13 de marzo de 2008

Carniceros llegan a los extremos para aumentar negocio...

Título: De grønne slagtere (The Green Butchers en ingles) - 2003
País: Dinamarca
Idioma: danés (subtítulos en inglés)
Género
: Humor/Drama
Ocasión: Cuando buscas humor extraño (“offbeat”)
Dónde se consigue*: Blockbuster (en algunos), Amazon Marketplace, Netflix

Resumen

Dos carniceros en un pueblo pequeño de Dinamarca, cansados del trato que les da su jefe, deciden abrir su propia carnicería. El negocio les va bastante mal hasta que un accidente les provee un tipo nuevo de carne poco común en el pueblo…

Reseña

Me imagino que las personas que lean este blog con regularidad habrán empezado a construir en sus cabezas una imagen de mi sentido del humor. Ninguna de las comedias que he reseñado han sido comedias “normales” y todas tienen que ver con asuntos muy macabros. Esto es lo que sucede cuando uno tiene más opciones a la hora de entretenerse. No me tengo que circunscribir a las comedias enlatadas del mainstream y puedo encontrar filmes que construyen el humor de un punto de vista muy diferente al que estamos acostumbrad@s.

Un elemento que hace que The Green Butchers sea tan efectiva, es el contraste entre sus dos personajes principales. Aunque ambos podrían caracterizarse como amargados e infelices, la forma en la que ambos deciden vivir su vida es lo que más los diferencia. Mientras Svend decide sentir todo lo más intenso posible, Bjarne utiliza la marihuana como forma de escaparse de sus demonios. En algunos casos uno se pregunta cómo estos dos seres se llevan tan bien (a nivel de que Bjarne es, probablemente, el único amigo de Svend - nadie lo soporta por lo inflexible e intenso que es), pero en el fondo tiene mucho sentido. Sus pasados trágicos hacen que ambos entiendan sus respectivas situaciones y respeten sus espacios.

La película, además, tiene un elemento dramático que toma forma en un hermano gemelo que tiene Bjarne que lleva en coma 10 años. La relación que Bjarne tiene con este hermano es compleja y provee un espacio para entender mejor las circunstancias de este personaje.

Como en muchas de estas películas que he reseñado, The Green Butchers cuenta con un diálogo muy interesante e inteligente. El humor, además de provenir de la situación en la que se encuentran, surge de la ironía, el sarcasmo y la falta de sutilidad con la que se comunican dentro del filme.

Ya que la trama es muy sencilla, no puedo entrar en muchos más detalles sin arruinarle la experiencia. Basta con decir que es un largometraje (extraño y maravilloso) de triunfo y de amistad. Explica con cruda franqueza el sueño de movilidad social y el deseo de sociabilidad que albergan muchas personas en este mundo y a los extremos a los que pueden llegar para conseguirlos.

Cortos



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12 de marzo de 2008

Recomiéndanos películas!

Hasta ahora este blog ha sido bastante unilateral. Hemos ido poniendo películas que consideramos buenas opciones para la monotonería del mainstream hollywoodense. Sin embargo, nos gustaría recibir recomendaciones de ustedes, aquell@s que están leyendo este blog. Cuéntennos, ¿qué otras películas internacionales o independientes deberíamos ver? La recomendación es la mejor manera de lograr que estos filmes se difundan, ya que, muchas veces, no nos llegan a los cines o a los videoclubs.

Desde ahora, ¡muchas gracias por sus comentarios!

Saludos,

El equipo de La Filmoteca

11 de marzo de 2008

Multinacional española utiliza método cruel para llenar un puesto ejecutivo

Título: El método (2005)
País: España
Idioma: español
Género: suspenso
Ocasión: Cuando tienes ganas de estar a la expectativa
Dónde se consigue*: Blockbuster “Festival de Cine”, Amazon Marketplace, Netflix

Resumen

Siete candidat@s compiten por un puesto en una compañía. Para decidir quién se llevará el trabajo, la compañía ha decidido utilizar el método Grönholm que obliga a l@s candidat@s a eliminarse entre si.

Reseña

El método es una película que examina las prácticas sanguinarias de una corporación multinacional. Dentro del mundo de El método, la compañía es tan cruel que en vez de pasar el trabajo de entrevistar a l@s candidat@s y dejarles saber directamente que no han sido seleccionados, delega esa responsabilidad en l@s mism@s solicitantes. Se ve en este filme la ideología neoliberal corporativista llevada a sus extremos más ridículos en los que sólo el individuo tiene el control de su propio destino.

