30 de mayo de 2008

Hombre viaja a Dinamarca y se entera de tremendo chisme en una boda

Título: Efter brylluppet (After the Wedding en inglés)
Países: Dinamarca y Suecia
Idiomas: danés, inglés, hindi y sueco (subtítulos en inglés)
Género: drama
Ocasión: Cuando te interesa un buen chisme
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un hombre que dirige un orfanato en India viaja a Dinamarca (su país natal) a pedir dinero a un inversionista para continuar su obra. El inversionista lo invita a la boda de su hija y éste, como deferencia, decide ir. Allí se entera de un secreto que alterará el resto de su vida.

Reseña

Tengo que decir que hasta el momento no he visto ninguna película danesa que no me haya gustado. Anteriormente había reseñado The Green Butchers (filme en el que también sale Mads Mikkelsen) y The Five Obstructions. Hay algo muy diferente en el cine danés. Todas estas películas, de una forma u otra, trabajan con personajes disfuncionales. En The Green Butchers el personaje de Mads Mikkelsen es un hombre neurótico, antisocial y oscuro. The Five Obstructions, que es un documental y no tiene personajes ficticios, lidia con la disfunción de Lars von Trier y su proceso sádico pedagógico. After the Wedding, entonces, no es la excepción. Jacob (Mikkelsen) va a Dinamarca sin la más mínima idea de lo que le espera en esa boda. Al igual que en The Celebration (que todavía no he reseñado), la fiesta sirve para quebrar la imagen de “normalidad” que aparenta la familia y desvelar su verdadera dimensión disfuncional. Más allá de la disfunción, sin embargo, es el estudio del comportamiento humano lo que sale a relucir en todos estos filmes. Tomadas como un conjunto, estas películas podrían representar una visión del mundo y del ser humano: no existe tal cosa como la “normalidad”… lo normal es la disfunción.

Otra cosa que me fascinó de este largometraje es la encrucijada en la que se encuentra el personaje principal. Aunque no puedo revelar datos específicos (para no dañar las sorpresas) es importante hablar de esto. Jacob tiene que tomar una decisión entre sus deseos, sus responsabilidades profesionales e ideológicas y sus responsabilidades personales. Llega un momento del filme en que todas estas cosas están compitiendo entre sí y cualquier decisión que él tome le va a traer consecuencias serias. Me identifiqué mucho con Jacob (aunque, claro, no me he encontrado en esa encrucijada específica) porque muchas veces me he cuestionado qué será de mi vida en un futuro cuando haya terminado mis estudios. En esos momentos salen a relucir esas mismas decisiones entre los deseos personales, las responsabilidades ideológicas y las responsabilidades profesionales. Por demás, creo que lo extremo de la situación en la película pone las situaciones de uno en perspectiva.

Finalmente, no me puedo ir sin mencionar las actuaciones. En otra ocasión ya he hablado sobre el trabajo de Mikkelsen. Sin embargo, Rolf Lassgård y Sidse Babett Knudsen se la comen en sus respectivos papeles. Knudsen demuestra todo su repertorio histriónico en esta película al pasar de la extrema felicidad al puro terror emocional y a la confusión sentimental. Igualmente, Lassgard tiene varias escenas poderosas en las que pasa de una personalidad fría y calculadora a una desesperación desgarradora.

En fin After the Wedding, película nominada al Oscar de mejor películas extranjera en 2006, es una gran representante del cine danés contemporáneo. Es una estudio psicológico intenso y emocional.

Cortos

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24 de mayo de 2008

Mujer va a trabajar a casa de maestra que le daño la carrera

Título: La tourneuse de pages (The Page Turner en inglés) - 2006
País
: Francia
Idioma: francés (subtítulos en español y en inglés)
Género: suspenso
Ocasión: Cuando tienes ganas de ver una película corta con emociones intensas
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Una niña prodigio del piano fracasa un examen de entrada a un conservatorio prestigioso por culpa de la desconsideración de una de las juezas. Años después, la niña obtiene la oportunidad de trabajar para esa misma mujer.