Este filme nos mantiene en suspenso desde el momento en que se sientan l@s siete candidat@s en la sala de “entrevistas” hasta que se nos revela, finalmente, quién se queda con el puesto. Es una película rápida, con buenos diálogos y buenas actuaciones que mantienen nuestra atención. Esto es un logro considerable dado el caso de que casi toda la historia se desarrolla dentro de una misma sala.

Lo más interesante de El método es la cantidad de relaciones conflictivas que tira al medio. Dentro de la trama vemos conflictos por género, por edad, por posiciones políticas, por ideologías, por puestos de autoridad, etc. Justo cuando pensamos que hay un momento de calma, se desata otro conflicto que amenaza con una nueva eliminación de un personaje.

Las políticas del género, en particular, se presentan de modo muy abierto en esta película. Para efectos de la historia, sólo dos de l@s candidat@s son mujeres. Para complicarlo más todavía, una de ellas es “middle aged”. Es interesante porque dentro de esta fantasía neoliberal, vemos destellos de las estructuras que mantienen a estas mujeres oprimidas.

En fin, El método es una buena película para cuando se busca un poco de estímulo intelectual. Igualmente, es un filme que te mantendrá a la expectativa para averiguar quién, al fin y al cabo, sobrevive ese método tan despiadado de la junta corporativa anónima.

P.S. El método es del mismo escritor de Mar adentro.

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9 de marzo de 2008

Boxeador blanco da paliza a joven negro y le causa daño cerebral

Título: Poor Boy’s Game (2007)
País: Canadá
Idioma: inglés (subtítulos en español)
Género: Drama
Ocasión: Cuando tengas ganas de ver un drama tradicional, pero con algunas variaciones
Dónde se consigue*: Sale en DVD esta semana: Amazon Marketplace, Netflix

Resumen

Donnie Rose, un boxeador amateur blanco de Halifax, Nova Scotia, sale de prisión luego de estar encerrado 9 años por asalto agravado a un muchacho negro. Charlie, la víctima de Rose, sufrió daños cerebrales luego de la paliza y la comunidad negra local siente que la pena de Donnie no fue suficientemente severa. Ossie Paris, amigo personal de Charlie y boxeador peligrosísimo, invita a Donnie a una pelea de boxeo, con el plan de matarlo en el cuadrilátero. La cosa se complica cuando George, el papá de Charlie, se opone al plan.

Reseña

Esta crítica será un poco diferente a las anteriores. Acabo de ver Poor Boy’s Game hoy mismo y puedo entrar en más detalles que en algunas de las anteriores que las he visto hace más tiempo.

Lo malo

Poor Boy’s Game, en general, es una buena película. Sin embargo, tiene varios desaciertos que limitan su potencial un tanto. Las actuaciones, por ejemplo, no son particularmente fuertes. El actor que hace de Donnie Rose, Rossif Sutherland (hermano menor de Kiefer Sutherland e hijo de Donald Sutherland), le falta todavía madurez histriónica. En algunas escenas su actuación se siente forzada, poco convincente. Danny Glover, por otro lado, aunque es un gran actor, hace un papel promedio. Esto, quizá, se debe a la complejidad emocional de su personaje. No obstante, tiendo a pensar que pudo haberlo hecho de forma más natural. Varios de los actores secundarios, igualmente, se sintieron forzados. Además, las escenas de boxeo no son muy buenas.

La trama tiene algunos elementos muy típicos. En ciertas ocasiones, el filme se siente igual que un drama cualquiera estadounidense. Algunas escenas son muy predecibles y hasta arquetípicas.

Por otra parte, el tratamiento que le da la película al tema del género (hombre/mujer) es muy secundario al tratamiento de la raza. Y, aunque en este caso, el componente racial es, efectivamente, más importante que el de género, al echarlo a un plano secundario (casi terciario) la película cae en estereotipos masculino/femenino. Se representa a la mujer como un ser emocional (la esposa de George) y como la seductora (Emma, la cuñada de Donnie). El hombre, por otro lado, se representa como el ser racional, paciente (George y, eventualmente, Donnie) y el seducido (Donnie). Claro, con las obvias excepciones, como los amigos y el hermano de Donnie y los compinches de Ossie (Flex Alexander).