Reseña

Esta es otra de esas películas de las que no se puede entrar en mucho detalle. La trama es tan simple, pero tan efectiva, que hay que ser muy cuidadoso al hablar de ella o se puede arruinar completamente. Por eso, voy a tratar de concentrarme en algunas generalidades del filme y más nada.

The Page Turner, como otras películas francesas que he reseñado aquí, es muy corta. Tan sólo dura 1 hora con 25 minutos. Sin embargo, no se necesita más tiempo. Es este tipo de cine el que me llevó a criticar negativamente la duración de El aura. Viendo The Page Turner me reafirmo en que para que una historia sea poderosa e intensa no tiene que durar más de dos horas. The Page Turner construye el conflicto desde el principio y desarrolla los personajes sólo lo necesario.

Re-leyendo algunas de las reseñas que he hecho, me doy cuenta que en muchas de éstas me enfoco en los/as actores/actrices que salen en estas películas. Aunque quizá parezca una muletilla mía, creo que los/as actores/actrices son esenciales en el producto final. A veces vemos películas en las que la historia está muy bien pero las actuaciones son tan malas que uno no logra llegar a ese “suspension of disbelief” que se supone que lleguemos. Gracias a Dios, ese no es el caso de The Page Turner. Déborah François, la actriz que interpreta a la niña de grande, es responsable de gran parte de la tensión que se mantiene a lo largo del filme. El personaje de Francois, Mélanie, es una de estas personas a la que alude el refrán popular “del agua mansa líbrame Dios, que de la brava me libro yo” y nos mantiene todo el tiempo pensando en sus intenciones.

Finalmente, para no entrar más en detalles, es un acierto de los libretistas y del director, escondernos alguna información. En algunos largometrajes, l@s escritores nos permiten acceso a cierta información que otros personajes no tienen y esto termina dañando el suspenso de la película. No así en ésta. Nosotros, como audiencia, nos enteramos de los sucesos según ocurren y, por tanto, funciona mejor el elemento de sorpresa. Aunque a veces es obligatorio darnos un poquito más que a algunos de los personajes, los escritores de The Page Turner nos dan a la audiencia sólo lo estrictamente necesario para entender el desenlace. El resto del tiempo nos mantienen la información escondida hasta que ésta se revela en el mundo de la historia.

Bueno, aquí les dejo los cortos. No les digo más para no dañársela. Espero que disfruten este filme que fue la selección oficial del público en Cannes en el 2006.

Cortos

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19 de mayo de 2008

Competencia de "breakdancing" (estrobugui) en Alemania

Título: Planet B-Boy (2007)
País: Estados Unidos
Idioma: inglés
Género: documental
Ocasión: Cuando quieres ver buen baile urbano
Dónde se consigue*: Todavía está en los cines, pero pronto se podrá conseguir en Netflix

Resumen

El documental sigue la trayectoria de 5 equipos que van a competir en el torneo internacional de breakdancing, “Battle of the Year” en Alemania.

Reseña

Planet B-Boy es, antes que nada, un documental que explica qué es el “breakdancing” y cuál es su historia. Para aquell@s boricuas que no sepan que es el “breakdancing”, en Puerto Rico le llamábamos el “estrobugui” (electro-boogie) en los 80’s. Este filme nos explica que, contrario a lo que much@s podríamos haber pensado, este baile no sólo no ha muerto sino que ha evolucionado y se ha convertido en una sub-cultura mundial.

Aparte de los datos puramente informativos que tiene la película, Planet B-Boy tiene otras cosas chéveres. Primero, contiene muchas escenas distintas de baile. Aunque no se pueden ver todas las coreografías enteras, el director hace un gran trabajo de darle suficiente escenas de baile a la audiencia. Realmente uno puede aprender del estilo y ver cómo estos maestros (porque eso es lo que son verdaderamente) lo ejecutan a la perfección.

Por otra parte, al igual que Mad Hot Ballroom (que reseñé anteriormente), Planet B-Boy logra construir una historia dramática. Benson Lee, el director, se enfoca en 5 equipos específicos: Francia, Japón, Corea del Sur (2 equipos) y Estados Unidos. Y dentro de estos 5 equipos, se sacan algunas historias específicas como, por ejemplo, la de un joven que es hijo único y huérfano de madre, la de un niño blanco de 12 años que baila en un equipo en el que todos los demás integrantes son negros y adultos o la de un muchacho cuyo padre murió de cáncer. Fuera de estas historias individuales, la estructura de la competencia “Battle of the Year” provee el resto del arco dramático del filme.

Algo que me pareció particularmente interesante (ya que estoy en pleno proceso de estudiar para los exámenes comprensivos doctorales) es cómo este producto mediático nos presenta las tensiones entre la modernidad y la postmodernidad. Mientras por un lado algunos jóvenes dicen que aunque les gusta su país, su bandera no es la nacional sino la del “hip hop”, por otro lado vemos jóvenes que se toman bien en serio su papel de representantes nacionales (la competencia está dividida en países). De igual forma oímos muchas (re)definiciones de cultura, de nación…de las instituciones tradicionales modernas.

Finalmente, continuando con el tema de la modernidad y la postmodernidad, vemos la tensión entre la resistencia y el imperialismo. Aunque el campeón defensor de la competencia es Corea del Sur, se menciona mucho la supuesta supremacía de los Estados Unidos en éste y en otros campos. Algunos equipos, como el de Francia, quieren simplemente vencer a los estadounidenses aún cuando éstos no habían ganado una competencia de “Battle of the Year” desde 1998. De igual forma, la retórica estadounidense es la misma megalómana y arrogante que notamos en otros eventos. De hecho, hay una escena que me recuerda un anuncio que salió cuando se hizo la primera Copa Mundial del Béisbol. En ese anuncio, Roger Clemens le asegura al pueblo norteamericano que, aunque hay buenos jugadores en el resto del mundo, nadie les va a ganar porque “we invented the game”. En la película, uno de los integrantes de Knucklehead Zoo, el equipo de EU, dice que aunque se hayan “apropiado” del baile en otros países, eso se inventó en Estados Unidos y hay que traer el trofeo “a casa”. Como justicia poética, los estadounidenses no llegaron ni a las finales.

En fin, Planet B-Boy es un buen documental para conocer la cultura del “breakdancing” a nivel mundial, para ver buenísimas escenas de baile y para alimentar la curiosidad y buscar más información de este fenómeno tan interesante.

Cortos


Aquí les pongo algunos videos adicionales de los diferentes grupos:

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18 de mayo de 2008

Taxidermista planea el crimen perfecto en la Patagonia

Título: El aura (2005)
País: Argentina en co-producción con España y Francia
Idioma: español (y tiene "closed captioning" en español)
Género: film noir
Ocasión: Cuando quieras ver una historia lenta pero intensa
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un taxidermista epiléptico sueña con ejecutar el crimen perfecto. Un día se le presenta la oportunidad.

Reseña

Acabo de ver El aura así que la tengo fresca en mi memoria. Tal y como hice con Poor Boy’s Game, voy a presentar lo que me gustó y lo que no me gustó.

Lo que no me gustó

Alquilé esta película porque el servicio de Netflix me la recomendó. Según Netflix, como me había gustado 13 Tzameti, ésta me debería gustar. Efectivamente, 13 Tzameti y El aura comparten cosas en común: el ‘feeling’ de irse adentrando en los rincones de un sub-mundo criminal y el incidente que guía la acción en ambas películas. Sin embargo, 13 Tzameti tiene un acierto que éste filme no tiene: corta duración. El aura es muy larga. Y no es que dure 9 horas como la interminable trilogía de los anillos. Pero, genuinamente, hay como media hora que se pudo haber cortado.

El hecho de que el largometraje sea súper lento contribuye al exceso de duración. Hasta los movimientos de cámara son lentos. Esto es parte de la sensación que el director quería crear. Sin embargo, en vez de aumentar el suspenso a veces la lentitud trae consigo el desánimo. Hay momentos en que uno, simplemente, quiere que la escena se acabe y ya.