Lo bueno

Aparte de sus fallas, Poor Boy’s Game tiene muchos aciertos también. Primero que nada, el tema de la película es importante de por si. Canadá es el país más multicultural en el mundo, per capita. Gracias a esto, Canadá ha formado una imagen a nivel internacional de ser uno de los países más tolerantes del mundo. El tema de esta película nos recuerda que no existe una panacea mundial del multiculturalismo; el racismo, el discrimen y el odio se consiguen en cualquier sitio.

Por otra parte, el tratamiento de la raza mantiene una sensibilidad que es difícil encontrar en muchas películas estadounidenses. La relación entre estos personajes es compleja y ninguno de los lados se presenta de una forma caricaturizada. Esto no quiere decir que no entran estereotipos en la película (esto sería imposible, puesto que todo mensaje mediático es una representación de sus creadores/as), sin embargo, es de una forma mucho menos burda que en la mayoría de las películas de Hollywood.

La trama de Poor Boy’s Game, aunque tiene partes muy predecibles, es bastante novedosa. Me gustó mucho la idea de trabajar el tema de la venganza como un concepto canalizado hacia la legalidad. En vez de, simplemente, matar a Donnie en una pelea callejera, a la traición, con una pistola o cualquier otra arma, Ozzie decide poner en marcha su plan de una ejecución pública, avalada por los organismos oficiales del deporte.

Tengo que decir, no obstante, que lo que más distingue este largometraje de uno cualquiera de Hollywood es el final. No quiero dañarle el final a aquell@s de ustedes que decidan buscar esta película, pero sólo vale decir que no hay forma de imaginarse lo que ocurre. Lo brillante de todo es que no es un super giro como si fuera una película de suspenso… es algo que, en retrospectiva, se siente perfectamente lógico. De igual manera, el énfasis final de la historia no recae en la pelea ni en su resultado. Ya de por sí esto se diferencia del mainstream.

En fin, recomiendo esta película, aunque le dejo muy claras sus fallas desde un principio. Me parece que es una película importante por los temas que trata y en el contexto en que los trata. Creo que tiene muchos elementos novedosos que mantienen a uno entretenido y lo ponen a pensar.

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7 de marzo de 2008

Jóvenes mexicanos secuestran mafioso por error

Título: Matando Cabos (2004)
País: México
Lenguaje: Español
Género: Comedia “Negra”
Ocasión: Cuando sólo busca entretenerse entre adultos
¿Dónde se consigue?* – Blockbuster “Festival de cine internacional”, Amazon Marketplace, Netflix

Resumen

Una comedia de enredos que comienza cuando Jaque y su amigo Mudo secuestran, sin querer, a un mafioso que está inconsciente. La película sigue la trayectoria de estos dos amigos mientras éstos tratan de devolver a Oscar Cabos (el mafioso) sin que nadie se dé cuenta y todos los obstáculos que esto supone.

Reseña

Matando cabos es un filme muy gracioso que basa su comedia en los enredos. El estilo narrativo de la película está muy logrado pues todos los enredos están bien planificados y no quedan “cabos” sueltos. El uso de los “flashbacks” va revelando, lentamente, las piezas del acertijo. En algunas ocasiones, también, el “flashback” le añade elementos cómicos, como la historia del ex – luchador profesional “Mascarita”.

Richard Nielsen, crítico de cine del Arizona Republic, describe Matando cabos como parte del género “pulp” al que pertenecen las películas de Quentin Tarantino, Robert Rodríguez o Frank Miller. Con esto lo que quiere decir es que se hace comedia de una película que, en el fondo, es una historia violenta de asesinos. Este es, quizás, uno de los mayores aciertos de la película. Aunque es muy violenta (hay escenas de pelas, tiros y hasta dedos cortados), el filme nunca adquiere un tono sombrío o solemne, sino todo lo contrario.

El lenguaje de Matando cabos, por otro lado, es uno de los elementos que logra que la violencia pase a un plano secundario. Las conversaciones son rápidas, chisposas y llenas de malas palabras en los momentos más inesperados. De hecho, si le molesta el lenguaje soez en el cine, esta no es la película para usted porque creo que ni Superbad logra el promedio de “groserías” (como dicen mis amig@s mexican@s) que alcanza Matando cabos.