Hay ocasiones en que la lentitud funciona. De hecho, se podría argumentar que hay partes de El aura que tenían que ser así de lentas. No obstante, me parece que se sacrificaron unas cosas por otras. Por ejemplo, si la película iba a ser larga como quiera, quizá nos debieron haber dado más información del personaje: no sabemos por qué esta obsesionado con planificar el crimen perfecto y, aparte de que es un taxidermista y epiléptico, no sabemos mucho más de él. En efecto, en un momento dado él mismo se lo dice a otro personaje: “tú no me conoces” (y nosotros tampoco y esto no cambia a lo largo del filme). En 13 Tzameti, por ejemplo, esto no es necesario. La motivación del personaje es clara: el dinero. Pero aquí no. Parecería que es aburrimiento (quizá por su profesión o su vida) pero son inferencias abiertas que hacemos al azar.

Lo que me gustó

Ricardo Darín. Es una actuación intensa y profunda. Las pocas inferencias que podemos hacer de su personaje (ya que como comenté arriba casi no nos dan información) las hacemos por sus gestos y ademanes. Su cara dice todo lo que no suelta su boca. Su mirada, patéticamente aburrida, nos hace entender que hay algo horrible que ocurre en su mente… aunque nunca sepamos qué es.

Por otra parte, me gustó mucho la historia. La idea de este filme parecería ser aquella que se esconde detrás del dicho anglosajón “be careful what you wish for”. Esteban Espinosa (el personaje principal) es lo que llaman en Estados Unidos un “armchair quarterback”, es decir, una persona (un fanático) que se sienta a ver como otras personas ejecutan sus trabajos (el concepto específico se refiere al mariscal de campo del football americano) y dice que él/ella lo podría hacer mejor y cómo. En El aura, el creador le dijo a Espinosa: “¿ah sí? Pues dale que te toca”.

La historia tiene mucha coherencia interna. Todo lo que ocurre en el final de la película queda establecido a lo largo del filme. Sin embargo, hay una inconsistencia que me perturba y no me decido si es, verdaderamente, una inconsistencia o si es parte de cómo el creador quería jugar con el personaje. Desde el principio queda establecido que Esteban tiene una memoria infalible. Queda BIEN claro. Sin embargo, en un momento clave esa misma memoria le falla. Podría ser parte de cómo se representa el caos en el filme (quizá por eso Sontag al principio le dice: “¿y si algo sale mal?”), pero lo problemático es que es la única ocasión en la que ocurre. Este es el único evento que no tiene precedente (aparte de esa línea, pero eso no explica su pérdida de memoria) dentro del mundo de El aura; muy conveniente para el clímax del filme.

Finalmente, la cinematografía de esta película es preciosa de principio a fin. La calidad no desmerece nunca.

A mí me gustó El aura. Admito que hubo algunos elementos que me exasperaron, pero en general valió la pena. Eso sí, no se puede ver este largometraje pensando en la otra película de Bielinsky, Nueve reinas. Son dos películas totalmente diferentes: pasos distintos, tramas distintas, géneros distintos. Creo que yo cometí ese error y por eso me chocó tanto el paso tan lento y la duración tan larga de El aura.

Cuando estaba buscando información para hacer esta reseña, me di cuenta de que Fabián Bielinsky, el director y escritor de estos dos filmes, murió luego de terminar El aura. Murió muy joven (46 años) de un ataque al corazón. Es, verdaderamente, una lástima. Argentina perdió un gran director de cine que apenas comenzaba a despuntar. ¡Qué descanse en paz!

Cortos

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14 de mayo de 2008

Renacuajo mutante ataca Seul, Corea del Sur

Título: Gwoemul (The Host en inglés) - 2006
País: Corea del sur
Idiomas: coreano e inglés (subtítulos en
español e inglés)
Géneros: Horror…
Ocasión: Cuando tienes ganas de ver un renacuajo mutante
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un monstruo marino mutante, creado por un derrame de tóxicos por parte del ejército estadounidense, irrumpe en Seúl y se rapta a la nieta de la familia Park. La familia, luego de que las autoridades se niegan a ayudarles, se va detrás del monstruo a buscar a la niña.

Reseña

Comienzo diciendo que no soy fanático de las películas de horror y mucho menos de su sub-género, las películas de monstruos. Las encuentro aburridas, predecibles y formulaicas. Sin embargo, The Host es algo diferente.

Así como Gojira (Godzilla) nació como una metáfora de la realidad socio-política del momento (las bombas atómicas) Gwoemul, el monstruo de The Host también es producto de un problema socio-político contemporáneo. En este caso, sin embargo, la culpable es la contaminación ambiental. El autor hace una decisión consciente al poner la responsabilidad, claramente, en las manos del ejército de los Estados Unidos. Además de ser un juicio directo a sus políticas ambientales, Estados Unidos representa la cantidad de países “desarrollados” que utilizan al mundo “en desarrollo” como su vertedero personal. Aunque Corea del Sur no es un pais en desarrollo, el desbalance de poder se hace muy claro en la toma inicial del filme.

En términos puramente estéticos, The Host es una de las películas de monstruos más innovadoras que he visto. Se representa a Gwoemul como lo que se supone que sea: una mutación genética. La bestia tiene cuerpo de renacuajo, patas de dinosaurio, bocas de serpientes…en fin, es un collage de animales fundidos en un garabato químico.

El largometraje tiene, además, el acierto de mezclar varios géneros en uno. Aunque es, principalmente, horror, The Host tiene muchos elementos de comedia que a veces hacen a uno pensar que uno está viendo una sátira. De hecho, la misma construcción física del monstruo fluctúa entre lo horripilante y lo humorístico. A veces se mueve como una verdadera bestia descerebrada y a veces parece un clavadista olímpico. Los humanos también proveen varios momentos graciosos. Uno de los personajes principales, el papá de la niña raptada, es un hombre-niño inepto e hilarante. Pero The Host también tiene elementos dramáticos que examinan la vida íntima de una familia. En el fondo, la película se trata tanto de los Park (la familia) como del monstruo y el caos que éste desata en la ciudad.

Finalmente, es importante recalcar el personaje de Park Hyun-seo, la niña raptada. Este personaje provee “empowerment” tanto a l@s niñ@s en general como a las mujeres. Aunque el monstruo la rapta y le muestra lo que podría ser su futuro (una pila de cadáveres destrozados), la niña no se deja intimidar por la bestia y, constantemente, busca maneras de escapar, de engañarla y de sobrevivir. Cuando más adelante, entonces, el monstruo rapta a un niño pequeño, Hyun-seo es la que le salva la vida. Ah-sung Ko, la joven actriz que encarna a Ko, interpreta el papel magistralmente.

En fin, The Host es una película de monstruos que tiene algunos elementos que la diferencian al resto de los filmes enlatados de su género. Entre risas y sustos, la película entretiene.

Cortos

Oprima aquí. Normalmente pongo los de YouTube, pero éstos no eran de muy buena calidad.

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11 de mayo de 2008

Dia de madres con peliculas internacionales!

Hoy en Puerto Rico celebramos el día de las madres. Aquí les presento tres películas que se tratan, de diferentes formas, de la maternidad. Vayan al video, alquilen una de éstas y véala con su mamá y su familia. ¡Felicidades!

* Todos estos filmes se consiguen en Blockbuster o en Netflix.

Título: El hijo de la novia (2001)
País: Argentina
Idiomas: español
Géneros: drama/comedia

Resumen:

Rafael es un dueño de restaurante que tiene una vida caótica. Esta vida lo lleva a tener un pequeño ataque del corazón. A la misma vez, su papá decide volver a casarse con su mamá pero esta vez por la Iglesia, como ella siempre quiso. El problema es que ella tiene Alzheimer y casi no reconoce a nadie. Estos dos eventos hacen que Rafael re-piense su vida y todo lo que se ha estado perdiendo.