Aparte de la comedia, el filme en sí es muy entretenido. Los enredos mantienen a uno en suspenso y tratando de adivinar cómo, finalmente, se van a resolver. Por demás, para aquell@s de ustedes que están acostumbrados a las persecuciones de carros en sus películas de acción, Matando cabos tiene dos muy buenas: una es con una guagua de la transportación pública y otra es en el parking multipisos de un estadio de fútbol.

En fin, Matando cabos es una película muy entretenida que no tiene pretensiones de ser nada más que eso. Es buena para reírse un rato en la compañía de buenas amistades un viernes cualquiera (como hoy).

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6 de marzo de 2008

Hospitales en Rumanía se pasan paciente como papa caliente

Título: Moartea domnului Lazarescu (The Death of Mr. Lazarescu en inglés) - 2005
País: Rumanía
Idioma: rumano (subtítulos en inglés)
Género: Drama con elementos cómicos
Ocasión: Cuando te levantes con un sentido del humor morboso y cruel
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un anciano que vive solo se siente mal y llama al servicio de emergencias. Cuando llega la doctora, ésta entiende que lo mejor que se puede hacer es llevarlo al hospital. El único problema es que ningún hospital puede/quiere atenderlo y se lo pasan como papa caliente.

Reseña

The Death of Mr. Lazarescu es una película muy triste y muy cruda. Aunque los anuncios y la propaganda que se le hizo al filme la describen como una “comedia”, la realidad es que, en todo caso, se puede clasificar como una “tragicomedia”. Efectivamente, lo absurdo de la situación es risible, pero la risa no dura mucho al darnos cuenta de que esto le pasa a millones de seres humanos en nuestro planeta.

El tiempo que dura la película se convierte en otro personaje. Las 2 horas y 30 minutos que dura se sienten interminables y no porque la película sea aburrida o agobiante, sino por la empatía que uno desarrolla con el personaje. A lo largo de esas dos horas y media uno se coge a sí mism@ buscando posibles soluciones para la situación que parece imperdonablemente simple, pero que en el mundo fuera de la pantalla es una realidad compleja por la que muchas personas pasan, incluyendo ciudadanos de países supuestamente desarrollados (véase Sicko de Michael Moore).

El largometraje hace un buen trabajo de explorar la situación del sistema médico de Rumanía. A lo largo de éste, vemos que hay personas que quieren ayudar pero tienen las manos atadas por la burocracia y la falta de fondos. Igualmente, se puede ver cómo el sistema convierte a algunas personas en autómatas que van a sus trabajos por el simple hecho de cobrar un sueldo y se olvidan del propósito de sus profesiones.

Por otro lado, también se explora, hasta cierto punto, el olvido de las personas mayores. Mr. Lazarescu, un hombre de 63 años, vive solo con sus gatos y no parece importarle a nadie. Los únicos que se ocupan de él son sus vecinos inmediatos que, en el fondo, lo ayudan más porque son personas decentes que porque le tengan verdadera estima o cariño al hombre.

En fin, The Death of Mr. Lazarescu es una película dramática, lenta y poderosa. No es, para nada, lo que llamaríamos un “light viewing”, sino todo lo contrario. Para verla debe prepararse mentalmente para dos horas y media de emociones intensas que incluyen risas incrédulas y de asombro. Sin embargo, cuando esté en el estado mental correcto, no se la pierda. Es una excelente película que ha ganado más de 22 premios internacionales, incluyendo el “Prix Un Certain Regard” del Festival de Cannes.

P.S. Tartan Video tiene películas buenísimas.

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5 de marzo de 2008

Los refritos de Hollywood


Como decíamos en el primer artículo de este blog, Hollywood ha entrado en una fase de agonía porque poco a poco se les van acabando los temas a los guionistas. Hemos sido testigos de que para subsistir, han tenido que recurrir a prácticas tales como plagiar esquemas, tramas, pedazos de tramas, arquetipos. Es curioso, pero esto no es una práctica demasiado nueva en el ámbito cinematográfico de Hollywood. Lo que podría parecer ahora como una contradicción a lo que afirmamos. Lo que realmente sucede es que los estadounidenses siempre han recurrido a la fórmula, en lo que sea, para lograr triunfar. Así, han creado fórmulas para cuanta cosa se les ha ocurrido, desde el automejoramiento hasta la escritura creativa. Sólo hay que mirar en los estantes de las librerías para darnos cuenta de que en ellos vemos cientos de libros que ofrecen fórmulas para el éxito.

Supongo que Hollywood no es la excepción. Sus guionistas han encontrado la forma de nunca dejar de tener “inspiración.” Y es quizás eso lo que ha hecho que su creatividad haya bajado. Porque entonces las tramas se convierten en clichés que uno puede adivinar a medida que va mirando las películas. Es muy fácil detectar algunos de ellos. En una película de acción estadounidense, o en un thriller (suspenso), el 99 % de las veces la trama te guía a un encuentro del protagonista y el antagonista en un laberinto. Este puede tomar la forma de un basurero, una escuela, un edificio abandonado, un baño público, etc. También en estos últimos años se ha producido el cliché de que los antagonistas no mueren la primera vez, y cuando estás más tranquilo, se aparece nuevamente, aunque le hayan pegado siete tiros o le hayan cortado la cabeza. Muchos de estos “monstruos” son creaciones post-primera película, como el caso de Jason Vorhees, de Viernes trece, quien aparece en todas las películas de esa serie, cuando en primera instancia nunca existió porque estaba ya muerto en la primera producción. Quien asesinaba en aquel filme era su madre.

Con esto en mente, es fácil detectar qué han hecho los guionistas y los productores para seguir sacando películas sin detenerse y acaparar todos los mercados del mundo. Desde hace mucho, Hollywood plagia tramas, usa patrones y arquetipos, hacen las mismas películas con diferentes títulos, y rehacen películas tanto domésticas como internacionales.

El primer caso se da con las películas del realizador japonés Akira Kurosawa. Tres de sus filmes son los que más se han plagiado en Estados Unidos. El primero, y el que ha tenido más éxito es Siete samurais (1954). Los norteamericanos la filmaron como un “western”, ya que siempre se ha dicho que Kurosawa es el más occidental de los orientales. El título de esta producción es Los siete magníficos (1960, John Sturges). Cuenta con un impresionante reparto: Yul Brynner, James Coburn, Charles Bronson, Steve McQueen, Eli Wallach, Robert Vaughn. El de Kurosawa tiene como estrellas a Toshiro Mifune, uno de los mejores actores de Japón y a Takashi Shimura. Resulta necesario decir que el filme japonés se coloca en un estadio superior por la reflexión seria que se hace sobre el samurai y el arte de la guerra.

La segunda película más copiada de Kurosawa es Yojimbo (1961), sobre Watanabe Sanjuro, un samurai que resulta ser un “trickster,” es decir, una especie de pícaro que se vende al mejor postor para destruir unas bandas de maleantes en un pueblito japonés en el siglo XIX. Hollywood la realizó con el título de Last Man Standing (1996), con Bruce Willis y Christopher Walken, y la localizó en un pueblito de la frontera entre México y Texas, con mafiosos de los años 30 ó 20. Más tarde, algún guionista (Tom O’Rourke), utilizó parte de la trama de Yojimbo para componer Inferno (1999, John Avildsen), más tarde rebautizada como Desert Heat, protagonizada por Jean Claude Van Damme. Ninguna de las dos versiones norteamericanas se compara a la original. Yojimbo, al igual que Seven Samurai son obras de arte de la cinematografía en términos de composición, fotografía, trama. Las hollywoodenses se destacan mucho más por la violencia. Y aunque la original es una película violenta, no es macabra ni exageradamente sangrienta como sus contrapartes occidentales.

Otra película de Kurosawa que también ha sido llevada al cine por los norteamericanos es Rashomon (1950). Esta es la historia de múltiples versiones de un asesinato y una violación de acuerdo a como la vieron sus participantes y alguien que fue testigo escondido detrás de un arbusto. De hecho, la historia original, de Ryunosuke Akutagawa, se titula así mismo, “Detrás del arbusto.” En Estados Unidos se filmó como The Outrage (1964, Martin Ritt), con Paul Newman y William Shatner, entre otros. La de Kurosawa fue protagonizada por Toshiro Mifune como el bandido y Takashi Shimura como el leñador testigo del crimen. Brian de Palma filmó asimismo un plagio de esta película, titulado Snake Eyes (1998), aunque este director se cuidó mucho de sólo utilizar el tema del perspectivismo.