Título: A mi madre le gustan las mujeres (2002)
País: España
Idiomas: español y checo
Géneros: drama/comedia

Resumen

Una madre decide presentarles a sus hijas el nuevo amor de su vida. Para sorpresa de éstas, el nuevo amor es otra mujer y mucho más joven que su madre. Las hijas no toman bien la sorpresa y comienzan a planificar como deshacerse de la novia.


Título: Todo sobre mi madre (1999)
País: España
Idiomas: español, catalán e inglés
Géneros: drama

Resumen

Una madre soltera madrileña ve a su único hijo morir en un accidente de tránsito el día de su cumpleaños número 17. Decide, entonces, ir a Barcelona a encontrar al padre que nunca supo que tuvo un hijo. Allá en Barcelona conoce varias personas interesantes y termina formando una relación de madre con una de ellas mientras ésta atraviesa un embarazo doloroso y peligroso.

* Que conste, de estas tres la más que me gustó fue Todo sobre mi madre. Es una película poderosa, con grandes actuaciones y todos los elementos clásicos que le han ganado fama internacional a Pedro Almodóvar. Y no se olviden de Good Bye Lenin, la última que reseñé que también trata, de alguna forma, el tema de la maternidad. ¡Que las disfruten!

9 de mayo de 2008

Mujer cae en coma y despierta en otro país

Título: Good Bye Lenin (2003)
País: Alemania
Idiomas: alemán (subtítulos en inglés)
Géneros: comedia
Ocasión: Cuando buscas humor un poco más sofisticado
Dónde se consigue*: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Una señora dedicada al ideal comunista en Alemania Oriental cae en coma unas semanas antes de que caiga el muro de Berlín. Cuando sale del coma, el muro ha caído y todo ha cambiado pero ella no lo sabe. Su doctor le dice a su hijo que debe protegerla de cualquier evento que la pueda excitar por que ella está frágil y no aguantaría un infarto. El hijo, entonces, decide esconderle la realidad política del país y hace todo lo impensable para hacerle creer que todo sigue igual.

Reseña

Good Bye Lenin utiliza la comedia como mecanismo para acercarse a una situación que fue difícil, dolorosa y compleja. Según he leído de algun@s alemanes, el director hizo un gran trabajo al capturar el cambio abrupto y desenfrenado que se dio luego de la caída del muro. De igual forma, los escritores no tienen miedo de parodiar lo absurdo de ambos sistemas políticos tal y como se dieron en esta región del mundo; así evitan una representación maniquea de un periodo lleno de grises.

Por otra parte, la comedia de Good Bye Lenin tiene dos dimensiones. De un lado tiene una dimensión puramente física y “slapstick”. Del otro, sin embargo, se nutre de sutilezas para causar el humor. Un buen ejemplo de cómo el filme logra la síntesis de ambas dimensiones es la escena en que, de momento, unos trabajadores ponen un “billboard” colgante de Coca Cola en el edificio contiguo al de la casa de la mamá. Aunque lo que nos da risa es, precisamente, ver como se desenrolla ese letrero gigante y amenaza con destruir de un plumazo toda la ilusión que el hijo ha creado, también nos da risa (y dependiendo de sus inclinaciones políticas, molestia o tristeza) lo que connota ese letrero gigante: la presencia tan ridículamente exagerada y abrupta del capitalismo occidental en este país.

Good Bye Lenin¸ además, es una alegoría de cómo los seres humanos construimos nuestros ideales. Mientras estaba re-leyendo algunas críticas de esta película, encontré un comentario de una mujer que argumentaba que Alex, el hijo, le recrea una versión benévola del socialismo soviético/alemán. Pensando en que al principio del filme nos queda claro que él no es como su madre (tan entregado a la causa socialista), esta interpretación no es tan extraña. Alex, efectivamente, parecería estar construyéndole la versión del socialismo que él hubiera querido tener (en parte porque quiere preparar a su madre para que acepte el nuevo sistema político). De esta forma se problematiza más aún la situación de Alemania Oriental: no necesariamente se condena el socialismo como ideología, sino la forma en que este se implantó. Alex, entonces, imagina (en el sentido "appaduriano" de la palabra) una situación con la que él se siente cómodo.