Otra categoría que han utilizado los guionistas estadounidenses para engordar sus tramas es la de emplear arquetipos y patrones de otras película. Y aunque se da en muchas, sólo recurriré a dos. La primera la constituye El rey León (1994, Roger Allers, Rob Minkoff). Esta película tan popular, ganadora de dos Oscares y múltiples premios más no es más que un refrito animado con animales, de Hamlet, de Shakespeare. Es la historia de la venganza de un hijo heredero al trono, a quien destierra su tío, asesino de su padre. Los guionistas no se cuidan de usar hasta al padre león ya muerto (como la sombra que aparece en la obra), quien le dice al leoncito la identidad del asesino.

Más tarde, en 1996, Rob Cohen dirige Daylight, con Sylvester Stallone. En esta película, que nada tiene que ver con un barco hundido, el guionista emplea el patrón de The Poseidon Adventure (1972, Ronald Neame), para la parte en que el personaje de Stallone rescata a personas que han quedado atrapadas después de una explosión de un camión con desperdicios tóxicos.

Otra estrategia de los productores y guionistas se da cuando se hace la misma película, pero aparentemente diferente. Este es el caso de Rocky (1976) y Rocky Balboa (2006). Si uno se fija bien en la trama, es exactamente lo mismo que pasó en la primera, pero disfrazado. En Rocky, un boxeador callejero tiene la suerte de que lo escojan como contendiente para una pelea de campeonato mundial con Apollo Creed, el súper campeón. Stallone es un maestro a la hora de robar pedazos de tramas, personajes y hasta peleas. Apollo Creed es una versión bastante estereotipada de Muhammed Ali, y Rocky otra de Rocky Marciano, el pelador italo-americano (como Rocky) que se distinguió por noquear a 50 contendientes en línea. La pelea entre Creed y Balboa es un refrito de peleas de Esteban de Jesús, el peleador puertorriqueño de los 70, con Mano de Piedra Durán, de quien Stallone es muy amigo. El puño que Rocky le propina a Apollo Creed y que lo tumba es el mismo puño que le dio de Jesús a Durán en la primera pelea que éstos escenificaron. En la segunda película, treinta años después, Balboa, un campeón retirado, que se dedica a contar historias de boxeo en su propio restarurante, recibe la magnífica oferta de una pelea contra el campeón actual, un hombre treinta años menor que él. Claro, que ahora es una exhibición, porque a nadie se le ocurriría hacer esto como una pelea de campeonato. De alguna manera es lo mismo que pasó en Rocky 5, cuando Rocky se enfrenta al campeón más joven en una pelea callejera, y por supuesto, le gana.

Hacer exactamente la misma película se dio también con el caso de King Kong. De esta película se han hecho tres versiones. Una en 1933, blanco y negro y después coloreada; 1976 y 2005. Sólo la segunda cambia el ambiente, pues se hace en un Nueva York de esa época. Las otras dos se mueven en los 30.

De películas internacionales, se han hecho varias también. Tenemos Les Diaboliques (1955, Francia), con Simon Signorette. Se hizo como Diabolique en 1996, con Sharon Stone, Isabelle Adjani y Chaz Palmintieri. Es la historia de la esposa y la amante de un director de una escuela de internos que lo matan y luego el cadáver desaparece. Otra película francesa rehecha en EEUU es Cousin, cousine (1975). Se le tituló Cousins (1989), con Ted Danson e Isabella Rossellini: dos primos lejanos se conocen en una boda, y aunque ambos están casados, desarrollan una amistad que a sus respectivas parejas les parece que es otra cosa.

John Carpenter cometió el delito de hacer estos refritos también, aunque con mejor suerte. Carpenter resucitó la película The Thing from Outer Space (1951) y la convirtió en The Thing (1982), con Kurt Russell. Y le sucedió que le hicieron a él un refrito también. En el 2005, Jean Francois Richet dirigió Asalto al precinto 13, una película que se basa en el filme del mismo título de Carpenter. Hay que decir que la de Carpenter es muy superior en suspenso y cinematografía.

Finalmente, hay que decir que algunas series que se basan en arquetipos han resultado maravillosas. Son los casos de Scream (de Wes Craven, 1996), Aliens (que podría decirse que utiliza el arquetipo de The Thing), y Star Wars (de George Lucas), que se basan en las antiguas novelas de caballería.

Creo que hay que decir que si Hollywood sigue en esta práctica, lo mejor será mirar para otros países. Los Latinoamericanos han desarrollado un cine de gran calidad, así como los europeos y los asiáticos. Las películas chinas, japonesas y coreanas descuellan por su originalidad en los temas y en su tratamiento. Poco a poco iremos reseñando este tipo de filmes, algunos de los cuales ya están en este blog, para salir un poco de la monotonía de descubrir que ya sabemos lo que pasa, no porque seamos demasiado inteligentes, sino porque ya lo hemos visto 350, 000 y pico de veces.

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4 de marzo de 2008

Multinacionales manipulan comida genéticamente

Título: The Future of Food (2004)
País
: Estados Unidos
Idioma
: inglés (sin subtítulos)
Género
: documental
Ocasión
: Cuando quieres aprender e informarte
Dónde se consigue*:
Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

The Future of Food es un documental investigativo que mira los productos comestibles manipulados genéticamente, cómo se filtran éstos en los supermercados y cuáles son las posibles consecuencias. Igualmente, examina el rol de las multinacionales en este proceso.

Reseña

El género del documental es, probablemente, uno de mis favoritos. Aunque, por lo general, tiene unas convenciones que lo clasifican como tal, el género es muy flexible. Dentro de él se pueden tratar mil y un temas distintos. En este caso, se examina lo que comemos.

The Future of Food se nutre de datos del gobierno estadounidense, de académicos/as del campo de la comida, de anécdotas de granjeros y de muchas otras fuentes de información para pintarnos un paisaje, francamente, horroroso. El documental nos lleva por dos caminos paralelos que critican tanto el producto (comida manipulada genéticamente) y a los productores (las multinacionales). Es, efectivamente, un texto altamente político en el sentido amplio de la palabra.

Una de las cosas buenas que tienen, generalmente, los documentales estadounidenses es que nos muestran una cara de la historia que Hollywood y los medios mainstream no nos muestran. The Future of Food continúa esta tendencia buscando información dentro y fuera de los Estados Unidos. El filme sigue la historia de granjeros en Saskatchewan, Canadá y en Oaxaca, México además de en los mismos Estados Unidos.

Como todo buen documental, The Future of Food nos provee fuentes que constatan el argumento que presentan. De hecho, en el site oficial han puesto, además, recursos bibliográficos que podemos consultar para aprender más del tema. Igualmente, Deborah Koons García (escritora y directora) contextualiza, históricamente, el proceso que ha llevado a Estados Unidos (y a sus posesiones) a consumir productos anti-naturales y peligrosos. Esto hace que uno entienda porqué se está dando este proceso y cuál sería, efectivamente, el futuro de la comida si no se hace nada al respecto.

Este documental es muy importante. Además de estar bien hecho, de ser accesible y de ser entretenido (el hecho de que sea informativo no elimina su valor como objeto de entretenimiento), The Future of Food nos presenta una información que es invaluable para todos/as aquellos/as que consumimos productos comestibles hechos y crecidos en los Estados Unidos.

Cortos

Pulse aquí.

Video


Esto es la introducción del documental. Desafortunadamente, no encontré el resto. Si alguien lo encuentra, por favor ponga el enlace en los comentarios. ¡¡Gracias!

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3 de marzo de 2008

Activistas roban tren en Uruguay para evitar su venta a Hollywood

Título: El último tren (título original Corazón de fuego) - 2002
País(es): Uruguay en co-producción con Argentina y España
Idioma:
español
Género
: Drama con elementos cómicos
Ocasión
: Cuando se busca una historia que inspira
Dónde se consigue
*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un hombre de negocios decide venderle a un estudio de Hollywood una locomotora abandonada que es patrimonio de Uruguay. Sin embargo, los “Amigos del Ferrocarril” (una asociación sin fines de lucro) deciden robarse el tren y guiarlo hasta Brasil para evitar su venta.

Reseña

El último tren es una película que me parece muy pertinente a la situación socio-política de Puerto Rico en estos momentos. Este filme cuenta la historia de un grupo de personas valientes que se entregan por una causa que ellos consideran noble.