En fin, Good Bye Lenin, un largometraje que recibió 31 premios internacionales y 14 nominaciones adicionales, es una historia de familia, de política y de cómo éstas se entrelazan entre sí; un filme entretenido, inteligente y cómico.

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7 de mayo de 2008

Estudiante reta a su mentor cinematografico a re-hacer su primer filme

Título: De fem benspænd (The Five Obstructions en inglés) - 2003
Países: Dinamarca, Suiza, Bélgica y Francia
Idiomas: danés, inglés, francés y español (subtítulos en inglés)
Género: documental
Ocasión: Cuando quieres aprender más sobre el arte de la cinematografía
Dónde se consigue*: Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

El famoso director Lars von Trier le propone a su mentor Jørgen Leth que re-haga su primera película 5 veces distintas con 5 limitaciones (obstrucciones) diferentes.

Reseña

Lars von Trier es uno de los fundadores de un movimiento en el cine internacional que se llama Dogme 95. Esto movimiento se caracteriza por imponerles una serie de reglas a los directores para que éstos se concentren en la historia en vez de en efectos especiales o escenas innecesarias que se hacen sólo para ganar más dinero. En efecto, Dogme 95 es un ataque directo a las películas hollywoodenses. Algunos de las reglas son: prohibidos los sets y las luces artificiales, prohibidas las escenas superficiales de acción, prohibido el uso de “props” a menos de que éstos se encuentren en la localización donde se está filmando la película, etc. En el fondo, estas reglas están hechas para que los directores tengan que poner a trabajar su creatividad con la historia y con la trama y se olviden de las cosas superficiales que caracterizan muchas de las películas hollywoodenses contemporáneas.

Pues este documental, aunque no es técnicamente parte del movimiento Dogma, sí sigue la noción de que las limitaciones hacen que las mentes de las personas funcionen mejor. Como dice el viejo refrán, “la necesidad es la madre de la invención”. Cuando von Trier le impone las 5 obstrucciones a Leth, éste tiene que confrontar sus propias muletillas cinematográficas e ingeniárselas para crear sin recurrir a ellas.

Este documental es un “must-see” para todas aquellas personas que están interesadas en el arte de hacer cine: de la creación cinematográfica. En realidad, el filme es una conversación entre dos grandes directores de cine acerca del papel de la imaginación en la creación del arte. Las 5 obstrucciones, por demás, producen 5 documentales totalmente distintos. Se ve cómo un solo texto puede ser la base para múltiples interpretaciones y visiones.

Es interesante, también, ver la dinámica entre ambos directores. von Trier, quien tiene fama de molestoso y arrogante, admira muchísimo a Leth. Sin embargo, siente que éste se ha “embotado” y por eso decide proponerle estos retos. Aunque es evidente que existe una amistad entre ambos hombres, se dan también muchos choques de visiones de mundo distintas y de estilos directorales diferentes. The Five Obstructions, además, es un documental sobre la enseñanza. Vemos a lo largo del filme cómo los roles de maestro y estudiante se alternan. Sabemos desde el principio que von Trier fue alumno (o protegido) de Leth. Sin embargo, en esta ocasión, es von Trier el que está retando a su maestro. Es él el que hace que su maestro pase por ese viaje de auto-descubrimiento para que éste se dé cuenta hasta donde puede llegar su imaginación.

The Five Obstructions me parece particularmente pertinente al caso de l@s cineastas puertorriqueñ@s. De hecho, el movimiento Dogma en general… Aunque ya lo he dicho antes, vale la pena recalcarlo: l@s cineastas de aquí deben empezar a pensar en sus limitaciones y cómo éstas se pueden convertir en sus fortalezas.

En fin, The Five Obstructions es un filme entretenido, curioso y diferente. Tiene momentos muy “light” pero, igualmente, tiene momentos muy filosóficos y profundos. Cualquier persona que esté interesada, seriamente, en el proceso de creación cinematográfica (sea un/a aficionad@, estudiante o profesional) debe ver esta película.

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5 de mayo de 2008

Joven roba carro con bebé adentro

Título: Tsotsi (2005)
País: África del Sur
Idiomas: afrikaans, xhosa, zulu e inglés (subtítulos en español e inglés)
Géneros: Drama/acción
Ocasión: Cuando estás preparado/a para ver una historia de pobreza y violencia cruda
Dónde se consigue: Blockbuster, Netflix, Amazon Marketplace

Resumen

Un joven criminal que vive en los ghettos de Johannesburgo, África del Sur, se roba un carro de los suburbios sin saber que dentro hay un bebé. Durante 6 días, el muchacho se hace cargo del bebé vacilando entre su vida criminal y sus instintos paternales.

Reseña

Antes que nada, perdonen la ausencia, ¡pero el trabajo no perdona! He decidido comenzar este segundo periodo de reseñas con una película que recibió bastante atención hace algunos años. Tsotsi ganó el Oscar a la mejor película extranjera y, así mismo, recibió 13 otros premios internacionales. El filme es producto de una industria cinematográfica naciente de África del Sur. Según he leído de algunos comentaristas surafricanos, Tsotsi marca un nuevo momento de sofisticación en el cine de ese país.

A Tsotsi la comparan con otro clásico contemporáneo de la violencia cruda en barrios pobres del mundo, Cidade de Deus (Ciudad de Dios). Efectivamente, la estética de ambas películas se parece: predominan los colores tierra, la oscuridad, las casuchas mal hechas. Además, ambas son crudas y sin tapujos. Sin embargo, la historia de Tsotsi tiene un toque mucho más personal que Ciudad de Dios. En Tsotsi el conflicto más grande parecería ser interno. El bebé obliga al joven a confrontarse a sí mismo… a mirar la vida que tiene y la vida que quisiera tener.

Habría que hablar, además, de la actuación de Presley Chweneyagae. El actor es responsable por parte de la emoción poderosa que emite este filme. Un pedazo, substancial, de su papel no tiene palabras. Esto implica que mucha de su actuación es física. A lo largo del largometraje, Chweneyagae mantiene un gesto duro que hace que el/la espectador/a le tenga miedo y se pueda solidarizar, quizá, son sus víctimas. Sin embargo, a la misma vez, logra demostrar una ternura muy sutil que nos hace cuestionarnos nuestro primer juicio.

Tsotsi, como Ciudad de Dios, nos muestra el mundo cruel de la violencia en estos ghettos. Sin embargo, estas películas no existen para reforzar nuestros estereotipos de estos lugares, sino para entender mejor las situaciones. Aquí vemos cómo muchos de estos muchachos tienen que convertirse en hombres a las malas y cómo “ser un hombre”, en muchas ocasiones, se traduce a hacer lo necesario para sobrevivir. Aunque la actitud de falta de respeto a la vida que tienen los personajes nos parece imperdonable, habría que pensar que ellos están haciendo exactamente lo que el mundo les ha enseñado. En este mundo capitalista, la ley de oro es “el más fuerte sobrevive”. En estas películas, entonces, nos muestran cómo se lleva esa ley a su etapa más extrema, más cruel. La actitud de desprecio por la vida es paralela a la actitud de los desarrollistas que no tienen ningún respeto por el ambiente, ni por los pequeños negociantes. Es paralela, igualmente, a la actitud de aquellos gángsters de cuello blanco que se roban el dinero que le toca al pueblo para vivir mejor. Al fin y al cabo, ha sido esta misma actitud de “el más fuerte sobrevive” de parte del mundo la que ha dejado que estas personas vivan en casas de tierra, sin agua potable, enfermos y sin servicios decentes. ¿Por qué habríamos de pedirles respeto a ellos, si nosotros nunca se lo hemos dado?

En fin, Tsotsi es una película cruda, violenta y, desafortunadamente, muy realista. Es buena para salir de la enajenación que tenemos en cuanto al resto del mundo.

Cortos

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