En nuestro país tenemos muchas cosas por las que luchar. Sin embargo, cada vez que algún grupo organizado decide reclamar sus derechos, las personas que se ven afectadas o, simplemente, aquellos/as conservadores/as anti-obreros y anti-derechos laborales comienzan las campaña de descrédito. Pues esta película presenta una situación parecida y nos muestra la importancia de esos pequeños grupos que toman acción y se levantan por una causa justa.

El largometraje no recurre a las persecuciones policíacas (aunque es obvio que la policía juega una parte importante en la trama), ni a los efectos especiales, ni a la violencia. Es, precisamente, la resistencia y desobediencia asertiva pero pacífica, lo que se resalta en este texto. De igual forma se examina de forma no panfletera el imperialismo estadounidense, la venta del patrimonio latinoamericano y el papel de la sociedad civil dentro de estos asuntos.

El último tren es un filme que logra la profundidad a través de la simpleza. El diálogo no es rebuscado ni teórico, sino llano y asequible. No obstante, esto no hace que pierda la profundidad de sus planteamientos. Esta es una característica que se repite mucho dentro del cine Hispanoamericano. Además logra también enseñarnos la humanidad de estos personajes. La película está llena de momentos tiernos y momentos cómicos que sirven para mantener anclado el acto de desobediencia de estos personajes.

En fin, El último tren es una película para sacar en los momentos en que uno necesite un “shot” de inspiración, de rebeldía, de humor y de ternura. Es una película muy hermosa que trabaja un tema complejo de forma muy sencilla.

Cortos

No disponibles – Buscar enlaces adicionales



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1 de marzo de 2008

Gobierno japonés obliga estudiantes a matarse entre si

Título: Batoru rowaiaru (Battle Royale en inglés) -2000
País: Japón
Idioma: japonés (subtítulos en inglés y coreano)
Género: Suspenso/Acción (Violencia desenfrenada)
Ocasión: Cuando quieres ver un baño de sangre…
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

En el futuro cercano, Japón se encuentra en un caos total. El desempleo anda por los cielos y l@s estudiantes se niegan a ir a las clases y obedecer a sus maestr@s. El gobierno japonés, entonces, pasa una legislación conocida como el “Battle Royale Act”. Esta legislación hace que se escoja, anualmente, un grupo escolar al azar para participar en un viaje de fin de curso. El viaje, sin embargo, es a una isla en la que les espera un juego mortal: “o matas a tus compañeros o te matan a ti; sólo uno/a sobrevivirá.”

Reseña

Battle Royale no es una de las películas de horror que Hollywood ha re-hecho recientemente. En parte, podríamos decir que este filme no es de “horror” como tal. Sin embargo, tiene algunos de los mismos elementos que hacen del cine japonés uno de los más sanguinarios y aterrorizantes.

Habría que comenzar dejando claro que este filme es muy gráfico. Basta con entender que la premisa para darse cuenta de que el planteamiento, en sí, es muy fuerte. Sin embargo, no mucho puede preparar a uno para estas escenas violentas. No es, precisamente, el que sean adolescentes los que se matan unos a otros, sino la forma en que lo tienen que hacer. Para efectos de la trama, cada uno de los “participantes” tiene un arma distinta. Esto se presta para unos duelos muy desiguales.

El largometraje cuenta con un elemento narrativo que guía el suspenso. Según se explica en las reglas, cada 6 horas se da un update de cuantos estudiantes han muerto, cuantos quedan y cuáles son las zonas de peligro. Esto es un marcador que va dejándonos saber cómo se va desenvolviendo la matanza y nos pone en alerta a que otra ola de asesinatos está cerca.

Quizá lo que hace esta película más escalofriante es el tono nonchalant con que los militares, el maestro y los demás representantes administrativos explican y justifican el sistema de “castigo”. Excepto por l@s mism@s muchach@s que van a tener que matarse, todas las otras personas parecen entender que esto es algo necesario por el bien de Japón. Existe un aire de frialdad burocrática y hasta de humor sádico que aumenta la tensión.

En fin, si busca poner el corazón a millón, ver mucha sangre caer (aunque se vea cheesy de vez en cuando), ver tripas volando y estar en tensión, esta es la película que debe sacar.

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